«Roma» (2018) película escrita y dirigida por Alfonso Cuarón (1961) ha dado mucho de que hablar en los últimos días y en Neostuff no podíamos quedar sin reseñarla.
Y es que desde su estreno en la más reciente edición del Festival de Venecia, donde ganó el León de Oro, sus buenas críticas en el Festival de Toronto, la nominación a los Goya y que será la película que represente a México en los Premios Oscar, la cinta no ha parado de recibir comentarios favorables.
Hay muchas lecturas que se pueden hacer este filme, es en principio un largometraje muy personal e intimista de Cuarón: el guión, la dirección, fotografía y edición corren a cargo del cineasta oriundo de la Ciudad de México.
¿De que trata «Roma«?
Escena de «Roma» en Netflix
«Roma» puede ser vista como el retrato de una época de agitación social vista desde la óptica periférica de una clase media adormecida o bien como el retrato de un familia en crisis. Y en ambos casos la mirada de Cleo, la empleada doméstica, es testigo mudo de algo que se desmorona para renacer.
Puede ser la historia de Cleo también, de la servidumbre a la que se ve sometida la clase baja, de la marginación por ser mujer indígena. Al despertar sexual desde la ignorancia y la precariedad en una sociedad tradicionalmente machista.
En «Roma» nada pasa y todo está ocurriendo a la vez.
¿Es una película preciosista? Sí, el ambiente de época, los planos fijos largos, el que esté filmada en blanco y negro apuntan a que Cuarón cuidó con gran detalle la estética en cada toma, la fotografía no sólo es bellísima, sino muy bien lograda. No hay efectos especiales que roben la atención y el soundtrack no roba la atención de la trama.
¿Es un película pretenciosa como aseguran algunos en las redes? Quizás lo sea, tiene muchos elementos para considerarse así, aunque esto no le reste merito en lo absoluto.
No te pierdas la oportunidad de ver cine bien hecho, muy humano y forma tu opinión de ella ¡Vale la pena! La película puede verse en salas de cine seleccionadas o desde la plataforma Netflix.
Si hay un género que actualmente sigue acaparando los mayores éxitos de taquilla en la última década, es el cine de superhéroes. El género en sí data de hace décadas, y si bien la carrera armamentista de Marvel y DC ni siquiera fue la génesis del movimiento sí es cierto que hoy son los que están disfrutando las mieles. En 1978, Superman de Richard Donner mostró al mundo que un hombre podía volar y salvar el mundo llevando capa, y de ese modo marcó el comienzo de la era de la película de superhéroes que década tras década ha ido mutando, conquistando millones de fanáticos (y varios detractores) de diferentes generaciones. Desde entonces, hemos sido testigo de lo mejor que puede brindar el género (X2, Guardianes de la Galaxia, Civil War), lo peor (Linterna Verde, Fantastic Four) y simplemente lo que jamás debió existir (Batman & Robin). Sin embargo, últimamente cada vez que alguien mira hacia la historia del cine basado en cómics, su mirada se posa directamente en 2008. Hace una década Marvel estrenaba Iron Man, la base del universo cinematográfico más millonario del mundo mientras que DC estrenaba la segunda entrega de la trilogía de Batman bajo el sello Nolan. El Caballero Oscuro cambió las reglas del juego, las renovó, las hizo suyas y subió el estándar tan alto que hoy, diez años después, varias películas han rozado su calidad pero ninguna la ha superado.
Aunque existen decenas de superhéroes provenientes de cómics es cierto que sólo un puñado han conseguido mayor relevancia, han recibido mayor atención y por lo tanto han conseguido un hueco en el público medio. Entonces, Batman parte con una ventaja en términos de atractivo: es uno de los personajes más conocidos de todos los tiempos y por ende más público está interesado en la película. Sin embargo, citando a Tío Ben “un gran poder conlleva a una gran responsabilidad” y mientras más popular sea el personaje, mayor es la exigencia del público y esto a su vez se intensifica cuando ya hay una primera entrega que ha satisfecho la demanda del espectador.
Christopher Nolan adicionó otros géneros para enriquecer al principal, el de superhéroes. El Caballero Oscuro por supuesto que recurre a las herramientas claves: héroe, villano, damisela en peligro, caos pero les provee motivaciones, arco dramático y desarrollo a cada personaje por lo que The Dark Knight pasa a ser una película de héroes a un thriller psicológico, uno complejo, que sabe dispensar el suspenso en porciones correctas hasta ese clímax maravilloso (el de los dos barcos) capaz de dejar sin aliento a los espectadores, la primera vez que la vea y las siguientes. El Caballero Oscuro no se limitó a ser simplemente oscura, se trata de una película que emana caos. No hay un villano, hay dos. Harvey Dent, motivado por la avaricia además sirve como vehículo para introducir características propias del cine político y el Joker quién básicamente representa la demencia, la psicopatía y la maldad en estado puro. De allí el clásico “hay hombres que solo quieren ver arder el mundo”. Incluso Batman, el héroe que suele representar la luz en la adversidad que entendía que para salvar a las personas, a veces las decisiones difíciles deben tomarse independientemente de las consecuencias. A su vez, allanó el camino para los antihéroes en películas como Suicide Squad y Deadpool.
La película definió un estilo innovador. Antes de la trilogía de Nolan, el enfoque general de las películas de superhéroes era más caricaturesco que el material original. Las películas pasadas de Batman estaban salpicadas de historias e interpretaciones ridículamente exageradas, mientras que Superman generalmente se encontraba recibiendo el mismo tratamiento. Fuera de X-Men, hubo pocas películas de comics que se tomaron lo suficientemente en serio como para contar una historia interesante. Basado principalmente en los cómics de The Dark Knight Returns de Frank Miller, Nolan se concentró en una descripción descarnada y visceral de Batman que no rehuía la naturaleza sombría del personaje. Su trilogía nos mostró un Caballero Oscuro que no rehuía la violencia, haciendo todo lo que tenía que hacer para lograr sus objetivos.
No sabemos si las decisiones de Nolan han influenciado a películas como Marvel que en una década han logrado un tono equilibrado: ni muy graciosas, ni muy dramáticas; ni muy pintorescas, ni muy lúgubres pero que en definitiva les ha funcionado. DC tiene diez años intentando repetir la fórmula fracasando una y otra vez. La oscuridad del universo de Nolan no provenía de la apariencia nada más, sino también de su historia que dio conflicto realista en un universo que parecía imposible. The Dark Knight no sólo contó con buenos personajes, también con buenos actores. Michael Caine, Morgan Freeman, Aaron Eckhart, incluso Maggie Gyllenhaal es una mejora infinita sobre Katie Holmes como Rachel Dawes.
Por supuesto, un gran superhéroe necesita un gran villano, y The Dark Knight tiene el mejor de todos, tanto en carácter como en interpretación. Puede que la gente no recuerde esto, pero las personas no estaban felices cuando Heath Ledger fue seleccionado para ese papel, ni estaban felices cuando se lanzaron las primeras fotos. Obviamente todas esas quejas fueron silenciadas, porque Ledger se las arregló para tomar uno de los más grandes villanos de todos los tiempos y hacerlo realista en este mundo hiperreal de un vigilante enmascarado. Ledger se entregó física y mentalmente para el personaje, literalmente (se pasó meses encerrado en una habitación preparando el personaje) y contó con un villano a secas, no un villano de comics.
La producción técnica de la película es la guinda del pastel. Sí, los efectos generados por ordenador han hecho maravillas para el género pero Dark Knight, con su enfoque en la vieja escuela recurrió al mínimo de artilugios digitales, demostrando que las películas basadas en cómics no necesitan llenarse hasta el borde con efectos cegadores. Basta recordar la persecución de autos. Y es que cada escena de acción funciona. Son secuencias grandiosas, amplias y completamente realizadas en las que el público mira como un residente de Gotham de pie en la esquina de una calle. Para cuando llegaron a la secuencia del hospital, el espectador estaba extasiado. La película es implacable, y lo digo de la mejor manera, la forma en que una película de acción debería estar palpitando con energía, anticipación y la sensación de que todo es importante. La escena de apertura, donde un grupo de payasos enmascarados roban un banco mientras se divierten despiadadamente, debería enseñarse en las escuelas de cine para siempre. Es fácilmente una de las mejores secuencias de apertura en la historia del cine, y de alguna manera, la película entera está a la altura.
The Dark Knight es el epítome del género de superhéroes. Combina acción, caos y emoción de tal manera que se interpreta como una obra maestra. Christopher Nolan, pudo crear esta nueva versión de Gotham y expandirla desde la primera película, Batman Begins. Pocas franquicias pueden decir que tuvieron una segunda película exitosa, Batman Begins puede jactarse de que tiene una de las mejores secuelas de todos los tiempos. Con su dirección y guión, la película tiene muchos momentos de desesperación y emoción que otras películas de superhéroes no son capaces de hacer. Las muchas payasadas del Joker, los momentos de vida o muerte que Batman tiene que enfrentar y las secuencias de acción meticulosamente coreografiadas crean una atmósfera oscura que hace que la película sea más real y arenosa que otras películas del género.
El Caballero Oscuro fue lo que el género de superhéroes necesitó. Creó un nuevo tipo de película de superhéroes que no se había visto antes. Incluso Batman como personaje ha cambiado para siempre debido a esta película. Es un hito en un género tan inmenso, y ninguna otra película puede pasarlo. Por supuesto, entonces ocurre la decepción de The Dark Knight Rises y te das cuenta de que estas películas realmente increíbles son increíblemente difíciles de lograr, incluso cuando usas una fórmula que funciona. The Dark Knight es el pináculo, y aunque todos podemos esperar que nuestras películas de superhéroes alcancen ese nivel, muchas se han quedado cerca como Civil War, Infinity War o Logan que curiosamente aplicó la misma forma: alimentar el género con lo mejor de otros, en su caso el western.
Mientras las películas basadas en cómics sigan acumulando mil millones de dólares al mismo tiempo que otros hablan de una presunta fatiga del género, se seguirá hablando de El Caballero Oscuro como la película que fijó el estándar muy alto.
Durante más de tres décadas Chris Columbus ha producido historias de niños para todos los públicos, muchas de estas han marcado generaciones como Home Alone y Harry Potter. Su trabajo más reciente es, quizás, menos ambicioso y sin duda menos conocido pero de nuevo sitúa a un niño, en esta ocasión una niña, en el lugar de la heroína que conducirá al espectador a un viaje fantástico, una metáfora sobre la lucha interna que genera el dolor, el miedo y el duelo.
¿De qué trata I Kill Giants?
I Kill Giants es una película de suspenso y fantasía dirigida por Anders Walter basada en la novela gráfica del mismo nombre creada por Ken Niimura y Joe Kelly siendo este último el autor del guión. La historia es sobre la joven Barbara quien escapa de su vida real refugiándose en un mundo de fantasía para luchar contra gigantes malvados. Con la ayuda de una nueva amiga y la psicológica de su escuela, Barbara pronto aprenderá a enfrentar sus miedos y luchar contra los gigantes que representan una amenaza para ella.
El dolor te hace fuerte… Y petulante
Barbara huye de su realidad, atestada de dolor, imaginando un mundo fantástico de gigantes que vienen a destruir su ciudad y que sólo ella puede detener gracias a un arma poderosa que guarda en su mochila. Con esta premisa es imposible no comparar I Kill Giants con A Monster Calls debido a que ambas historias mantienen similitudes, la diferencia es que la segunda apela a un protagonista más dócil y permite que el espectador simpatice con este. En cambio Bárbara además de esconderse de la realidad, también busca alejar a todos los que la rodean, y lo hace de manera brusca o presumiendo una superioridad que la vuelve un poco petulante, tomando en cuenta que su amiga, su psicóloga y su hermana, solo buscan su bienestar.
Siendo Bárbara una protagonista poco amable (lleva una tiara con orejas de conejo pero se avergüenza que la psicóloga del colegio la cite en público) no consigue que el espectador conecte con su dolor que después de todo es su motor para lo bueno y para lo malo que ocurre en el largometraje. Entonces, la metáfora, hablamos del dolor de Bárbara representado en los gigantes y el arma es el amor que ha mantenido encerrado en su mochila que curiosamente tiene forma de corazón, queda desdibujada por la personalidad de la protagonista.
Además, la narrativa maneja un ritmo desequilibrado. Por momento brinda escenas potentes, con un corte fantástico y luego, cae en escenas monótonas que comparten situaciones por lo que llega un punto en el que se hace repetitiva. Visualmente la producción se equilibra entre un diseño de producción y una fotografía muy acertadas y unos efectos visuales correctos.
Imogen Poots y Zoe Saldana destacan dentro de las interpretaciones contenidas de dos personajes secundarios que brindan emotividad a la historia, incluso más de la que aporta el personaje de Barbara.
La obra original
I Kill Giants es una serie limitada de historietas estadounidense publicada por Image Comics a partir de 2008. Estos cómics fueron creados por el escritor Joe Kelly y el artista J.M. Ken Niimura. I Kill Giants se incluyó en la lista de los diez mejores cómics de 2009 compilados por Dan Kois para la revista New York. También fue una de las diez mejores novelas gráficas para adolescentes de 2010 por la Asociación de Servicios de Bibliotecas para Adultos Jóvenes. También fue premiado en la 5ta entrega del Premio Internacional de Manga en 2012. Fue votado como el segundo mejor cómic extranjero publicado en Japón en el Gaiman Award.
I Kill Giants no es una mala película pero sus virtudes se ven apocadas por los fallos y el mensaje de su historia, muy emotivo pero a la vez esperanzador, no trasciende como debería y deja una sensación de decepción a sabiendas de que pudo haber sido un trabajo mejor.
Lo espiritual y mitológico pueden ofrecer propuestas animadas más allá de lo imaginado, hacernos reflexionar con una sola imagen y entender no sólo la historia y motivos de un protagonista sino más bien querer saber más de ese mundo que lo rodea.
Y no, no estoy escribiendo la reseña de algún libro de metafísica, hablo de los elementos fundamentales de Big Fish and Begonia, película de Enlight Media, estudio que animó La Leyenda de Korra.
Hablar de esta cinta conocida también como “DA HAI” resulta denso y podría ser comparada con El Viaje de Chihiro, orientada a lo espiritual habla de un mundo alterno del mundo humano, donde los seres que viven allí controlan los recursos naturales y el paso de las estaciones.
En esta, la protagonista es Chun una chica inquieta que al cumplir 16 años es transformada en un delfín para explorar el mundo humano.
En medio de su exploración queda atrapada en un vórtice y será un adolescente humano quién la ayuda a escapar, en medio del desespero, aquel muchacho pierde la vida y deja a una niña en el mundo. Chun conmovida por la amabilidad y coraje del niño decide devolverle la vida, pero al hacerlo debe proteger el alma del chico transformada en un pequeño pez y alimentarlo para que crezca. A través de la aventura el amor crece, pero ella ahora debe regresarlo al mar y al mundo humano.
Alrededor de la Vida y Muerte
A lo largo de todo el trayecto de la película hay escenas que combinan la animación tradicional con el CGI, el simbolismo y la mitología toman una parte importante del film dado que se habla de la vida y la muerte, de la importancia de la reencarnación e incluso de factores de la mitología china.
Dirigido Liang Xuan en conjunto con Zhang Chun sorprende cómo los personajes secundarios superan a los protagónicos, entre humor y desgracia vemos como hay una transición notable y cómo deben asumirse consecuencias de las acciones. Big Fish and Begonia cuestiona qué hace el ser humano con su existencia, cómo se distrae con el trabajo para subsistir y olvida hacerte preguntas acerca de su futuro. También le dedica tiempo a la intervención divina y al equilibrio de la naturaleza, no recae en algo moralista a lo Avatar-Pocahontas pero si refleja cómo el orden natural es necesario.
Qiu es de los mejores personajes que hay en una película animada, no quiero explicarles del todo su final más les adelanto que es el principal compañero de Chun a lo largo de toda su aventura, corresponde a una escucha constante y a un apoyo a largo plazo.
Si son fans de la animación no deben perderse esta conmovedora cinta que se aleja de lo predecible y recrea su propio universo y códigos, en serio la disfrutarán.
Estar obsesionado con un tema puede apartarte del resto del mundo, vincularte con una realidad paralela y disociarte de los demás por no tener temas en común. Pero… ¿Qué pasaría si esa exclusión se da por completo? ¿Si nunca conociste nada más que un búnker y un cajón que transmitía un programa ficticio? Esto y más es Brigsby Bear.
Dirigida por Dave McCary (Saturday Night Live) y producida por The Lonely Island, Brigbsy Bear es una propuesta difícil al verla en un trailer o un poster, dado que podrías podrías creer que trata sobre una comedia o un tema abstracto, más la intención va más allá de eso.
La cinta nos habla de James un chico de 25 años que vive apartado del mundo junto a sus padres, se aferra a seguir día y noche su programa favorito, éste le enseña una realidad alterna Brigsby Bear es su héroe y modelo a seguir, pero todo cambia radicalmente en el instante en que la policía llegar a su hogar.
James estuvo secuestrado por un largo tiempo, alejado de la realidad e internado por sus captores, a diferencia de Room o de otros films ese no es el mayor detractor del film sino que hay mucho más.
El muchacho no sabe como relacionarse, tiene un mundo completo delante de él pero se aferra a los códigos que conoce, a la serie con la que creció que nadie nunca vio salvo sus captores.
Mundo alterno
Brigbsy Bear es un tributo al Asperger y a un cuadro donde es necesario conocer al máximo los códigos de un tema cuando es la ventana de contacto de un individuo. En Brigbsy el show es la excusa para que James pueda tener la oportunidad de socializar pero no se limita a eso, a partir de aquella obsesión surge un entramado de posibilidades, un universo vasto y completo de criaturas que nadie conoce.
Hay un vínculo importante con el cine indie, con el querer contar historias y querer empatizar con el público, dado que habla de desventuras pero siempre con un tono optimista sin recaer en lo moralista.
Películas como Spring Breakers (2013), Under the Skin (2014), Ex Machina (2015) y The Witch (2016) tienen más hechos en común de lo que parece: todas despertaron fervor entre la crítica, tuvieron una recepción bastante calurosa entre el público a tal punto de convertirse en el fenómeno popular (cinéfilo) de sus respectivos años, a pesar de su minúsculo presupuesto tienen una producción apabullante. Y todas han sido distribuidas por A24. Desde su fundación (en 2012) la distribuidora se ha desvinculado del montón y ha demostrado con pruebas de sobra que su compromiso con el cine es real, que no les interesa el qué sino el cómo -cómo está hecha la película, cómo la siente el espectador- y así han invertido en más de 70 títulos en apenas 5 años. Títulos que han brindado originalidad, valentía y arte que el público (a gran o pequeña escala) ha recibido y ha disfrutado y, sobre todo, concuerda en que cuando el logo de la distribuidora abre los créditos de una película saben que las posibilidades de que lo que están a punto de ver sea pura genialidad son infinitas.
A pesar de su juventud, A24 se ha labrado una reputación envidiable trabajando con profesionales de primera, sean jóvenes promesas o veteranos, y sirviendo como ventana para que estos puedan mostrar sus trabajos más arriesgados que, probablemente, el cine mainstream no aprobaría. Tal es el caso de Emma Watson (The Bling Ring), Robert Pattinson (Locke), Dennis Villenueve (Enemy), Yorgos Lanthimos (The Lobster), Paul Dano o Daniel Radcliffe (Swiss Army Man). Así mismo como lo expresó James Franco: “ellos toman algo pequeño y delicado y les dan la atención y el cuidado que otros no pueden” o no quieren. Y “por ellos” Franco se refiere a los fundadores que se encuentran en cada decisión que ha tomado la empresa desde Agosto de 2012 cuando abrió por primera vez sus puertas en Nueva York.
Daniel Katz, David Fenkel y John Hodges no superan los 45 años de edad pero tienen unos historiales bastante interesantes. Katz quien formaba parte de Guggenheim Partners, una inversora global afianzada en Chicago, proporcionó el capital inicial para la empresa; Fenkel formó parte de Oscilloscope Laboratories, una distribuidora independiente de bajo perfil que ha adoptado títulos arriesgados como la triunfadora en Cannes La Meraviglie (2014) o la película experimental Howl (2010); mientras que Hodges fue miembro de Big Beach, otra distribuidora independiente, que ha estrenado películas más reconocidas por el público medio como Little Miss Sunshine (2006), Sunshine Cleaning (2008), Away We Go (2009) y más reciente Loving (2016). Los tres conforman el equilibrio perfecto con el que han conseguido conectar con la audiencia a través de la audacia de sus producciones en consonancia con la cercanía de sus historias.
En 5 años A24 ha evolucionado sin renunciar a su esencia, en cuanto a la variedad de sus historias, su abanico de talento e incluso su alcance en taquilla. En 2013, A24 Films -como se llamaba para aquel entonces- debutó con el género coming of age desde diferentes perspectivas: el drama bélico y las consecuencias de la guerra a través de la mirada de dos adolescentes con Ginger & Rosa, la representación más decadente de una generación millenial obsesionada con sus propios ídolos en The Bling Ring, la juventud pérdida de Spring Breakers y el primer amor que retrata de una manera bastante singular The Spectacular Now. En 2014 la distribuidora mantuvo ese young spirit con comedias como Obvious Child y Laggies y abrazó dos nuevos géneros -la ciencia ficción y el thriller- con cintas valientes como en cuanto a propuesta como Enemy, Under the Skiny Locke. Entre 2015 y 2016, A24 atinó en albergar sus mayores éxitos como While We’re Young, Ex Machina, Amy, Room, Swiss Army Man, The Witch, The Lobster, 20th Century Women y su primera producción Moolinght. Con este puñado de trabajos la distribuidora ha acumulado una gama bastante amplia de reconocimientos entre los cuales destacan casi 20 nominaciones al Oscar y un total de siete estatuillas.
A24 tiene confianza plena en sus historias, la verdadera columna vertebral de sus películas, la verdadera estrella principal porque como ha reconocido su propia gerencia, varios de sus mayores éxitos (The Witch, Ex Machina y Moonlight) no cuentan con superestrellas entre sus repartos. “Tienen muy buen ojo para esas pequeñas películas con historias únicas que de no ser por ellos no conseguirían ser estrenadas en pantalla grande” admite Colin Farrell quien ha trabajado en conjunto con la distribuidora en dos ocasiones, con The Lobstery The Killing of a Sacred Deer, ambas de Yorgos Lanthimos. Las palabras de Farrell son un hecho palpable cuando vemos que en dos años cinco de sus películas (Room, Ex Machina, The Lobster, 20th Century Women y Moonlight) han competido como mejor guión en los premios de la Academia, pero en realidad la cantidad de nominaciones acumuladas es probablemente el suceso menos trascendente respecto a la revolucionaria relación que ha mantenido A24 con los académicos frente a lo que significa en peso histórico los logros de Ex Machina al convertirse en la ganadora de mejores efectos especiales con el presupuesto más bajo (20 millones de dólares) y Moonlightal ser la película más barata (8 millones de dólares), la primera película LGBT y la primera con un reparto netamente afroamericano en ganar el Oscar a mejor película.
Este éxito entre los académicos o las diferentes asociaciones se debe a que el objetivo de A24 no es ganar premios o estatuillas o conseguir distribuir un título con muchos talentos de renombre, es darle visibilidad a pequeñas joyas que en otras circunstancias pasarían desapercibidas. Cuando Sofia Coppola estrenó The Bling Ring en Cannes, Harvey Weinstein llamó alarmado al representante de la directora por el hecho de que la directora haya cedido los derechos de sus películas a “unos nuevos” -A24 Films- y no a The Weinstein Company, la diferencia abismal entre ambas compañías es que una iba detrás de el nombre de la directora y la otra iba tras su trabajo.
Para obtener los derechos de Spring Breakers en 2013 la junta directiva de la distribuidora (con ayuda de los pasantes) hizo una pistola de vidrio con el logo de la película grabado en esta, la colocaron en una cesta y personalmente se la entregaron a Megan Elisson (una de las productoras de la película) para ello tuvieron que pasar por el aeropuerto y ser casi arrestados por cargar una pieza de arte con forma de arma. Esa pasión con la que van a por las películas les ha llevado a convertirse en la distribuidora más innovadora de los últimos años. Su pasión por las películas les ha permitido conectar con el público, los primeros a quienes buscan complacer y de hecho tal como lo admiten los fundadores, de no haber tenido éxito con Spring Breakers no hubiesen hecho campaña pero la película se vio y gustó. Agotó entradas en varias noches de funciones “parecía un concierto” y aunque la película solo se quedó en cuestión de circuitos -James Franco consiguió seis premios, uno de los más reconocidos ese año- sirvió como abreboca ante los éxitos cosechados después.
Este año A24 tiene cuatro películas que suenan como favoritas para la temporada de premios: el drama social The Florida Project, el thriller The Killing of a Sacred Deer, la opera prima de Greta Gerwig Lady Bird -una coming of ages de esas que ya son marca personal de la distribuidora- y la comedia The Disaster Artistque sirve como carta de amor a los soñadores y al cine (bueno o malo) que después de todo podría servir como reflejo a lo que realmente es A24, una compañía que sobre todas las cosas ama el cine y que con su larga lista aciertos y pequeñas decepciones ha sabido capturar el interés de todos y ha dibujado una delgada línea entre el público que busca encontrar en las películas entretenimiento y el público que busca cine de calidad.
Hablar de una secuela podría ser sinónimo de fracaso, de un esfuerzo forzado de continuar una historia al punto de agotar los cimientos de su contenido original. Pero en muchos casos puede suceder lo contrario y arrojar un producto sólido, que expanda el material original y que a partir del paso del tiempo proponga algo que re interprete la historia como un apartado específico y completo. Blade Runner 2049 es esto y mucho más.
Sin puntos medios
Antes de comenzar hay que advertir que el artículo contiene spoilers que podrían afectar tu primer vistazo de la cinta.
Blade Runner es una de esas películas aclamadas del cine de ciencia ficción, consagrada por haberle otorgado a Ridley Scott un logro considerable en el campo de efectos visuales para la época (1982), por cuestionar cuál sería la realidad de un mundo que colinda entre los límites del control, la tecnología y la réplica del ser humano.
Asomar la posibilidad de una secuela tras 35 años era muy arriesgado, por no decir suicida porque además involucraba a otro director, sin embargo, el proyecto salió adelante y contrario a lo que esperaban no es sólo un éxito, es otro nivel de cine.
Al revisar las opiniones de la película puede contemplar un punto positivo en extremo o uno negativo destruyéndola o considerándola lo peor. En este caso me remito al primer apartado, a continuación les explicaré por qué.
Historia personal
Blade Runner para su época fue un hito en el cine, sus efectos y el relato que proponía tenían profundidad y cierto material considerable. Blade Runner no repite la fórmula decide no sólo mostrar el mundo que rodea a un cazador de replicants, sino de contar de forma personal cómo es su perspectiva del mundo, del control y ante todo: dotarlo de dudas.
K’ o mejor conocido como Joe (Ryan Gosling), encarna a un replicant que sigue órdenes y se resigna a vivir junto a un vestigio de felicidad, tiene un software que nos recordará al mero estilo de Her y que lo dotará de un sentido de pertenencia, de sentirse necesitado.
El truco con respecto a ello reside en que el sistema sólo le responde lo que él quiere, se preocupa por él, nos hace creer que es su acompañante leal, pero se diferencia de ello al ser un producto de fábrica.
Aquí el control y la imitación son llevados a otro nivel, por instantes podríamos creer que se intenta recrear un 1984, pero no es así. La historia de Joe sólo tiene un fin: dotarlo de una identidad, hacer que cuestione todo lo que rodea y colocarlo al margen frente a sus recuerdos al preguntarse: «¿Puedo ser humano?»
Harrison Ford encarna a un personaje que se aleja de los estereotipos, es un huraño, se mantiene alejado del mundo al sacrificar todo lo que había ganado alguna vez, pero no si antes impregnarle de silencios que comunican mucho más que diálogos que significarían rebeldía.
La cinta se dedica en deconstruir la humanidad de Joe y sobre todo en utilizarlo como un mecanismo, en engañar al espectador y hacerlo cómplice de un pacto, sobre todo al no tratarse de un protagonista directo, tras descubrir que él no es el humano que creía ser.
Blade Runner 2049 podría ser pesada en algunas partes dado que en cierto punto le otorga a Joe la posibilidad de descubrir un mundo en torno a él, de contrastar lo que es real y lo que no.
Villeneuve hace un trabajo colosal en materia de ciencia ficción, hace varias críticas sociales pero no de materia frontal, sino que más bien permite que el público sea quien juzgue y saque conclusiones. Con respecto al cast cumplen sumamente bien, al igual que el apartado visual que tiene un peso considerable en el film, que le otorga una personalidad y un espacio tal como si fuera un personaje más.
Lávate las manos, ve a hacer la compra, haz los deberes, sé bueno con la familia, hazle caso a tus padres, ve a los domingos a misa, sigue las reglas que te hemos enseñado, no salgas del patrón, haz caso y todo saldrá bien. Así se repite una y otra vez el ciclo de los padres y sus hijos, del deber y de las órdenes premeditadas, pero ¿Qué pasa cuándo el niño tiene sus propias elecciones?
Reescribiendo su destino
Tener 12 años suele ser considerado como un limbo temporal, por un lado no eres niño ni eres adolescente, tienes decisiones de cara a un gran conjunto de cambios pero no sabes cómo actuar, tus padres o superiores te dicen cómo pero cuestionas al máximo y sólo quieres seguir tu intuición. Moonrise Kingdom se enfoca en ello y en mucho más.
Estrenada en 2012 y de la mano de Wes Anderson, la historia nos muestra la huida de dos niños en medio de una isla de Inglaterra en 1965, uno de ellos es huérfano (Sam Shakusky) y cuenta con las habilidades que ha aprendido como scout, junto a él lo sigue Suzy Bishop, una chica que se pelea con las niñas de su edad, que contraria al sistema y que observa todo desde sus visores.
Ambos creen saber que quieren para sus vidas y huyen de las decisiones de un mundo que no los entiende, Suzy, harta de las decisiones arbitrarias de sus padres y del patrón excesivo de sus hermanos y Sam al margen de sus compañeros por ser considerado distinto, aprendiendo al llevar el duelo de no tener padres.
Tanto Sam como Suzy entienden la ausencia y los silencios de cada uno, critican al mundo de los adultos pero lo replican a su propio modo, quieren hallar respuestas por su propia cuenta, la intuición resulta clave.
Anderson además crea una cinta con un ritmo uniforme y ante todo, una personalidad siempre presente, aquí hay un universo con sus propias reglas, la lógica la lleva los niños, pueden recrear desde una especie de pseudo-western entre ellos para sobrevivir, hasta una batalla campal al mero estilo de 300.
Al final, termina siendo un tributo a esa visión de un niño con sus propias reglas, a retar a la realidad bajo el control excesivo de los adultos y sobre todo ante una visión particular, que suelen tener cada uno de los protagonistas.
Más que recomendada, además tienden haber algunas referencias a otras obras de Anderson tal como Fantastic Mr. Fox.
Crear un mundo es otorgarle sentido a un espacio, una misión a un protagonista, unas características a unos personajes, inmortalizar una historia bajo la tinta y el papel puede sonar fácil, sinónimo de riqueza y de bestsellers, pero las musas aparecen cuando menos se espera, la originalidad se subestima y se transforma en demonios que afectan el producto en desarrollo. Dices que escribes bajo intentos fallidos de papeles arrugados en el piso, quieres contar algo más que la historia de un héroe, algo más que la muerte de unos seres, quieres retratar algo con identidad propia y sobre todo con vida.
Advertencia: Esta entrada tiene spoilers
Woody Allen es un director bastante peculiar en sus cintas, tanto que tiene un público específico que consume sus películas. Bien podría hacer cine convencional para vender y subsistir pero también se enfoca en sus propios proyectos que no son dirigidos a todo público. En las películas de Allen las características de sus personajes destacan por ser vulnerables, humanos y expuestos ante una sociedad que los puede juzgar (Irrational Man), buscan un sentido para vivir o un horizonte para afianzar en lo que creen.
En Medianoche en París la propuesta del director no se diferencia de sus apuestas corrientes, en un principio podría engañar y parecer una comedia de alta sociedad, pero no es así.
Gil Pender (Owen Wilson), un escritor de guiones de Hollywood viaja a París con su futura prometida Inez (Rachel McAdams), con la premisa de un futuro prometedor y de unos padres que esperan el yerno perfecto. Pender trata de huir de su carrera como guionista, quiere apuntar por algo más real y por dejar su propia en el mundo: quiere ser escritor.
Las ideas no fluyen frente al papel, Pender trabaja en un libro y trata de justificar que algún día lo mejorará pero sólo genera excusas para huir de sí mismo y de la falta de ideas. Una noche en París, su esposa decidirá ir con unos amigos a seguir socializando mientras que él, terminará inexplicablemente en otra época, en un tiempo en donde los literatos se reúnen.
Atónito frente a lo que ve, conoce a los Fitzgerald, a un arrogante Hemingway e incluso al mujeriego Picasso. Entenderá una visión más cercana y real del arte, una donde comprobará los verdaderos enfoques de cada uno de los creadores. Y es aquí donde vemos el primer contraste de Allen, el arte se critica y se memoriza como un conjunto de hechos de una época, algunos alardean creen saber pero pocos lo tienden, lo sufren.
Adriana de Burdeo (Marion Cotillard), es la amante de varios artistas y la perdición de Pender, quien le dará a entender que la inconformidad de vivir en otra época no es suficiente. Ella es un personaje grisáceo, que desconoce lo que quiere, sabe que quiere vivir a lo grande, pero también quiere conocer otras culturas, sin embargo añora otros tiempos y trata de justificar que el pasado siempre fue mejor.
Esto último es otro de los contrastes de Allen, una reflexión en torno a la concepción de «todo tiempo pasado siempre fue mejor», una nostalgia que se aferra a lo largo de los años para justificar que el presente no es suficiente y que el futuro podría ser peor.
De una u otra forma el escritor consigue avanzar con su obra, adquirir más confianza en lo que redacta y en la solidez de su historia, pero también se dará cuenta que el trayecto como creador deberá implicar sacrificios para reflejar cierto realismo.
Allen presenta una historia para un público específico, con infinidad de referencias y con una evolución notable de personajes, genera cierta empatía si escriben o si quieren hacerlo.
La comedia suele ser un género muy subestimado, que cuesta tomar en serio por la forma en que se plantean los contenidos. Las sitcoms reciclan chistes en la tv mientras que las películas de comedia apuestan por cautivar un público basándose en estereotipos y situaciones hilarantes, los directores de comedia deciden repetir los mismos patrones y terminar presentando productos que apenas destacan por su originalidad. El problema reside no sólo en cuestionar la comedia sino en cómo la gente consume estos productos.
¿Es posible un humor inteligente?
La originalidad de una historia falsa
Hay directores y actores que han marcado un estilo de cine cómico, las películas de Seth Rogen tienden a orientarse siempre por drogas en exceso, alcoholismo y exagerar lo bizarro en cierto grado, Adam Sandler hace un cine cómico que trata de dejar una lección y así siguen otros ejemplos. Pero..¿Es posible un cine de comedia más serio y que rete al espectador y que a lo largo de su desarrollo haga algo original a partir de una premisa sencilla? Sí, tan sólo vean el trabajo de Edgar Wright. What we Do in the Shadows viene en la misma línea de Wright pero destaca en su género y sin recurrir a las mismas fórmulas del cine de comedia.
Dirigida por Taika Waititi y Jemaine Clement la película de Nueva Zelandia nos habla de un falso documental acerca de un grupo de vampiros que sobrevive en pleno siglo XXI. El reto no es burlarse de Twilight o hacer referencias a Drácula de Bram Stoker, el reto es incluso más arriesgado: contar su vida diaria con un pasado sólido y creíble para el espectador, mientras tanto hacer chistes de sus desgracias y de cómo se aferran a la época en que surgieron.
El nivel de detalle de la cinta es memorable dado que se recrean pinturas y escritos que hacen creer que los personajes (encarnados por los actores), efectivamente tuvieron un espacio en la historia. Los 3 vampiros tienen una personalidad definida que justifica su carácter pero aún así se resisten a cambiar ante la globalización. El punto en común se cierne en torno a Steve un vampiro que hace alusión a Nosferatu, el cual transformó a cada uno de los protagonistas.
De igual forma la parodia refleja cómo los vampiros intentan encajar en la sociedad sin recurrir a los convencionalismos, sino más bien apuesta por un Mockumentary (falso documental), en donde los camarógrafos entran en cada una de sus situaciones, muestran cómo se comportan en sus ratos libres e incluso cómo subsisten en pleno siglo XXI.
El talón de Aquiles del film quizás sea que no va hacia un foco y que en ciertas partes pareciera no tener claro el objetivo del documental, pese a ello las ocurrencias de los personajes hace que el tiempo no sea un mayor obstáculo, al punto de justificar que a futuro se este desarrollando un spin off de los lobos.
Waititi es un director que destaca por hacer un cine que aparenta ser serio pero que al mismo tiempo es cómico y que se burla de miles de aspectos sin llegar a exagerar. Hace lo mismo años después con Hunt for the Wilderpeople (2016), por lo que es un cineasta que pronto tendrá más repercusión por el enfoque original de sus historias.
La sociedad siempre ha asociado la idea de la muerte como el final del trayecto, como un escalón que se obvia a lo largo de la vida del cual se huye constantemente. Pero, ¿Qué pasa cuándo un individuo no huye de la parca sino más bien quiere propiciar su muerte?, todo el mundo argumentaría que tiene mucho por lo que que vivir pero qué pasa si el individuo ya no tiene porque vivir y ha visto todo lo que tiene por delante. Más de un cuestionamiento se plantea en torno a la vida y la muerte, al rol de un anciano mayor al margen de la sociedad, hablemos entonces de A Man Called Ove.
La importancia del tiempo
A Man Called Ove es una adaptación de la novela de Fredik Backman, dirigida por Hannes Holm (Behind the Skies). Desde la primera escena conocemos la cotidianidad de Ove (Rolf Lassgård), un anciano huraño con un concepto muy cuadrado de la vida. La película en primera instancia pareciera que no tuviera un objetivo final por el cual los personajes trabajan y eso es en parte uno de sus aciertos.
La cinta se podría comparar con el ritmo de otras películas como Manchester by the Sea, no fuerza las relaciones sino que más bien deja que cada uno de los personajes tengan motivaciones y defectos que los definan.
En un primer vistazo podemos creer que Ove simplemente detesta todo aquello que reta a las reglas, que destruye por lo que ha peleado toda su vida. Intenta suicidarse una y otra vez pero de forma irónica termina aferrándose a su existencia.
Humor y flashbacks
Holm aprovecha la melancolía y lo rudo del tema para satirizar momentos difícil y hacer que mediante la adversidad haya cierto grado de humor. El humor negro está presente en varias oportunidades de forma adversa a los intentos de suicidio de Ove.
De igual forma, hay un contraste entre la historia que define a Ove y al presente que habita como anciano. Entendemos los orígenes del anciano y su constante ansiedad por no encajar en el mundo producto de la crianza de su padre. Su adversión por los carros y ante todo, su conexión con Sonja (Ida Engvoll), aquella chica con la que se topará por accidente y que cambiará la forma en que llevaba su vida.
En más de una ocasión la película genera ciertas lecciones entre sus personajes, tiene un todo optimista que podría restarle credibilidad pero que puede obviarse ante el resultado final. Después de todo, es una relectura del modo de vivir de Ove y de quienes lo rodean.
El soundtrack de Gaute Storaas es memorable y destaca la soledad del personaje protagónico. Al igual que las tomas de las calles reflejan ese factor nostálgico y esa lejanía entre quienes habitan las calles.
El miedo se contempla como un factor que puede modificar la conducta un individuo, cambiar sus hábitos de vida e incluso la forma en cómo percibe el mundo. La persona se acondiciona en pro de vivir al margen de no tropezar contra el miedo de que su realidad termine o de un instante a otro pierda todo, en pro de ello se justifican miles de acciones para tratar de mantener el status quo asociado a lo normal.
Mercadeo accidental
American Fable es la primera que dirige Anne Hamilton y aunque podría parecer que su concepto ha sido accidental en el trailer, no lo ha sido. Porque se vende una obra que podría recordar a Guillermo del Toro en el trailer, que podría ser más bien una apuesta de ficción y de un mundo macabro pero no ha sido así. Pese a ello, no le quita validez a lo que quiere plantear y más bien potencia lo que el director quiere exponer como foco central: el miedo.
La historia se enfoca en Gitty (Peyton Kennedy), una niña de 11 años que vive en una granja en la América de los años 80. Su familia vive acostumbrada a la cotidianidad y el trabajo de campo, son personas humildes que se conforman con lo que han construído a lo largo de su vida pero que ven como amenaza una futura globalización. Gitty no es una chica corriente y aunque le repita a los personajes que se cree «especial» bien podría ser sinónimo de que es la elegida o que sucederá algo que terminará con la coherencia y por suerte no es el caso de la cinta. Ella es retraída, incómoda y solitaria, con una ansiedad que la carcome constantemente por no ser escuchada por nada y por no contar con amigos.
En medio de presentarnos lo que atraviesa Gitty, el director expone lo que ocurrió en 1980 con la venta de granjas en Estados Unidos, la presión que aplicaron los grandes magnates obligando a que miles perdieran todo lo que habían construido a lo largo de su vida.
El giro reside en descubrir que en medio de la propiedad de la familia de Gitty se encuentra Jonathan (Richard Schiff) un hombre secuestrado y responsable de lo que ocurre con las granjas.
El mundo a partir del encierro
Bien podría ser una trama similar a Pet o Room más no lo es. American Fable se centra en formar un vínculo entre Gitty y Jonathan, en darle un espacio a ambos personajes para concienciar el hecho de tener un amigo y de abstraerse de su mundo. Cada uno de los personajes tiene sus motivaciones y aquí es donde el hermano de Gitty tiene mayor cabida, dado que Martin (Gavin Macintosh) tratará de frenar todo esfuerzo por liberar a Jonathan y ante todo, justificar su captura al verlo como una amenaza. Lo irónico reside en que este personaje es lo opuesto a la protagonista, ambos sólo buscan tener el respeto de alguien más, es decir tratar de hacer lo correcto según sus propios ideales.
La parte fantástica y de «terror» hace alusión a los sueños y a esas pesadillas que hacen más pesada la existencia de la niña, nada es gratuito y el hecho de asociar el mal con una especie de armadura tipo fauno también tiene algo de sentido para Gitty.
Es un film que promete y que tiene su propio ritmo, no aburre pero si toma ciertas pausas, no esperen un gran misterio más si tensión y ante todo un contraste de una realidad cruda.
El año es 1915, y nos encontramos en el estreno del último blockbuster: El hombre del clan, o como se conocería para la posteridad El nacimiento de una nación. Un épico de tres horas sobre la labor del infame Klu Klux Klan en la sociedad, y su cruzada por salvar la pureza de la raza.
Su director D. W. Griffith —el padre del cine moderno pero un ejemplo clarísimo de la mentalidad de su época— realiza una adaptación a la novela del mismo nombre, dándonos una obra maestra a nivel técnico, y sirviendo algo de sus propias vivencias al tener un padre que luchó por parte del ejército confederado.
Una cinta representada por un impacto directo al grupo racial más odiado del momento, plasmó a la gente de color con interpretaciones salvajes, dejando una nueva labor a toda actuación que involucrara mujeres, pintar de negro la cara de los actores blancos para demostrar incluso más el rechazo del infame clan.
Como se supondría, miles de personas se sintieron terriblemente ofendidas, pero en vez de luchar sólo para detener la reproducción de la cinta, existieron algunos visionarios que se inspiraron del hecho. Y el deseo de remendar su imagen fue tan grande, que una persona estaría dispuesta a dirigir sus propias películas, al nivel de cambiar la historia del cine por completo.
El hombre revolucionario
Podrán suponer que la América en celuloide no era tan diferente a la realidad, y aunque los capuchas blancas no iban de lugar en lugar salvando al país, el racismo no era nada menos real. Pero aunque la mentalidad de la gente sí se vio atacada, dentro de esos visionarios existió Oscar Micheaux, un hombre al que ni la esclavitud o D. W. Griffith pudieron frenar.
Ni siquiera con su gran sombrero…
De una familia y legado oprimido, las desgracias no se le adjudicaban a un grupo violento sino a la mentalidad de todo un pueblo, que ofreciendo condiciones extremadamente deplorables, hicieron que los padres de este huyeran para conseguir un lugar donde la educación de sus 13 hijos pudiera subsistir.
Su educación nunca pudo concluir y la granja que los reprimía volvió a ser su hogar haciendo que los problemas económicos y la rebeldía del propio Micheaux lo mandaran a Chicago a los 17 años. Viviendo con su hermano y trabajando de mesero, finalmente pudo observar lo que «la buena vida» significaba para la gente de color, y en vez de quedarse con los brazos cruzados volteó la situación de la mejor forma que podía.
Porque nadie se mete con Oscar Micheaux…
Usando las habilidades sociales y conocimientos de negocios que aprendió en la ciudad, abrió un puesto de limpiabotas y empezó la condición que lo seguiría por gran parte de su vida: ser su propio jefe. Volviendo a la vida de granja que tanto odiaba después de ver su pequeño negocio fallido, tomó la última dosis de inspiración para convertirse en un prolífico escritor, y hacer de sus penurias en la América racista una novela exitosa.
Cuando la atención de la casa productora Lincoln Motion Picture Company por su novela The Homesteader no llevo a una resolución clara, las conexiones y aprendizajes que obtuvo en la calle se materializaron en la productora Micheaux Film & Book Company. Y siendo de nuevo su propio jefe, lo que siguió fue algo que absolutamente nadie se esperaba.
Cuando cambió el cine para siempre
Y también se apropió del sombrero…
Mientras nosotros tuvimos las controversias de los Oscars con el hashtag #OscarsSoWhite, los contemporáneos a Micheaux luchaban por dar cabida a un cine que simplemente no existía, y en vez de organizar una protesta, trabajaron con los medios que poseían para presentarnos la realidad que nunca había sido plasmada a través de un proyector.
Toda la idea del cine como medio de expresión surgió casi como una coincidencia, pero tenemos ante nosotros a una persona demasiado inteligente para dejarla pasar. Adaptando su primera novela al cine con la película muda The Homesteader (1919), Micheaux tomó la oportunidad del siglo y mostró algo muy alejado de las caras pintadas y los comportamientos salvajes.
Relaciones interraciales y su lamentable imposibilidad, malos tratos y completa impotencia, y lo más llamativo, el divorcio de una pareja de color junto al tortuoso proceso que los acompaña, conformaron lo que sería considerado el primer Filme racial. Algo que, considerando el renacer del terrible grupo de las tres k, no debe ser tomado como una hazaña sino como una demostración de que todos queremos ser oídos incluso si tenemos que cambiar al cine moderno para que esto ocurra.
Trabajando bajo condiciones que harían al cine independiente una súper producción, el hombre revolucionario nos mostró temas que hasta al día de hoy son tratados con extrema sensibilidad. Violencia de género y antorchas perseguirían sus próximos temas a tratar, y como una respuesta directa a El nacimiento de una nación—o consecuencias de la Primera Guerra Mundial como diría el autor— pudimos ver en su siguiente película Within Our Gates (1920), que el cine de Micheaux buscaba plasmar su realidad sin ningún tipo de tachaduras.
Incluso cuando los cines como tal le hacían imposible el proyectar sus filmes, siempre sagaz y persuasivo lograba llegar a un acuerdo, acercándose más a su objetivo de pasar películas en los cines segregados y sólo para blancos.
Sorprendentemente logró su cometido, teniendo múltiples proyecciones que afincaron más en plasmar esa realidad sin distinción de color. Mandando cintas a Europa, ya se adelantaba a lo que vendría, teniendo la visión del cine como un medio universal.
Mientras conducía de ciudad en ciudad con el celuloide en la maleta de su carro, pasaba las experiencias de miles de personas de cine en cine, dejando a lo largo de sus 44 producciones un legado que abarca pueblos completos. Moviéndose de mudo a sonoro, y cambiando de negocio si era necesario, el visionario nos mostró el cine a color para desafiar a todo un país, y dejar muy claro que la voluntad de expresarnos no está en manos de nadie más sino nosotros.
Supongo que considerarán el término «perdida» como algo cotidiano que le ocurre a casi todas las cosas, hemos perdido las llaves un montón de veces y también cosas no físicas, como al ir a otra habitación y olvidarnos de por qué sostenemos a nuestro gato y vemos a la lavadora con una vena marcada en nuestra frente. Pero que una película se pierda es algo casi imposible al existir millones de copias de la misma ¿verdad?
¿Por qué me estará tratando de morder?
Pues si consideramos la lista de películas que se encuentran actualmente perdidas tenemos suficiente para abrir una nueva industria cinematográfica, y no, no estoy exagerando. Ya que desde los orígenes del cine en una tienda de circo hasta épocas recientes, nunca se tuvo un sentido concreto de preservación sobre las obras antiguas.
Hablemos de cine mudo, todos conocemos a las grandes estrellas como Chaplin y Keaton, pero se estima que un 90% de todo el cine mudo anterior a 1929 fue succionado de la historia y se encuentra perdido. Así que imagínense la cantidad de estrellas que desconocemos, es como si Hitchcock, Kubrick y Bergman desaparecieran de un día a otro.
Mas bien las 100 películas que hay que ver antes de morir…
La cualidad de película perdidase refiere a que no se encuentran copias de la cinta en ningún archivo cinematográfico o colección privada, por lo que todo señala a que el filme ha desaparecido en su totalidad o todavía pueden existir rollos perdidos en cualquier lugar. Lo interesante es saber cómo y por qué adquieren esta cualidad.
Todos aquellos que hayan visto la películaHugo (2011) del director Martin Scorsese podrán tener una idea de este suceso, pero puedo asegurarles que sólo están rozando la punta del iceberg, ya que el proceso se atribuye a todo tipo de razones que harán de este genocidio un proceso lento y extremadamente doloroso.
Veamos ahora las causas principales de cómo se pierde una película:
Falta de interés
London After Midnight (1927) fue la primera película de vampiros americana y se encuentra perdida…
En el mundo de hoy donde una película promedio cuesta millones, sería impensable el hecho de botarla cuando ya ha sido pasada en los cines, pero hace unas cuantas décadas esto era casi una costumbre al ver al cine como entretenimiento desechable.
Aunque suene sorprendente no tenía nada de especial, miles de rollos se desechaban con la intención de reciclar el nitrato de plata y obtener el dinero de vuelta, y considerando el eslogansólo estrenamos nuevo contenido es algo aterrador, cuando este acompañaba una campaña publicitaria en donde se quemaban grandes cantidades de filme para demostrar la validez de la frase.
Así de simple…
Sumado a estas costumbres está la amplia falta de interés por parte de los estudios, que estuvieron dispuestos a ser buenos patriotas y seguir reciclando las cintas para contribuir con el ejército estadounidense al estallar la Segunda Guerra Mundial.
Sólo hizo falta el nacimiento del cine sonoro para que casi toda la audiencia se olvidara igualmente de estas sombras fantasmales, terminando de una vez por todas con el cine mudo y el gigantesco legado que dejaba a su paso.
Ritual demoníaco
Cleopatra (1917) fue la película más costosa de su tiempo y supuso el trabajo de más de 2000 extras, actualmente se encuentra perdida…
El proceso de distribuir una película no es muy fácil que digamos, pero viajemos rápidamente en el tiempo y comprendamos el ritual demoníaco que consistía pasar un filme de cine en cine para llevarlo por todo el país.
Los factores que contribuyen a este ritual van desde el mismo estudio, el transporte de la cinta e incluso el mismo proyeccionista —en pocas palabras todo el que tenga contacto con el rollo. Actualmente tenemos las magníficas copias digitales, pero en el tiempo de nuestros bisabuelos, todo se remontaba a el rollo en cuestión del que cientos de cines no tenían ni idea de reproducir.
Todo comienza con el intercambio del distribuidor, donde la inexperiencia de los empleados hacia que lanzaran los rollos de un lugar a otro desenrollándolos para entregar una montaña de cinta altamente sensible. Después llegamos al glorioso cine, en donde muchos cortaban las cintas para adaptarlas a un tiempo específico y así tiraban a la basura el resto del filme.
Muchas veces el hecho de devolver una copia se olvidaba por completo, cosa que no representaba gran problema para el estudio, y estas cintas terminaban enterradas en algún jardín, corrosionadas por el tiempo o simplemente llegaban al distribuidor en tan mal estado que la idea de darles un entierro digno no empezaba a sonar tan mal.
El filme en cuestión
El Apóstol (1917) fue la primera película animada de la historia, y en la actualidad no existe ninguna copia de la misma…
Aunque la historia esté llena de villanos y empleados incompetentes hay algo que se debe tomar en consideración, el filme en cuestión, porque una de las razones principales de su desaparición fue su propia inestabilidad.
Como mencioné anteriormente este está compuesto de nitrato de plata, una sustancia altamente inflamable que además de causar grandes cantidades de incendios fue el arma principal para la caída de los Nazis.
¿O eso fue en Bastardos Sin Gloria?
Esta sustancia era tan inflamable que no podía ser apagada y sólo se extinguía al consumirse a sí misma, y aunque parezca un castigo de los dioses, la mayoría de las películas que se han perdido se deben a incendios monumentales de archivos cinematográficos.
Grandes películas que pudieron cambiar al mundo murieron como en una epidemia, dejando las últimas copias conocidas en el completo olvido. Si consideramos la cualidad incendiaria que terminó la vida de miles, podemos observar el genocidio cultural que se llevó a cabo.
Incendio de la Cinematheque Francaise en 1959
Además de ser inflamables, los rollos se desvanecían con el tiempo por falta de una buena preservación, haciendo extremadamente difícil guardar estos en una bóveda común. Tenemos casos como el de Colleen Moore, quien guardó sus películas mudas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York para después recibir la noticia de que estos se habían pudrido por negligencia del personal.
Todavía existe la esperanza
500 filmes antiguos fueron encontrados en 1978 enterrados bajo territorio Yukon en Canadá
Aunque parezca imposible, muchas películas que considerábamos perdidas se han encontrado con el pasar del tiempo. Quién pensaría que la gran obra maestra Metrópolis (1927)de Fritz Lang se consideraba perdida, o la magnífica Pasión de Juana de Arco (1928) que se creía inexistente.
Todavía existe esperanza en esas bóvedas que muchos realizadores erigieron para mantener su legado, quién sabe si algún día te encuentras con una de ellas por plena casualidad y descubres la próxima obra maestra del cine.
Pocos visionarios que veían al medio como algo más de entretenimiento desechable pidieron copias al cine o guardaron las cintas en su ático, quizás tu abuelo o familiar lejano guardaba muchas de ellas en algún rincón de la casa, muchos filmes se han encontrado de esta forma.
Casi un milagro que podamos ver cosas como estas
Tengo fe de que algún día se encontrará la primera película de vampiros americana, la cinta que requirió 2000 extras o la primera película animada de la historia. Dentro de esas sombras misteriosas que proyectamos, se haya la voz de miles de realizadores y de una época que por ahora se encuentra exterminada.
Al fin y al cabo lo que podemos hacer es aprender, tomar la historia como un salón de clases para no cometer los mismos errores y encontrar en el arte de hoylas cualidades que lo guardarán para el mañana.
Desde la aparición de la televisión, el cine siempre ha sufrido un problema de identidad que nos propone una incógnita sobre nosotros mismos. ¿Por qué salir de nuestras casas?
El avance de la sociedad, y por consiguiente la tecnología, nos ha permitido tener todo lo que necesitamos a nuestro alcance haciendo que experimentemos una comodidad drásticamente diferente de lo que se pensaba hace un siglo.
Los conceptos recientes que nos parecen eternos han formado parte de nuestra vida rutinaria, hasta un punto donde siquiera pensamos en lo diferente que lo tuvieron nuestros abuelos. Con la aceleración continua del siglo XXI, pocas veces nos hemos detenido a pensar qué ha cambiado y qué hemos perdido.
Deben creer que estoy alejándome demasiado del tema, pero si no tomamos en cuenta el por qué de la incorporación del 3D en el cine nunca podremos saber la verdadera razón de su fracaso. El cine como establecimiento siempre ha estado en peligro de extinción. Desde sus inicios en las ferias, siempre fue visto como un recinto ambulante que no estaba hecho para perdurar.
Si tomamos en cuenta que el cine casi muere luego de la crisis del viernes negro y que fue salvado por nada más y nada menos que la venta de palomitas a un precio elevado, se nos hace difícil pensar en aquel lugar que nunca desaparecería.
Y los ejemplos continúan, cuando la gente paró de ir al cine para quedarse en sus casas viendo la televisión. Se generaron salas con pantallas inmensas e imagen a color, transformando un teatro en una máquina de sueños. Pero con el avance gigante de la tecnología, se buscaron formas alternativas para combatir con el déficit. Una de esas formas permanece hasta el día de hoy, y es sorprendentemente más antigua de lo que cualquier persona podría pensar.
¿Cuál es el problema del cine?
Ya en 1922 nos encontrábamos con el primer largometraje en 3D, que presentó un problema el cual nunca nos habíamos encontrado. El dolor de ojos y la jaqueca son secuelas persistentes de este invento, y aunque muchos digan que no, se hace imposible negar la desconformidad que nuestros ojos ofrecen a esta tecnología.
Los formatos han avanzado y ya no nos encontramos con esos lentes rojos y azules que llevan rondando el mercado por casi 80 años, pero al salir de la sala quejándonos de que los efectos no han sido nada del otro mundo y que la mayoría del tiempo la pasamos sin los lentes puestos. Es muy difícil que nos entusiasmemos por pagar más y ver menos.
Decenas de estudios científicos han sido realizados al respecto, y lo que fundamentan es que, en más de 600 millones de años de evolución, no hemos sido dotados para apreciar la tercera dimensión. Ya que la capacidad cerebral necesaria para procesar dichas imágenes es muy difícil de alcanzar, lo que produce el típico dolor de cabeza.
Además de los impedimentos físicos, la imagen se ve afectada produciendo una oscuridad molesta y una reducción significativa del rango visual. Agregando más a los prejuicios en contra.
Todo esto nos demuestra que, si se quiere una imagen de calidad necesitaríamos evolucionar frente a un problema menor, y si quieren esperar millones de años para ver como una tarta sale de la pantalla, pues bien por ustedes.
Ventajas y desventajas del cine 3D
Primeras películas en 3D
Con cientos de trailers que incluyen una publicidad de esto, se pueden contar con los dedos las películas que actualmente son realizadas para usar el 3D. Mientras que el resto son convertidas para obtener ganancia.
Aceptar que el cine actual constituye más un negocio que un arte actualmente, es algo difícil de aceptar, pero en la concepción general es un hecho al que nos tenemos que enfrentar. Es muy triste pensar que el lugar a donde solía recurrir la gente pobre en busca de sueños, se ha convertido en un lugar cada vez más caro para la audiencia.
Cada vez se nos hace más atractivo quedarnos en nuestro hogares donde, gracias al Internet, tenemos una cantidad de contenido inimaginable, mientras que al salir debemos gastar dinero en películas que ni siquiera sabemos si nos van a gustar.
Concentrándome en la figura actual del cine no solo como recinto sino como gran factor cultural, debemos evitar su decadencia y rechazar estas «nuevas» tecnologías que nos ofrecen. Siendo este el arte más caro, podemos entender el por qué de estas ofertas, pero lo que debería ser evidente es que buenas películas son sinónimo de buenas ganancias, algo que no ha estado presente del todo en el cine de industria.
¿Alguna vez se han imaginado cómo debió haber sido la primera proyección de la historia?, ir a teatros lujosos a ver una película o siquiera pasar un día sin estar conectados constantemente al Internet.
Nuestros abuelos o bisabuelos experimentaron uno de los cambios más rápidos de la historia humana, pasando por el nacimiento de un nuevo arte o la venida de la tecnología. Pero si no defendemos al cine, será la primera vez en que un arte muera de forma tan prematura.
Evitemos tener que explicarle a nuestro nietos qué eran aquellos lugares donde solíamos ir a soñar.
Es normal para la audiencia latinoamericana estar rodeada de cine extranjero, hasta tal punto de que este sea considerado el único cine existente, sobretodo el estadounidense.
¿Existe otro cine que no sea gringo?
Cada vez se vuelve más extraño ir al cine a ver una película de tú país, lo que puede sugerir que estamos rodeados de un cine débil que no se puede siquiera comparar a la gigante industria holywoodense. Pero no podemos negar el fenómeno que cada vez se hace más regular, recurrir a la parte sur del continente en busca de ideas nuevas y refrescantes.
Desde hace un tiempo, me sentía algo avergonzado de discutir producciones nacionales o de habla latina con un grupo de amigos cinéfilos. Pero no pude contener el deseo de analizar las grandes piezas que estoy a punto de mostrar.
Ten en cuenta que las películas de las que hablo son una pequeña porción del asombroso mundo subterráneo del que somos parte como audiencia y, que si tienes alguna recomendación personal comenta abajo, es gratis.
Nota: Las películas están en orden cronológico para poder observar la evolución de este cine.
#6. Soy Cuba (Cuba-Rusia)
El cine tiene el poder de influenciar a millones de personas, y no siempre de forma positiva. Siendo ejemplos evidentes dos de los pilares del cine moderno El triunfo de la voluntad (1935) de Leni Riefenstahl y El acorazado Potempkin (1925) del maestro Sergei Eisenstein.
Puedo decir con toda seguridad que Soy Cuba acompaña a las dos películas nombradas anteriormente, siendo una de las mejores grabadas de todos los tiempos. ¿Pero cómo una película realizada en la revolución cubana, un ambiente de pobreza y miseria, puede llegar al estatus internacional y convertirse en una gran obra de arte?
Después del triunfo de Fidel Castro y la ruptura de relaciones diplomáticas con Estados Unidos, Cuba acudió a la unión soviética buscando promover sus ideales. La respuesta fue asombrosa, al ser dotados de grandes realizadores soviéticos que reinventaron las reglas del cine.
La película permaneció en la oscuridad, hasta que en 1964 fue estrenada e inmediatamente desechada por la audiencia. Vista como una mera película de propaganda, que mostraba una serie de estereotipos y caricaturas del pueblo cubano.
El film fue re-descubierto, décadas más tarde, por cineastas como Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, pudiéndose mostrar al fin el potencial del filme. Esto llevó a una mayor distribución, lo que permitió que sirviera de inspiración para cineastas como Andrei Tarkovski o Paul Thomas Anderson, teniendo como principal encanto sus planos de secuencia.
Aunque la historia no sea algo de otro mundo, lo que vinimos a ver fue una experiencia cinematográfica. Con planos continuos que abarcaban todo un ambiente y técnicas que ni siquiera se consideraban para la época, su director Mijaíl Kalatózov nos mostró una nueva perspectiva del cine moderno.
Y con mucho estilo…
Cuando observaba una de mis escenas favoritas, se puso en perspectiva la cantidad inmensa de películas latinoamericanas que se encuentran perdidas, y es nuestra responsabilidad volver a encontrar esos momentos para que sirvan de inspiración para los cineastas del porvenir.
Aquí les dejo la asombrosa escena que mencioné anteriormente:
#5. Memorias del subdesarrollo (Cuba)
«Se nos hace evidente desde el momento en que nacemos, somos muy diferentes social, cultural y económicamente con el resto del mundo. Aquel sentimiento de decepción o desagrado por una situación a la que estamos obligados a vivir sin poder escapar.»
Memorias del subdesarrollo apareció en 1968, con un contexto histórico que se hace evidente tanto en el filme como en la novela. Nos cuenta la historia de la vida insatisfecha de un intelectual durante la cotidianidad alrededor de la revolución cubana. Nos topamos con una serie de monólogos internos que hasta el día de hoy resuenan como un golpe de realidad.
Usando una cámara propia de la nueva ola francesa y del neorrealismo italiano, Tomás Gutiérrez Alea nos presenta un retrato tenaz y desgarrador que no busca darnos respuestas para lidiar con el subdesarrollo, sino que nos sitúa en medio de él, alentándonos a que nosotros mismos demos respuestas a las interrogantes planteadas.
Al ser de Venezuela y vivir una situación con matices que cada vez se parecen más a los de la Cuba de los sesentas, se me hace difícil encontrarme con una obra de casi cincuenta años de antigüedad en donde se evidencian las mismas reglas del panorama actual.
Cada vez nos acostumbramos más a criticar el medio moderno, donde tenemos cada vez más películas sobrecargadas de argumentos simplistas y personajes poco desarrollados (cine de industria), pero si buscan una película bien grabada para reflexionar, no les puedo recomendar lo suficiente Memorias del subdesarrollo.
No dura más de 90 minutos, así que si son tan impacientes como yo, véanla en youtube.
#4. El Topo (México)
Un viaje psicodélico que nos lleva de la mano junto a un vengador que reparte justicia por el oeste junto con su hijo desnudo y a caballo, que luego evoluciona y se convierte en una historia de salvación y simbolismo cristiano donde el mismo hombre liberará a un pueblo hambriento y deforme.
Lo que suena más como una pesadilla cinematográfica, es nada más ni nada menos que El Topo (1970) un proyecto de Alejandro Jodorowsky que te dejará en estado de euforia al igual que el resto de su filmografía.
El cine surrealista pertenece más a europeos con bigotes graciosos que a un hombre cuya ocupación secundaria es de mimo, o eso se pensaba en los sesentas cuando El Topo aún no había sido estrenada.
«El estilo es primordial.»
Sin duda podríamos coronar a esta como una de las películas más cool del siglo XX. Para hacerse una buena imagen, solo imagínense si Tarantino decidiera hacer Django mientras estaba drogado y luego introdujera en el filme simbolismo cristiano y que esto diera como resultado una historia salida de un maestro espiritista.
Detrás de la trama retorcida, tenemos una película que dista mucho de cualquier filme de acción de la época. Además de la violencia y de lo grotesco, nos topamos con un argumento de auto-descubrimiento y liberación. Donde estoy seguro que más de uno se ha roto la cabeza buscando el significado oculto entre sus asombrosas simbologías.
Es extraño pensar que una película de esta escala haya salido de nuestras tierras sin que antes creara un nuevo culto. Pero la conclusión definitiva es que no estamos viendo cosas sin sentido, cada elemento tiene un significado y no por eso se vuelve una obra aburrida y tediosa.
Si buscan algo asombroso y monumental salido de la mente de un hombre que además de cineasta es reconocido titiritero, mimo, escritor de cómics, psicomago y maestro del tarot. Pues esta es tu película.
#3. Amores perros (México)
Alejandro González Iñárritu ya es conocido internacionalmente por sus asombrosas películas, con tres premios Óscar en su curriculum tenemos que retroceder en el tiempo para apreciar el verdadero estilo del director.
Su primera película fue la obra de un verdadero profesional, lo que muchos consideran el Pulp Fiction de México. Con tramas presentadas de manera desordenada, lo primero que nos encontramos es una ciudad desolada. No de personas sino de empatía.
Saliendo de aquellas críticas baratas que estamos acostumbrados a ver, el hilo argumental va de personaje en personaje mostrándonos la angustia existencial que cada uno experimenta a su manera. Condicionados por las clases sociales a las que pertenecen pero unidos por su humanidad.
Tenemos una cinematografía urbana y de cámara en mano que nos lleva más cerca de los personajes decadentes que nos presenta Iñárritu. Estos continúan con su cotidianidad hasta que son atacados por ella.
En una escalada que va de mal en peor, vemos el ascenso y la caída de esta gente a la que no sería raro que conociésemos en la vida real. Figurando en cada historia un perro, el mejor amigo del hombre, que puede verse como metáfora de la naturaleza salvaje del ser humano.
Fuera de todas las maravillas técnicas y de trama, tenemos una película que nos da acción, presentándonos sus mensajes de una forma violenta e intrépida propia de las calles que quiere retratar.
Si son amantes del buen cine no se pueden perder Amores Perros, una historia de amor, violencia y de superar dificultades. Además tiene uno de los mejores Soundtracks de la década.
https://www.youtube.com/watch?v=xvwk-xYZcr0
#2. Nueve Reinas (Argentina)
Como las mejores películas de estafa, Nueve reinas se alza en lo alto, superando a las más famosas como Ocean’s Eleven (2011). No necesita una trama gigante o grandes trucos para sorprendernos, solo una dosis de un humor que no encontrarás en ningún otro lado.
Me encanta la frescura y la emoción que irradia, contando la historia de dos estafadores que se conocen por casualidad e inician la fechoría más grande de sus vidas. Si les encantan los finales sorprendentes prepárense para experimentar uno, cuando tenemos una historia que da giros por doquier.
Con escenas donde muestran cómo realizan los robos, los personajes principales se ganan nuestros aplausos mostrando su gran carisma y dinamismo, incluso si las acciones que realizan son cuestionables.
Pareciendo uno de los grandes de Holywood, el ya fallecido director Fabián Bielinsky nos presenta una cinta más que entretenida que es perfecta para ver entre amigos y pasar un buen rato.
Cabe destacar la actuación del grande Ricardo Darín y Gaston Paúls quienes forman un dúo asombroso y nos hacen reír a carcajadas mientras nos replanteamos si seguir estudiando o convertirnos en ladrones profesionales.
Estando llena de momentos inolvidables, recomiendo altamente esta película si quieren disfrutar un rato y salir de todos esos dramas de los que estamos rodeados, tanto en el cine como en nuestra vida cotidiana.
https://www.youtube.com/watch?v=Awu9WonTVB0
#1.El secreto de sus ojos (Argentina)
El policial es un género que ha sido utilizado ampliamente en nuestro cine, y no es nada trivial. Los índices de violencia que rodean a latinoamérica son preocupantes, por lo que no es extraño que este sea el nicho predilecto a tratar. No solo por esto sino también por la facilidad de venta que tiene en el mercado.
Mientras The Hurt Locker y Avatar peleaban como niños por un Oscar, el 2009 fue uno de los mejores años del cine en su década. Siendo el cine internacional el que brilló más (no solo el de los Estados Unidos), no nos podíamos quedar atrás. Con un asombroso trabajo de cámara que es estudiado en las escuelas de cine, y una historia de primera. El secreto de sus ojos obtuvo un premio de la academia por mejor película extranjera.
Representación de James Cameron y Kathryn Bigelow en el 2009
Con una investigación policial sobre una violación, tenemos un argumento que se extiende en décadas. Donde podemos observar el peso de las acciones de cada personaje al pasar los años, y como no todos los crímenes se resuelven simplemente, como en las series televisivas.
Si buscan un final que no hará más que dejarlos con la boca abierta, esta es su película. Llegando a un punto donde hasta el típico sabelotodo de nuestro grupo de amigos se quedará sin palabras.
La cinematografía mencionada anteriormente contiene uno de los mejores planos de secuencia del cine, metiéndonos en la acción y el suspenso. El nivel de inmersión emocional que realizamos con estas personas, hace que en momentos gritemos a la pantalla para que atrapen al desgraciado criminal.
¡Atrapen a ese maldito!
Este año se estrenará un remake dirigido por Spike Lee (Do The Right Thing, The 25th Hour) y como se ven las cosas por el trailer, planea ser una gran decepción. Con tantas películas recicladas actualmente, una historia asombrosa y que apele a todo el mundo no es fácil de conseguir. Por lo que si les gusta el cine de este estilo no se pueden perder esta obra maestra.
Conclusión
Estamos rodeados de un cine propio de admirar y con estilos variados que van desde el surrealismo psicodélico hasta la estafa monumental. Si quieren algo de variedad en la semana denle un intento, y si ya las vieron todas se ganan una estrellita dorada simbólica.
Nota: Los que se preguntan donde quedó Y tu mamá también (2001) o Ciudad de Dios (2002) esperen una segunda lista.
Las películas de superhéroes suelen dejar fuera detalles importantes y a veces ridículos acerca de las historias que tratan de adaptar. La mayoría del tiempo están justificadas. Como el mundo de los comics tiene menos reglas que un burdel barato, existen muchas ediciones en las franquicias de tus héroes favoritos que solo contienen pura locura.
Algunas apenas califican de «fan fiction» y otras eran solo sugerencias de niños de diez años hasta que algún directivo de Marvel dijo: «Si, es verdad, a Iron Man le vendrían bien unos buenos patines.»
A su vez hay varias peleas épicas entre superhéroes que han sido ignoradas por Hollywood. Estos han preferido apostar por Civil War. En su tráiler podemos ver como Iron Man, que es básicamente un tanque volador humano, está siendo brutalmente apaleado por Capitán América y Bucky, los cuales son…ehm…¿muy fuertes? Ah, y uno tiene un escudo frisby. Wujuu Marvel.
«Si, sí, yo también sé que no tiene sentido.»
A continuación te mostraré varias disputas que serían mucho más divertidas de ver. Algunas sacadas directo de los comics, otras inventadas por mí.
#5. Spiderman Vs Wolverine
Estos dos nunca se han llevado bien. Wolverine siempre ha tratado a Spiderman con condescendencia. No lo toma en serio y lo considera poco más que un niño disfrazado, tratando de colarse entre superhéroes de verdad.
En este comic, Wolverine es pareja de Charlemagne, una agente secreta que decide aceptar una misión para la KGB. Es traicionada por los agentes rusos, que lo que en realidad querían era asesinarla, ya que la consideraban muy peligrosa. Wolverine, como le es costumbre, procede a masacrar a más de cincuenta agentes de la KGB que tenían rodeada a su novia. Al parecer los rusos no pudieron ver lo obvio y decidieron meterse con la enamorada de un maníaco inmortal con huesos y garras de acero, esto no es muy recomendable, niños de la audiencia.
En lo absoluto.
Peter Parker se encuentra investigando este acontecimiento que se ha convertido en noticia viral. Al revelarse una premisa de que la pareja criminal se esconde en Alemania, el jefe del periódico envía a Peter junto con otro periodista a seguir los sucesos recientes.
Al llegar allí descubre que la KGB ha mandado a muchos más agentes para eliminar a Wolverine y su novia. Intenta avisarle a Logan, sin enterarse de que él ya sabía que, en ese preciso momento, estaban rodeados de espías encubiertos, esto obliga a Wolverine a perpetrar otra masacre. Presa del miedo, Charlemagne huye.
Poco tiempo después, la agente llama a Wolverine para arreglar un encuentro en un cementerio cercano. Logan comprende que Charlemagne desea que él la asesine, sabe que tarde o temprano será capturada por la KGB y no quiere ser torturada.
Nadie escapa de Putin.
Con tristeza infinita intenta salvarla de un dolor insoportable por medio de una muerte rápida, pero al intentarlo se acobarda y no puede terminar su cometido. Ella comienza a desangrarse ante la mirada horrorizada de Wolverine, en ese momento llega Spiderman, se enfurece e intenta detener a Logan que estaba reuniendo valor para acabar con su cometido. Así comienza una épica pelea entre ambos que bueno…no intentaré describir con palabras:
Turbo puños, perra.
Al final ambos personajes se encuentran al borde de la muerte, los dos tienen la posibilidad de matar al otro, Wolverine con sus garras y Spiderman partiéndole el cuello. Ninguno se decide a hacer nada hasta que Logan reta a Peter, diciéndole que es incapaz de asesinarlo, que no tiene la malicia necesaria, su moral se lo impediría, en cambio Wolverine es un asesino, le sería sencillo volver a cometer homicidio. Spiderman sabe que esto es verdad. Lo que nos hace pensar lo poderoso y amenazante que pudiera ser si en vez de elegir el camino del bien, se convirtiera en villano.
En ese momento aparece un helicóptero de la policía y ambos se separan. Sin querer admitir que se sentían aliviados porque les dieron una excusa para no matar a un camarada.
#4. Thor Vs Silver Surfer
Thor es el dios del trueno y todo, pero no puedo evitar pensar que, en el fondo, es o demasiado sentimental o demasiado imbécil. ¿Cómo después de tantos roces con la muerte causados por Loki, no ha terminado de incapacitarlo o, de una vez por todas, asesinarlo? En esta ocasión vemos otro ejemplo de la irresponsabilidad de Thor al dejar a su hermano libre. Este no solo busca herirlo a él, sino que quiere obtener poder de proporciones Putinicas.
«Demasiado poder para un pequeño dios.»
Loki engaña a Silver Surfer, a quien eligió como sicario al enterarse de sus capacidades cósmicas, por medio de control mental y sus poderes de manipulación naturales. Lo hizo creer que Thor quería adueñarse de Asgard, asesinando a su padre y gobernar a su capricho. Silver Surfer se apresura a impedirlo y reta al dios a un duelo. Thor trata de calmarlo, no entiende por qué querría combatirlo, le explica que el no pretende gobernar nada y lo invita a una especie de juegos olímpicos que se juegan en Asgard.
Silver Surfer parece ir entrando en razón, hasta que Loki usa control mental para obligar a un competidor a atacarlo, gritando a la vez: «¡En el nombre de Thor!» No sufre daños por el ataque y las disculpas de Thor fallan en convencerlo. Al dios del trueno no le queda otra sino empuñar su martillo.
El combate fue parejo al principio. Thor golpeaba con su martillo como un carpintero hecho de cocaína. Silver Surfer parecía incapaz hasta que rodeó el arma del dios con un campo de fuerza cósmico, lo que le permitió atacar varias veces al nórdico que ofrecía poca resistencia sin su principal poder.
Para alivio de muchos, el Surfer comenzó a darse cuenta que Thor no era malvado. Sus pensamientos estaban confusos, trataba de romper el control mental de Loki. En el momento que Thor parecía no poder más y que Silver Surfer iba a aniquilarlo, tuvo una especie de epifanía sobre el engaño que lo llevó a Asgard. Thor le confirmó que su hermano era, en efecto, el maestro del mal. Cuando los amigos luchadores del dios llegaron a protegerlo, Silver Surfer ya estaba camino a las estrellas.
Han pasado 31 años desde que se escribió esta historia y sin embargo Thor sigue dándole oportunidad a su maligno e incompetente hermano. Y debemos agradecerle a Silver Surfer, ya que si se hubiera dejado llevar por completo por las manipulaciones de Loki (que es en realidad el dios de la mentira y la gente le sigue creyendo), Thor no hubiera podido estar presente en las películas de Los Vengadores y probablemente lo reemplazarían con alguien como Ant Man…todos odian a Ant Man.
Y se lo merece.
#3. Daredevil Vs Ghost Rider
Daredevil ha sabido lidiar con su discapacidad. Además de aceptar su ceguera, aprovecha las habilidades que le proporcionan sus otros sentidos agudizados por su pérdida de vista. Es básicamente un radar humano. Puede detectar a un ser vivo a varios metros de distancia escuchando las palpitaciones de su corazón, tiene la capacidad de leer caligrafía normal ya que puede sentir con las yemas de los dedos las líneas de tinta y hasta es capaz de averiguar quién se ha tirado un peo de entre de grupo de amigos, gracias a su super percepción, por más que el culpable lo niegue.
«¡El poder que siempre he deseado!»
Lamentablemente, los contras de ser ciego superan a los pros. Poder saber si alguien miente, midiendo cambios en su tono de voz o de temperatura con tus súper sentidos, se vuelve aburrido cuando tienes que acariciar apasionadamente cada producto que vas a comer para saber su fecha de vencimiento y tener que dormir en un ataúd lleno de agua todos los días para poder bloquear los ruidos del mundo exterior de tus poderosos oídos.
«¿Por qué respiras tan fuerte, maldito lector?»
Daredevil decide invocar al diablo para pedirle recobrar la visión. Se dirige al cementerio más cercano y realiza el «Akatoyah Esmellah», o en otra palabras, el hechizo que todos sabemos es más efectivo para invocar al camarada Satán (no te hagas el que no sabe, si llevas en internet por lo menos una semana lo deberías conocer). Naturalmente, Lucifer hace su acostumbrada entrada triunfal, mucho humo rojo, traje negro, ustedes saben.
Luego de oír la petición del superhéroe, Satanás saca un contrato del bolsillo delantero de su saco. Belcebú le dice que la única condición que le pide es que asesine a su amigo Spiderman, buscaba hacerse con un nuevo sirviente desde hace tiempo, pero no ha podido conseguirlo. Daredevil accede inmediatamente sin pensarlo. Firma el papiro y Mefistófeles desaparece.
Inmediatamente comienza a gritar de felicidad, ha recobrado la vista. Los ojos le duelen por falta de uso, pero el ardor es una simple molestia al lado de su titánica alegría por volver a ver el cielo, los árboles y su propio reflejo en un río cercano al cementerio.
Al llegar a su casa recuerda el precio de su felicidad. La pantalla de su celular refleja lo siguiente: «Número de contacto: Spiderman.» Escucha el tono de su celular llamando: «Hola amigo, ¿qué cuentas?» Exclama Peter Parker. Daredevil se pone nervioso y termina la llamada. Lanza su iphone por la ventana para evitar nuevas tentaciones. No era capaz de asesinar a su amigo. En ese momento sonó el timbre y se dispuso a abrir la puerta.
«Tú, desobedecer, tú, morir.» Dijo Ghost Rider. Daredevil entendió que la situación actual no iba a terminar bien si no hacía algo rápido. Dio media vuelta y saltó por la ventana. Pedazos de cristal roto lo acompañaban en su caída mientras decidía de donde trepar para continuar con su escape. Se agarró de un barandal y miró a su alrededor, no había rastros del esqueleto en llamas.
Bajó a la calle a comenzar su búsqueda por un teléfono público. Marcó el número de Spiderman, el de Los Cuatro Fantásticos y el de Los Vengadores. Los dos últimos estaban ocupados filmando nuevas películas. Pero Peter accedió a ayudarlo cuanto antes.
Daredevil se sintió aliviado por un momento hasta que:
Ghost Rider impactó a Daredevil con su cadena en llamas. Este cayó al suelo retorciéndose de dolor. El esqueleto se bajó tranquilamente de su moto, la estacionó al lado de la acera y se acercó a él. Sobrecogido por el miedo, Daredevil dijo: «No tienes que hacer esto, llamé a Spiderman, está en camino, puedes quedarte con él.» «No querer Spiderman—respondió Ghost Rider—mírame a los ojos, perra.»
Daredevil quedó hipnotizado por los ojos oscuros del cráneo en llamas. Observó a todos los criminales que asesinó que, en realidad, no eran tan malos. Ni siquiera sabía que había asesinado a unos cuantos de los que vio en la visión. Al parecer no estaba consciente de su fuerza real. Los ojos ardientes de su enemigo fue lo último que observó.
Spiderman apenas alcanzó a divisar el cuerpo de su amigo en la calle y a Ghost Rider montándose en su moto. Al lanzarle una telaraña para evitar que se fuera, el motorista se volteó con rapidez, agarró la tela en pleno vuelo y la amarró a su vehículo. Arrancó al instante y Spiderman salió disparado hacia la calle, soltando la telaraña.
Sin saber que había pasado, le dio otra mirada al cuerpo fulminado de su amigo con los ojos carbonizados.
#2. Antorcha Humana Vs Capitán América
Los Cuatro Fantásticos no han tenido la misma suerte que Los Vengadores. Sus mejores películas han sido mediocres y aburridas. Nadie parece saber qué fue lo que hizo que estos personajes tuvieran éxito en los comics. Pero eso no importa ahora. Tuvieron su chance y ya pasó. Lo que quiero ver es al Capitán América pateándole el trasero a La Vela Humana como Los Vengadores: Era De Ultron destruyeron a Los Cuatro Fantásticos en taquilla, ganando ocho veces más dinero.
También me interesa ver cómo se las arreglarían para editar la película cuando ambos superhéroes son interpretados por el mismo actor.
Pues así.
Podrían inventar una nueva historia, en la que ambos son gemelos. Separados al nacer, ya que juntos, serían muy poderosos. Sus padres los dieron en adopción, uno a Los Vengadores y otro a Los Cuatro Fantásticos para que así pudieran ayudar a la gente con sus habilidades excepcionales.
Todo va bien hasta que se encuentran en un campamento para superhéroes y, al notar que son iguales físicamente, deciden jugarle una broma a sus respectivos ensambles de la justicia. Se cambian de ropa y vuelven a sus hogares con la esperanza de que nadie note nada por un tiempo.
Ambos encajan perfectamente en su papel. Capitán América se siente raro por un tiempo al actuar como un joven inmaduro pero se termina acostumbrando. Antorcha es poco convincente en su interpretación y termina levantando sospechas del equipo, su impulsividad y espontaneidad atrae a Black Widow y bueno…
La Antorcha Humana está encantado con su nuevo equipo. Los Vengadores decidieron aceptarlo, sin hacerle más preguntas, por sus increíbles poderes. Resulta que volar y lanzar llamaradas a voluntad es más útil que ser muy fuerte y tener un escudo frisby.
Capitán América se cansa de no hacer nada con su aburrido grupo de «amigos» que no quieren revelar sus poderes al mundo porqueee…¿no quieren ser ricos y famosos, supongo? Decide regresar a casa e informar a todos del engaño. En Los Cuatro Fantásticos era la estrella, pero como dice el dicho: «Es mejor ser suplente en el Barcelona que titular en el Chivas.»
«Ooohh siiii.»
Su grupo prefiere quedarse con La Antorcha. Capitán no puede soportar la traición de sus amigos y reta a su gemelo a un duelo. Los demás Vengadores se retiran y lo dejan defender su honor.
Ambos se miran a los ojos y luego miran sus respectivas manos, como para comprobar que siguen siendo ellos mismos. Capitán América tiene su escudo listo, Antorcha no se equipa con nada más que su reluciente peinado.
Se oye un grito: «¡Llamas a mí!» La Antorcha Humana ya vuela por los aires. Capitán contraataca con un frisbyaso. Falla. Justo cuando corre a recuperar el escudo, su enemigo lanza una potente llamarada infernal. Capitán América realiza una voltereta para esquivarla y…
Te extrañaremos Cap.
Recuerden niños: en el juego de piedra, papel, tijera, fuego, escudo. Siempre gana el fuego.
#1. Magneto Vs Quicksilver y Scarlet Witch
Uno podría pensar que la vida sería fácil si poseyéramos el poder de manipular a voluntad cualquier pedazo de metal existente. Podríamos construir un auto funcional con piezas de chatarra, mudar nuestro departamento a una buena zona de la ciudad con apenas algunos movimientos de nuestras manos y hasta quizás hacernos unos collares con estilo.
Magneto pensaba igual. Su único problema fue nacer en el periodo más Metal de la historia moderna, la segunda guerra mundial. Luego de salir de Auschwitz se mudó con su novia a Ukrania. Tuvo una hija y vivió feliz por un tiempo. Hasta que se vio forzado a asesinar a unos bandidos que lo atacaron, haciendo uso de sus poderes.
Un día notó que en el terreno en donde debería estar su casa, solo había ceniza. Se acercó al lugar solo para descubrir que su hija Anya había muerto en el incendio provocado por una multitud furiosa anti-mutante. Magneto procedió a asesinarlos a todos antes los aterrados ojos de su esposa; ésta huyó, asustada por las habilidades extremas de su esposo. Poco después dió a luz a gemelos, que no tuvo tiempo de criar, porque murió.
«Hitler:1 – Magneto:0»
Así que cuando Quicksilver le cuenta a Ultron la historia de cómo un misil de Tony Stark mató a sus «padres», en verdad era una familia sustituta, probablemente espías contratados para entrenar a los poderosos gemelos como buenos sujetos de prueba para futuros experimentos. Lo que significa que Tony te abrió los ojos para que vieras la verdad, idiota. Tu vida era una mentira. Usa este nuevo conocimiento para vengarte del verdadero enemigo, Magneto.
Oh, lo había olvidado.
Cuando tarde o temprano Quicksilver sea revivido por la magia de los dedos de algún guionista, debería unirse con su sexy hermana para vengarse del causante de la mayoría de sus tragedias. Magneto es el que merece la ira de ambos, condenados a vivir huérfanos por la incontrolable ira homicida de su monstruoso padre.
Aunque no lo tendrían fácil, así es más o menos como debería comenzar:
La niebla cubre el bosque es una fría tarde de invierno. De esta, emerge un hombre, frente a él esperan un joven y una muchacha.
Magneto—Ehm, hola, recibí un correo diciendo queaquí iban a entregar cerveza gratis a mutantes con manejo del metal y bueno…¿es aquí?
Quicksilver—Me temó que hoy no habrrá cerrveza parra ti, padrre.
Magneto—¿Qué?
Quicksilver—Escuchaste bien, es la verrdad.
Magneto—No, es que en serio no te entendí por tu acento jajaj, lo siento, estás muy lejos de Rusia ¿verdad, camarada?
Scarlet Witch—Que somos tus hijos iddiotta, preparrate para morrir.
Magneto—Posible, posible, pero improbable.
Scarlet Witch— Ya lo sabemos todo. Nuestra madre huyó de ti y nos tuvo, lo vimos en Interrnett.
Magneto—Ok, ok, entiendo. Qué tal si nos calmamos y…esperen—mira hacia el cielo—¡es Ultron manejando un avión!
Quicksilver grita y se echa al suelo como una nena, cubriéndose la cabeza. Magneto se adentra levitando en la niebla, Scarlet lo sigue flotando a algunos metros del suelo. A lo lejos, un vidrio se rompe.
Por lo menos una vez en la vida habrás visto una película y pensado: «Que desperdicio. El protagonista debería ser ese Alien con diez brazos y cinco ojos, no este insignificante humano blanco.» Ante el evidente rechazo a tu comentario que expresan tus amigos, o quizás tu gato, concluyes que ellos nunca podrán entenderte de verdad, hasta ahora. Lo cierto es que todos hemos querido que le dieran oportunidad a otro personaje, que nos parece interesante, de recibir más atención y tiempo en pantalla.
¿A qué se dedicará en sus tiempos libres?
En esta lista veremos a varios actores a los que les pagaron menos, pero, por suerte, los guionistas los dotaron de una personalidad digna de explorar o fueron puestos en situaciones que necesitan más análisis.
#5. Romilly—Interstellar
Muchos afirman que la escena más conmovedora de Interstellar es en la que Cooper, observa como su hija deja de ser una niña para convertirse en una mujer en cuestión de minutos (algo similar sucede con su hijo Tom, pero él no importa). Por medio de una serie de videos que su familia le ha enviado, en la espera de que volviera del planeta surfista. Recordemos que lo que para Cooper fueron pocas horas, en la tierra pasaron veintitrés años.
Por desgracia, nadie se acuerda del pobre astronauta que se quedó cuidando la nave mientras los demás tripulantes salían a explorar. El pobre tuvo que soportar todo ese tiempo solo, con cada vez menos esperanzas de que sus compañeros regresaran, la ansiedad de un inminente apocalipsis en la tierra y el dilema de si luchar contra el horrible aburrimiento o esconderse de la realidad en su bolsa de dormir espacial, básicamente escribiendo su propia sentencia de muerte.
A diferencia del personaje de Matt Damon en su nueva película: The Martian. Romilly no tiene un planeta para explorar. Al mismo tiempo no necesita preocuparse de sembrar comida. Lo que le deja más tiempo para vagar por la nave sin propósito.
¿Cómo hace para enfrentarse a la soledad? Pasa su tiempo estudiando el agujero negro, aprendiendo datos esenciales sobre este, que serán esenciales para la supervivencia de la tierra y para la trama de la película. A su manera, es el verdadero héroe de la cinta. Lo que me hace preguntarme por qué lo dejaron haciéndose cargo de la nave y mandaron a la doctora Brand en su lugar, la cual único aporte fue resbalarse en un momento clave, ralentizando la misión y contribuyendo en la muerte de un astronauta.
La historia de Romilly también constituye un excelente paralelo con la del Dr. Mann. El cual vivió en soledad por una cantidad similar de años, sin contar que durmió la mayoría del tiempo, y a pesar de esto, su espíritu se rompió y no dudó en traicionar a sus compañeros apenas tuvo la oportunidad.
Romilly, por otro lado, recibió a sus amigos con los brazos abiertos. Su enojo contrastaba con su alegría por estar viendo a otro ser humano por primera vez en tanto tiempo. La increíble fortaleza psicológica de este astronauta demuestra la cobardía y debilidad que había tratado de ocultar el Dr. Mann.
Sería interesante ver una película de supervivencia, tipo spin-off de Interstellar, sobre Romilly sobreviviendo en el Endurance. Esta sería claramente superior a películas como Cast Away de Tom Hanks.
Cobarde.
Porque, por lo menos, él tenía una isla para recorrer y, seamos honestos, ¿cuál de estas dos vistas preferirían contemplar por décadas? Esta:
O esta:
#4. Tipo de la guitarra lanzallamas—Mad Max: Fury Road
Su nombre verdadero es «El Guerrero Doof«. Pero si tocas una guitarra lanzallamas en un auto sobrecargado de amplificadores gigantes, no puedes esperar que la gente te llame por tu nombre.
Es uno de los villanos de la película. Aunque su trabajo es ambientar las peleas con su música metalera para que se vean más cool. Es discutible si su función es la más importante del grupo, yo diría que si, pero lo que es seguro es que si algún personaje merece tiempo en pantalla es este. Apenas aparece dos minutos y cinco segundos, pero le basta para convertirse en lo más inolvidable de Mad Max: Fury Road.
Me gusta pensar que uno de los fans se dio cuenta de esto y logró tener una discusión con el director: —Ehm, señor. Sé que la película se llama Mad Max y eso…Pero el personaje de Max es aburrido. Deberíamos cambiarle el título a «Guitarra Lanzallamas.» —… Sal de mi oficina.
«GUITARRA LANZALLAMAS!!!»
Aunque quizás esto no haya pasado en la vida real. Hay que admitir que el personaje de Max es demasiado simple. Apenas habla, y cuando lo hace, balbucea cualquier cosa. Fue un desperdicio contratar a un talentoso actor, como lo es Tom Hardy, para interpretarlo.
La película hubiera sido asombrosa si nos mostrara la vida de un guitarrista de metal, que se gana la vida tocando en peleas automovilísticas del desierto, montado en un carruaje musical súper mega extremo y empuñando una guitarra eléctrica que escupe fuego infernal. Proveniente de las almas que han sido incineradas solo por escuchar sus maravillosas y oscuras notas satánicas.
#3. Emperador Palpatine—Saga de Star Wars
¿Recuerdan cuando Samuel L. Jackson (certificado como el actor más intimidante del cine) tuvo que llevarse a tres jedis de apoyo para arrestar a un viejito? Y que estos poderosísimos maestros jedi fueron asesinados en diez segundos por dicho anciano, que con apenas tres swings de su sable los aniquiló como si fueran mosquitos. Para luego proceder a acorralar al espadachín restante, y en el proceso, manipular a Anakin para que fuera su aprendiz. Después le puso fin a todo el asunto electrocutando a Mace Windu con rayos mágicos que salían de sus manos.
«La magia del cine.»
De un personaje así es que quiero ver una historia de origen. No de un asmático mitad robot, que seguramente necesita ayuda para ir al baño y duerme con su traje puesto como un niño que se queda dormido luego de una fiesta de disfraces.
También está la escena en la cual Palpatine le cuenta a Anakin de cómo cierto Sith asesinó a su maestro, el cual tenía la simple capacidad de resucitar a quien quisiera y manejaba la fuerza mejor que cualquiera. Este misterioso Sith es él mismo por supuesto, lo que significa que Palpatine asesinó al Sith más poderoso que ha existido jamás. Lo que lo convierte a el en…¿el segundo más poderoso probablemente? Sin contar que derrotó al maestro Yoda, que se suponía que era un jedi místico y maestro experto de la fuerza.
El dudoso origen que se le ha dado fuera de pantalla por los creadores es que fue tomado como aprendiz sith luego de que matara a toda su familia en un ataque de ira. Apuesto que cualquier fan hubiese preferido ver desarrollada esa trama en las precuelas, que la del pequeño Anakin enamorándose de Padme y corriendo en carreras de pods.
Hubiera sido maravilloso que las precuelas hubieran empezado con Palpatine matando a su maestro, considerando que en el episodio seis, el Emperador es asesinado por su aprendiz.
#2. Thor y Hulk—Los Vengadores
Los vengadores son un equipo, tienen sus miembros fuertes y sus no tanto. Pero este par es tan poderoso que me hace dudar si los otros integrantes son necesarios en lo absoluto. Hagamos un cálculo estimado rápido de cuantos aliens mató cada uno en el climax de la primera entrega de la saga:
Hulk: 10.000.000.000
Thor: 9.000.000.000
Iron Man: 8.000.000.000
Capitan America: 150
Black Widow: 50
Hawkeye: 20
«Nuevo…Maldito…Record.»
Seguro están pensando: «pero Juan, cómo dices que los otros no importan si el todopoderoso Iron Man mató a ocho billones de aliens.» Recuerda que el todopoderoso Iron Man necesitó la ayuda de una misil nuclear que, por medio de la decisión más estúpida e implausible de la franquicia (me refiero a disparar un misil nuclear hacia una de las ciudades más pobladas del país en donde, además de civiles, se encuentran los únicos seres que pueden defender a la humanidad. En vez de dispararlo directamente hacia el agujero de donde provienen todos los aliens), llegó a sus manos para servir de deus ex machina y salvar el mundo.
La verdad es que la única razón por la que Tony Stark fue el encargado de dirigir ese misil hasta el portal, y casi morir en el intento, fue para que a película tuviera algo de drama extra. Thor pudiera haber hecho eso sin problema, también puede volar y posee la fuerza de un dios.
Y el cuerpo de un dios.
Ahora, cambiando la variable de nuestro cálculo a Thor llevando la bomba y no Iron Man, tendríamos algo así:
Thor: 16.999.999.000
Iron Man: 1.000
Además de esto, Iron Man tuvo que ser salvado y resucitado por Hulk, con el poder de los gritos. El miembro más efectivo del equipo no solo inclinó la balanza considerablemente con sus hazañas, sino que demostró lo débil que era Loki, tratándolo como su muñeca personal.
La próxima película de la saga debería llamarse: «Thor, Hulk, y Sus Amigos.» Porque al parecer los demás vengadores son tan útiles como la «D» en «Django».
#1.Gellert Grindelwald—Saga de Harry Potter
Ahora te estarás preguntando: «¿quién es este hermoso y elegantemente vestido joven?» A lo que respondo, primero, que rara forma de expresarte, y segundo, este joven superficialmente inocente decidió que el nombre Gellert lo hacía sonar muy nerd, por lo que comenzó a llamarse Señor de la Muerte. Y este es solo fue el principio de sus aventuras asesinas.
Su objetivo en la vida era reunir las tres reliquias de la muerte. Pensaba que este era el camino obvio para convertirse en el mago más poderoso de todos los tiempos. Empezó con estudiar artes oscuras en Durmstrang hasta que fue expulsado por sus métodos y experimentos peligrosos y crueles. Esta es la misma escuela que compitió en el torneo de los tres magos y que piensa que un barco sumergible califica como transporte seguro para sus alumnos.
Ni con magia pudieron recaudar suficiente dinero para un submarino.
Al ser expulsado se mudó con su único pariente y conoció a Albus Dumbledore, con el que entabló una profunda amistad (o noviazgo, depende a quien le preguntes). Este compañerismo terminó cuando Gellert matara por accidente a la hermana enferma de Dumbledore en un duelo con el hermano de este, al cual odiaba. Aunque no se sabe con seguridad cual de los participantes en el duelo terminó siendo el asesino.
Luego decidió que su nivel de maldad no era compatible con sus acciones hasta el momento. Por lo que comenzó a formar un ejército de hechiceros para crear un imperio y así esclavizar el mundo muggle. Por si acaso también construyó una prisión tenebrosamente llamada Nurmengard en donde aprisionaría a cuanto mago se le opusiera (spoiler: muchos magos).
Robó la varita de saúco y así comenzó a asesinar muggles y hechiceros. Convertía sus cadáveres en zombis con magia negra, y llegó a matar a tantos que terminó teniendo un ejército de no muertos.
Me suena familiar.
Gellert inició una guerra de magos global que duro unos meros cuarenta años. Dumbledore no actuó en su contra durante todo ese tiempo ya que ambos sentían respeto y algo de miedo el uno por el otro. También porque Albus no sabía si él había asesinado a su hermana por accidente o si había sido Gellert y temía averiguarlo.
Hay rumores de que Gellert estaba en contacto con ADOLF HITLER, aunque no han sido confirmados. Si, ese Hitler. No me explico cómo el mundo mágico le pudo temer a Voldemort luego de luchar contra este dictador acompañado de un ejército compuesto por zombis y magos malvados.
En 1945 (que coincidencia) Dumbledore decidió poner a un lado sus problemas personales por toda la gente que estaba muriendo en Europa a causa de su antiguo amigo y fue a enfrentarlo solo. El violento combate mágico duró más de tres horas. El futuro director de Hogwarts resultó vencedor.
Luego de este enfrentamiento, su oponente quedó tan impresionado que Dumbledore se ganó su lealtad, y así terminó con una guerra de magos global que no vimos en las películas porque los guionistas estaban ocupados en decidir si Harry merecía a Hermione o si era más compatible con Ron.
Fue aprisionado en la prisión que el mismo construyó. Pasó ahí cincuenta y tres años hasta que Voldemort lo mató por no querer decirle donde se encontraba su antigua varita.
Al compararla con la vida de Gellert, la historia de Harry Potter solo produce bostezos.
«¿Qué se siente ser plato de segunda mesa, narizón?»
Quizás te estés preguntando de donde saqué esta información si no aparece por ninguna parte en las películas. Pues yo también utilicé magia, en este caso la del internet, para encontrar una página hecha por los fans que recopila todas las menciones que J.K. Rowling ha hecho sobre este personaje en entrevistas y demás. O quizás esta información también sale en los libros, no se, leer es para nerds.
Estoy a punto de entrar a la sala de cine. No puedo sentir mi glúteo izquierdo, congelado por la lata de pepsi escondida en uno de mis bolsillos traseros. En el otro, unos doritos aguardan para cumplir su funesto propósito.
La empleada revisa mi entrada, estoy sudando por los nervios, «Déjame entrar, no tengo dinero para comprar sus pepsis más caras» le suplico con la mirada.
«Serían tres meses de sueldo, señor.»
«Sala uno» exclama la señorita, mis ruegos funcionaron. «Lo hicimos» le comento a mi hermano al encontrar nuestros asientos, este asiente, pero no dice nada.
En un universo paralelo somos hermanas.
Reseña de Marte 2015
Marte es dirigida por Ridley Scott en un intento de redimirse luego de volver el espacio aburrido con Prometheus. Para hacerlo dejó atrás el tono lúgubre que nos mostró en su película anterior. Marte está cargada de comedia y es bastante divertida, lo que hace que las dos horas y doce minutos que dura no se sientan.
Cuenta la historia de Murph, la hija de Cooper en Interstellar, quien viaja en el tiempo para evitar que (spoiler) Matt Damon se vuelva malo por pasar tanto tiempo solo en el planeta de hielo, impidiendo que su padre vuelva a la tierra con ella… o eso creí luego de ver el trailer, ¿no te parece confuso contratar a dos actores para tu película sobre el espacio que aparecieron en la película sobre el espacio más popular del año pasado, Ridley Scott?
«Por lo menos ahora hace calor.»
Nuestro protagonista queda varado en Marte luego de que su tripulación sea obligada a huir al darlo por muerto en medio de una catastrófica tormenta de arena espacial. Siendo el astronauta más gracioso y encantador, además de científico-botánico-médico, Mark Watney se verá obligado a usar toda la capacidad de su cerebro para sobrevivir, con la esperanza de que alguien, a muchos millones de kilómetros, lo esté buscando.
No cabe duda de que esta película es divertida, sabe cuándo causarte risa y cuándo adoptar un tono más serio. Tampoco se puede negar su parecido con Interstellar de Christopher Nolan. El movimiento de las naves espaciales, los planos capturando los acoplamientos, la exagerada pulcritud y brillantez de las superficies níveas del interior de dichas naves, todos estos aparecen en ambas cintas. Claro que se puede discutir que Christopher Nolan se inspiró en 2001: Odisea en el Espacio, pero tambien fue el primero, junto con Alfonso Cuarón, en modernizar la experiencia espacial para hacerla más creíble, y a la vez, atractiva.
Aunque Marte les gana a todas por tener la nave más cool.
Análisis de la película
Es entretenido ver a Mark buscando nuevas formas para mantenerse vivo. Es muy creativo y tiene tantos conocimientos de diferentes ciencias que sus posibilidades, a pesar de estar solo en un planeta que apenas conoce, son casi ilimitadas para idear estrategias de supervivencia espacial. Su buen humor no se ve afectado ni un poco, se nota que, a pesar de ser un naúfrago espacial, a fin de cuentas está haciendo lo que ama: explorar el espacio. Matt Damon lo interpreta a la perfección, es el personaje más agradable de la cinta por mucho.
Las escenas de su exploración marciana se alternan con las de la Nasa debatiendo si deberían rescatarlo o dejarlo morir. Se encuentran en una situación complicada. Sería extremadamente difícil y costoso lograr salvarlo.
Las dificultades de la Nasa constituyen la mitad de la película y se vuelven tediosas comparadas con la historia de Mark Watney quien descubre un montón de cosas interesantes. Es maravilloso verlo pasear por Marte con una curiosidad infantil, algo que nos gustaría hacer a todos si tuviéramos la oportunidad.
A este paso, ver películas sobre el espacio es lo más cerca que estaremos.
El mayor defecto de esta película es su guion, muy débil ya que crea conflictos innecesarios de la nada, solo para generar más drama. Lo peor es que a estos escritores le encanta pintar una situación como totalmente imposible, solo para resolverla como por arte de magia en el transcurso del filme. Esto termina siendo frustrante y demostrando que Marte hubiera sido mucho más interesante si se limitara a mostrar a Matt Damon vagando por el planeta.
«Me hubieran pagado más.»
Eso sí, el aspecto visual de esta cinta es hermoso, la imagen fue esculpida con atención al detalle y toda la película tiene una consistencia agradable, además de agregar la esencia espacial que te hace sentir como un extranjero queriendo saber que hay más allá del horizonte.
Marte ¿Es una mala película?
Me es fácil decir que no. Pero menosprecia su propio pontencial y no termina de ganarse nuestro interés con su historia.
Como siempre, Hollywood cobra su impuesto de cursilerías y resoluciones implausibles. Parece apuntar a un público más joven que su antecesora Interstellar, lo que termina dotándola de un aire infantil y simplista.
Por lo menos te acompaña Jessica Chastain.
Marte es como un divertido viaje en yate para llegar a una isla paradisíaca, en el que cuentas con una hermosa vista del mar, pero al final el navío se termina hundiendo y tienes que nadar con rapidez hacia el primer pedazo de madera flotante que encuentres. Extrañamente, no te arrepientes de la aventura.
Datos técnicos Película The martian
Título de la cinta: The martian, Marte, Misión rescate, El marciano
Clasificación the martian: PG13
Género de la película: Aventura, drama y ciencia ficción.
Duración: 141 minutos
Director: Ridley Scott
Personajes principales: Matt Damon, Jessica Chastain, Kristen Wiig
En esta época mundialista hay muchas personas que no entienden porqué el fútbol mueve a tanta gente. Hoy me tomé la libertad de publicar un Top 5 en como el Séptimo Arte ha logrado representar el deporte con mas seguidores a nivel mundial.
Zidane: A 21st Century Portrait (2006)
Todo aquel que quiera entender la pasión por el fútbol tiene que conocer a Zinedine Zidane. El mejor futbolista francés de toda la historia sin lugar a dudas es Zizou. Esta película enfoca su grandeza en un juego, donde se muestra como vivía cada partido. Además de la técnica individual y «magia» que lo caracterizaba, en este documental se aprecia (contrario a lo que mucha gente piensa) su fuerte temperamento. La película se centra en un partido vs el Villarreal FC en el 2005, en el cual 17 cámaras sincronizadas siguen al crack francés en cada uno de sus movimientos. Un auténtico homenaje al fútbol contemporáneo.
The Football Factory (2004)
De manera controvertida, los grupos de animación tienen desde hace bastantes años los Hooligans (en América conocidas como Barras Bravas) han sido tema de polémica, de eso trata esta película. A diferencia de Green Street Hooligans, la cual tiene el toque dramático de Hollywood, The Football Factory trata las entrañas de estos grupos de animación: Hombres de mediana edad, Robo Abuso de drogas y hasta racismo. Una adaptación de la novela del mismo nombre, todo propuesto de la manera más realista posible.
Goal! Trilogía (2005, 2007, 2009)
No hay mejor manera de vivir el deporte que siendo un protagonista. Eso plantea Goal!. Las primeras dos películas narran la historia de Santiago Muñez desde la infancia. Desde el proceso de reclutamiento hasta la decadencia post-estrellato. Posteriormente en la tercera parte (Sí, hay tercera parte) se pretendía mostrar el sueño máximo de todo jugador en la Copa del Mundo, pero por distintas razones la película se convirtió en un drama trágico digno de cualquier telenovela. Si no hubiese sido por esta última parte, estas películas estuvieran en el primer lugar.
The Damned United (2009)
Goal! es una historia ficticia, The Damned United es una historia «real», entrecomillada porque los protagonistas la han criticado demasiado. Esta historia se centra en el líder de un vestidor, el Entrenador. The Damned United relata los 44 días que estuvo Brian Clough al mando del Leeds United (de ahí el nombre). Este periodo es considerado uno de los más controvertidos en la época del futbol inglés porque el vestidor se convirtió en una auténtica zona de guerra. Michael Sheen como el controvertido técnico inglés, exponiendo su actitud incluidas sus inseguridades. La película es polémica, pero lo más increíble no es el corto periodo que Clough estuvo dirigiendo al equipo, es también por lo que sucedería después con Clough, campeón con el Nottingham Forest y por muchos nombrado como el mejor entrenador en toda la historia inglesa.
Heleno (2011)
Antes de Pelé, el fútbol en Brasil tenía un solo nombre: Heleno. Heleno narra la historia de uno de los fenómenos brasileños antiguos, Heleno de Freitas. Situada en los años 40’s Heleno es el estereotipo de muchos futbolistas (incluso en la actualidad). Mujeriego, tomador, cínico, ególatra, en pocas palabras, comportamiento autodestructivo, pero siempre dedicado a morir por su equipo, el Botafogo. La película aborda temas como la transferencia a otro club, el coraje por el Maracanazo, la admiración por O’ Rei, y su remordimiento por no llevar su vida de una manera adecuada. Protagonizada por Rodrigo Santoro y ambientada en blanco y negro, no hay mejor manera de entender la vida de un futbolista que viendo esta película.
