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Etiqueta: peliculas 2017

  • Reseña The Greatest Showman: Cambia el mundo y tu cuenta bancaria en el proceso

    Reseña The Greatest Showman: Cambia el mundo y tu cuenta bancaria en el proceso

    La lucha de clases sociales siempre ha sido una piedra angular de cara a distintos conflictos, a partir de la misma se ha planteado el surgimiento de musas como medio de superación. The Greatest Showman, habla de una historia en particular, de un individuo que quiso retar a las reglas y fijar un espectáculo como punto de quiebre para darle validez a los marginados de la sociedad.

    The Greatest Showman es una cinta musical que adapta la historia real de P. T. Barnum, fundador del circo Ringling Brothers and Barnum & Bailey Circus, contrario a otras películas musicales, se intenta dedicarle a un apartado específico a algunos roles protagónicos, tal como sucede en el caos de Hugh Jackman, quien interpretar a un padre de familia del Siglo XIX que decide contrariar al sistema a través del espectáculo.

    Escrita por Michael Arndt, Jenny Bicks y Bill Condon, la cinta se enfoca en ofrecer un tono optimista en medio de la adversidad, su punto de quiebre se encuentra al presentar un conjunto de personajes fuera de lo común, relegados a apenas formar parte de la misma metrópolis por el hecho de ser diferentes.

    El director decide otorgarle un espacio a la representación onírica y a las ambiciones en medio de un sistema donde se presentan diversas oportunidades. El hecho de ser un musical, le permite en ciertos momentos tener una personalidad propia a la película, más en otros tiende a quedarse estancada al abusar del formato, debido a que se opta por restar diálogo y sustituirlo por canciones.

    La fotografía, música y producción son los mayores apartados de la cinta y donde más permite que sus personajes queden plasmados mediante distintas expresiones. A lo largo del film se conoce la diferencia entre cada uno de los personajes, más resulta una propuesta algo vacío si se analiza a fondo, debido que podría haberse profundizado más los personajes secundarios, así como también el conflicto característico de la época.

    Ver en línea  The Greatest Showman latino | Trailer

  • Reseña: Brigsby Bear 2017

    Reseña: Brigsby Bear 2017

    Estar obsesionado con un tema puede apartarte del resto del mundo, vincularte con una realidad paralela y disociarte de los demás por no tener temas en común. Pero… ¿Qué pasaría si esa exclusión se da por completo? ¿Si nunca conociste nada más que un búnker y un cajón que transmitía un programa ficticio? Esto y más es Brigsby Bear.

    Resultado de imagen para brigsby bear

    Dirigida por Dave McCary (Saturday Night Live) y producida por The Lonely Island, Brigbsy Bear es una propuesta difícil al verla en un trailer o un poster, dado que podrías  podrías creer que trata  sobre una comedia o un tema abstracto, más la intención va más allá de eso.

    La cinta nos habla de James un chico de 25 años que vive apartado del mundo junto a sus padres, se aferra a seguir día y noche su programa favorito, éste le enseña una realidad alterna Brigsby Bear es su héroe y modelo a seguir, pero todo cambia radicalmente en el instante en que la policía llegar a su hogar.

    James estuvo secuestrado por un largo tiempo, alejado de la realidad e internado por sus captores, a diferencia de Room o de otros films ese no es el mayor detractor del film sino que hay mucho más.

    El muchacho no sabe como relacionarse, tiene un mundo completo delante de él pero se aferra a los códigos que conoce, a la serie con la que creció que nadie nunca vio salvo sus captores.

    Mundo alterno

    Brigbsy Bear es un tributo al Asperger y a un cuadro donde es necesario conocer al máximo los códigos de un tema cuando es la ventana de contacto de un individuo. En Brigbsy el show es la excusa para que James pueda tener la oportunidad de socializar pero no se limita a eso, a partir de aquella obsesión surge un entramado de posibilidades, un universo vasto y completo de criaturas que nadie conoce.

    Hay un vínculo importante con el cine indie, con el querer contar historias y querer empatizar con el público, dado que habla de desventuras pero siempre con un tono optimista sin recaer en lo moralista.

    @Chdnk

  • Reseña película Mother! – Drama horror y misterio

    Reseña película Mother! – Drama horror y misterio

    Una casa puede contar miles de historias, albergar existencias detrás de muros que encasillan tiempos distantes. El anhelo de una familia que no fue, la polémica ante la múltiple interpretación de un acercamiento a lo religioso y lo filosófico posicionan mother! como una de las películas más criticadas, destruidas e incluso prohibidas del 2017 ¿Hay razón detrás de ello? Vamos a discutirlo.

    Resultado de imagen para mother!Mother! es la última ópera prima de Darren Aronofsky, director caracterizado por realizar propuestas que generan cierta introspección en el espectador, que lo hacen cuestionar acerca de su criterio de moralidad frente a diversas circunstancias.

    Descrita como una cinta «polémica» su premisa permite interpretar los códigos de su historia conectados a distintos contextos, tanto en el ámbito religioso, «ambiental» hasta incluso personal.

    Convivencia y reclusión

    Él y madre viven apartados de la sociedad en un paraíso reconstruido donde tratan de definir quienes serán a largo plazo. A partir de una sucesión de hechos, el dolor, la melancolía y un conjunto de emociones convergen alrededor de la madre,
    una mujer que se transforma en espectro, que habita como sombra de su propio hogar. Él quiere contar historias, oír a los demás, ganar reconocimiento pero olvida el vínculo que alguna vez tuvo con ella, a partir de aquel punto se aparta pieza por pieza su relación.

    Se refleja de forma constante como la fragilidad de la madre es ta endeble tal como la casa que alguna vez tuvo vida, que contuvo una esperanza a futuro pero que termino marchitando ante los excesos y quedo relegado a cenizas.

    Mirada múltiple

    El gran mérito de Mother! reside en su contraste entre la religión y la fe, en posicionar a la madre como la vida y a Él como el creador, en separar la cinta en varios actos similares a los testamentos y en plasmar de forma literal como la presunta «fe» y alevosía termina consumiéndolos y arrebatando el producto de un milagro, la polémica se ha desatado al ver a Él como una especie de deidad y al percibir al niño con un acto de crueldad similar al de Jesucristo.

    Una segunda mirada se antepone la destrucción de la «madre» como la Madre tierra, como un cúmulo de espacios y recursos que son consumidos y corroídos por el ser humano hasta sus últimas consecuencias.

    Por último, se encuentra la visión de una relación tóxica donde la madre lleva hasta las últimas instancias el sentimiento que sentía por Él, replantea un punto de reencarnación y un futuro sin considerarlo en la vida del mismo.

    mother! no es una cinta para todo el mundo, tiene un ritmo que puede desesperar a algunos, incomodarlos y sobre todo hacer que reclamen al rozar puntos en común con su religión, más este punto no debe ser una materia para dejar de ver la cinta y mucho menos criticarla.

    @Chdnk

  • Análisis de película Coco – Homenaje a los caídos

    Análisis de película Coco – Homenaje a los caídos

    Tener un sueño puede representar una misión de vida, por más dramático que suene colocarse frente a un lienzo y dibujar, escribir una novela y querer transmitir alguna emoción mediante una nota musical se conecta a una pasión. Coco habla de ello y de mucho más, es un tributo a los que vivieron ayer y a la edificación de conceptos alrededor de la familia y futuro.

    Resultado de imagen para CocoCoco es la más reciente película de Pixar, un estudio caracterizado por ofrecernos una mezcla trascendental de emociones y vivencias a través de mundos particulares, desde Buzz y Woody hasta Nemo han marcado un trayecto animado donde los personajes tienen un impacto y un contexto, las películas de Pixar son sinónimo de calidad y Coco no es la excepción.

    Coco es una adaptación de la idiosincrasia mexicana, más allá de estereotipos que se puedan plantear en un primer punto, la cinta se centra en ofrecer una lección familiar, aunada a personajes carismáticos y un universo vasto.

    Dirigida por Lee Unkrich, co-director de Monstruos S.A, Buscando a Nemo y Toy Story 2, trabaja con mensajes en simultáneo alrededor de la aventura de Miguel, un niño de 12 años fanático de la música mexicana, seguidor del famoso Ernesto de la Cruz, un compositor que marcó la pauta siglos atrás.

    El conflicto se plantea cuando su familia se niega a que él se relacione con el mundo de la música debido al tortuoso pasado de sus ancestros, Miguel trata de contrariarlos y de tener sus propias decisiones, en medio de ello se ve envuelto con un viaje a otra dimensión, con un reto que cuestiona en lo que cree y que le confiere un respeto directo hacia su familia junto a la vida y la muerte.

    Universo expandido

    Fuera de spoilers parte de lo que más llama la atención en la cinta es la edificación de una realidad alterna de aquellos que han partido, lejos de reflejar algún rasgo de depresión son sinónimo de vitalidad y de rasgos particulares. Al presentar lo que hay más allá del puente del Día de los Muertos tenemos un entramado de posibilidades tan extenso que podría servir de material para un juego completo o un mundo de Kingdom Hearts (Juego que explora diversos mundos de Disney).

    Coco se toma su tiempo para que el niño reconozca sus errores y crezca a partir de un contraste del bien y el mal, lo mejor de ello es que los personajes tienen características humanas, no están caricaturizados ante un vestigio de dominación mundial o de un mal benevolente sino que se mueven en torno a emociones y a escenarios factibles: amor, amistad, ambición, entre otros.

    El tema del color tiene un peso fundamental, cada elemento está combinado para destacar como si fuera un lienzo en continuo movimiento,los acordes de la música acompañan la misión de un niño rebelde que sólo quiere expresarse mediante arpegios.

    No vale la pena comparar Coco con el Libro de la Vida, porque las dos son diferentes, tienen un punto en común más no se plagian a sí mismas salvo el mundo de los muertos, debido a que al final de cuentas las lecciones de la vida y la muerte tienen una perspectiva particular.

    En lo personal destaco la transición que tienen Miguel y su amigo Héctor porque representan un punto de quiebre y le permiten al espectador no solo entender la cultura de México desde épocas distintas sino por la autonomía de sus acciones.

    Deben verla.

    @Chdnk

  • Película Mayhem – ¿Despedido? Incinera la oficina

    Película Mayhem – ¿Despedido? Incinera la oficina

    La vida laboral puede ser repetitiva, descrita como un continuo bucle donde pagas con tu tiempo y recursos en pro de un bien mayor, te convences de que aquella situación es temporal, que los reclamos y malos ratos de la oficina serán parte de un sacrificio premeditado para llegar más lejos pero… ¿Y si no es así? ¿Qué pasa si tanto esfuerzo y burocracia te llevan a la misma puerta por donde entras a diario? 

    Mayhem es una cinta reciente, que viene de la mano del director americano Joe Lynch, reconocido por haber desarrollado múltiples vídeos musicales y tener una obsesión por saturar de sangre y violencia explícita en  cada uno de sus films. Tras un primer vistazo de Mayhem podemos creer que estamos ante una supervivencia extrema al mero estilo de Belko Experiment, donde las circunstancias obligarán a los individuos a exterminarse, en Mayhem ocurre lo contrario.

    Con una propuesta destinada a lo personal y rodeada de miles de cubículos, Mayhem se enfoca en el tedio de la rutina laboral, del encierro que representa el sistema y de los límites de una burocracia donde terceros mandan. A modo de comedia con elementos slasher, la película no decide contar historias particulares y dedica toda su atención a un pilar fundamental: Derek (Steven Yeun), un empleado más de la corporación que empieza a tener problemas con las políticas de la empresa.

    En un primer momento entendemos la motivación de Derek, su frustración y aburrimiento constante ante días idénticos, frente a un irrespeto por parte de terceros y una salida inminente encontrará la salida a sus problemas: ira pura mediante un virus que blindará el edificio y lo reducirá a una cuarentena por ocho horas.

    La película podría haberse enfocado en cómo cada uno de los personajes intenta sobrevivir, más no constituye uno de sus objetivos; lo primordial se reduce a la venganza de Derek y de cómo acabará con todo lo que lo retrase.

    Por absurda que pueda sonar la propuesta la cinta propone mucho más que una gran violencia explícita, hay una crítica a un sistema, una burla ante el extremo poder (sin caer en sistema político), e incluso se crea un cierto simbolismo a partir de los objetos de cada uno de los personajes.

    Los protagonistas se lucen entre cada uno de sus roles, Yeun al extrapolar la experiencia previa con The Walking Dead y Samara Weaving con un personaje desquiciado, una chica que incluso está al nivel de Harley Quinn.

    La trama no es original pero el trabajo con que procede si lo es, el ritmo cambia de un segundo a otro y permite que el espectador quede enganchado hasta el último instante. Así como también se incluyes detalles para inmortalizar escenas (pinturas), que le confieren otra dimensión a la película.

    Sorprende y cumple mucho más que el experimento fallido de Belko, sin más que decir tienen que verla, por lo visto el director aprendió de sus excesos y logró algo sólido.

    https://www.youtube.com/watch?v=bhTDq2t6UpM

    @Chdnk

  • Análisis película Get Out ¡Huye! | Sepulta el miedo

    Análisis película Get Out ¡Huye! | Sepulta el miedo

    El cine de terror se ha caracterizado por fijar reglas alrededor de la muerte, los protagonistas carecen de sentido común por querer «explorar» y suplicar por sus vidas, los entes paranormales o psícopatas de turno son quienes figuran como el eje central del conflicto en medio de una escena en donde cada ruido incrementa la ansiedad del espectador. Get Out redefine las fórmulas de éste cine y las usa para hablar de racismo, pero no desde una perspectiva políticamente correcta sino más bien cotidiana.

    La Siguiente entrada tiene Spoilers

    Get Out presenta su escena inicial con un tema africano: «Sikiliza Ka Wahenga«, el cual podría traducirse como «escucha a tus ancestros», o mejor dicho ten cuidado. Jordan Peele presenta su ópera prima con un conflicto racial que podría parecer a simple vista como un exterminio, pero decide explorar la mente de su personaje protagónico, sus miedos y sobre todo, la percepción que tienen los demás de él.

    Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Rose (Allison Williams), deciden visitar a los padre de ésta, el protagonista advierte sobre algún posible racismo mientras esta los niega. A medida que avanza el film el director le da pistas obvias al espectador, plantea un bosque rápidamente, una conducta sospechosa por parte de los padres de Rose y una sociedad alienada que observa con curiosidad a Chris.

    En un principio podríamos creer que Chris quedará atrapado y morirá, más el conflicto que propone Peele va más allá, Chris (Daniel Kaluuya) y su novia Rose (Allison Williams) , imitando sus códigos culturales y ante todo irrespentándolos. Aquí la figura del esclavo no se limita a ser un sirviente de los blancos sino a sepultar cualquier rasgo de humanidad para quedar reducido a una extensión de un ente superior.

    Rose nos da a entender que es una novia atenta y comprometida con la relación, más la máscara sólo será una fachada para consolidar el plan de su familia. Para ella, sus parejas son un mero trofeo, un reconocimiento. Chris intentará disuadirla pero al final contemplará como aquellas excusas no eran más que una prologación de su secuestro.

    Los padres de Rose funcionan como engranajes que ponen alerta al espectador, el padre habla de entender a los negros, menciona al «moho negro» del sótano y se mofa de cómo les han quitado oportunidades en la sociedad, más todo esto lo hace de forma implícita. La madre, es distinta habla sin rodeos y le ofrece ayuda a Chris con sus problemas, quiere ser empática pero al final intrusiva.

    La hinopsis que aplica el personaje juega con los recuerdos de Chris y lo sepulta al fondo, lo aparta de la sociedad y lo paraliza, enmarcándolo en un palacio mental donde sólo las órdenes de ella tienen sentido.

    A diferencia de otras películas de terror, aquí el protagonista tiene sentido común y hace todo lo posible por sobrevivir, busca cuestionar porque su entorno lo mira cómo si fuera distinto, más la ansiedad lo corroe entre las cuatro paredes que amenazan con ver un mejor mañana.

    El final es más que apropiado, Chris sobrevive y se venga, pero no sin antes ver cómo su amigo era subestimado incluso por sus pares, remitido a una simple broma.

    Resultado de imagen para get out

    Trailer Get Out en línea

    https://www.youtube.com/watch?v=TXzypG8t5Xc

    Deben verla.
    @Chdnk

  • The Ticket: Ceguera intencional

    The Ticket: Ceguera intencional

    Las desgracias y la miseria pueden sepultar la voluntad de una persona y hacer que se lamente constantemente de su infortunio, remarcar constantemente porqué nunca tuvo lo que tenían los demás, mirarlos a la distancia preguntándose cuándo tendrá las oportunidades y por qué está tan atascado. Sin embargo, tal miseria puede ser una ilusión derivar en una ceguera temporal. Lejos de un escenario de la autorrealización y los libros vendidos por Coelho, The Ticket interroga hacia dónde vamos y quiénes somos, ¿Lo logra con éxito o abusa de lo predecible?

    Advertencia: La siguiente entrada contiene Spoilers.

    En búsqueda de una oportunidad

    La cinta comienza con una reflexión del protagonista, James (Dan Stevens) cuestiona qué pasaría si un hombre recibiera una oportunidad para tener todo lo que siempre ha querido, ganar la lotería, Dios lo cuestiona ¿Cómo la ganaría si nunca fue capaz de comprar un ticket? Comenzamos con una cámara desenfocada, sólo nos guiamos por el diálogo, descubrir el entorno no sólo es un privilegio que tiene el espectador sino que también lo adquiere al protagonista, un milagro ha sucedido: ahora puede ver.

    Ido Fluk, director de la cinta empieza a representar cómo la ceguera y la visión del protagonista pueden distorsionarse bajo la mirada del éxito y de las circunstancias temporales. Su mayor defecto a medida que avanza el trayecto es tropezar con el éxito y no discernir entre la superación y tener un objetivo claro.

    Pensando en ello Fluk, hace lo posible por crear un producto que tenga más connotaciones, donde James vivía su vida relegado a tomar decisiones, culpando a su ceguera de su infortunio constante. Lo cuestionable y donde empieza a caer en lo predecible la película es en enfrentar a James con una realidad artificial y dejándose llevar en parte por moralejas.

    En cierta forma podía ofrecer un trayecto que tuviera más reflexiones y donde el quiebre de su protagonista valiera más, en donde los personajes no sean meras marionetas para presionar al protagonista para arrepentirse de haberse desviado y ser desagradecido.

    Al final, termina siendo en extremo autoayuda, hay un esfuerzo por dotar de cierta naturalidad a la cinta, al igual que existe un trabajo notable en la fotografía. Sin embargo, no resulta suficiente.

    Nos vemos en la próxima.

    @Chdnk