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20 canciones para dedicar el Día de las Madres

Canciones para dedicar el Día de las Madres

Los detalles siempre importan: un libro que tu mamá estaba deseando leer hace tiempo, un nuevo teléfono, una tablet para que vea sus series y películas favoritas. Y la lista de opciones sigue. Sin embargo, a veces son los detalles más pequeños los que hacen encoger el corazón de pura emoción. Si no se te da bien expresar tu cariño, puedes optar por frases o algo más artístico: Canciones para dedicar el Día de las Madres. Aprovechando que la celebración está a la vuelta de la esquina, hemos reunidos varias canciones para que se las dediques a tu mamá en su día.

Canciones para dedicar el Día de las Madres

Son perfectas para amenizar la celebración de su día, para colocarlas como fondo musical de una recopilación de imágenes y recuerdos o simplemente para hacerle saber cuánto la amas. Estas son algunas canciones para dedicar el Día de las Madres a esa mujer que te dio la vida.

«Slipping Through My Fingers» de ABBA

A las mamás que desean ralentizar el tiempo porque sus bebés están creciendo demasiado les encantará esta balada de ABBA (y que aparece en Mamma Mía).

«The Best Day» de Taylor Swift

Taylor Swift escribió esta canción sobre los mejores días con su madre mientras crecía, desde jugar en un huerto de calabazas hasta distraerla después de una pelea con sus amigos. Es nostálgica y enternecedora a partes iguales y hará que quieras ver todos tus viejos vídeos caseros.

«Mother» de Sugarland

Coge los pañuelos para esta canción porque pensarás en tu propia madre o en tu viaje como madre. Es una canción que hace llorar de la mejor manera posible.

«Lullaby» de The Chicks

Esta canción pinta una imagen maravillosa de la maternidad. Canta sobre ver a tu bebé dormir, prometiendo amarlo para siempre, y asegurando que, sin importar dónde estén si cierran los ojos podrán escuchar tu voz como si estuviera con ellos.

https://www.youtube.com/watch?v=AtAeCEuBdH0

“Nadie Como Tú” de La Oreja de Van Gogh

Esta canción es perfecta para dedicársela a tu mamá si quieres hacerle saber por qué es la mejor. Podrás decirle por qué la amas y cuan importante es para ti.

«Cover Me In Sunshine» de Pink

«Cover Me In Sunshine» fue escrita por Pink y su hija Willow durante los encierros de Covid, pero aunque la canción no habla explícitamente de las madres, la esperanza y el optimismo de la letra describen de alguna manera cómo se siente el amor de una madre. Por no hablar de que Willow, que entonces tenía 9 años, ayuda a su madre cantando con ella durante toda la canción, y si eso no es una prueba del vínculo madre-hija, ¿qué lo es?

«Superwoman» de Alicia Keys

Una balada conmovedora y empoderadora sobre las mujeres, y las madres, que superan los días malos y luchan por los buenos.

«I Called Mama» de Tim McGraw

Tim McGraw sabe cómo escribir una canción country que toque tu fibra sensible. En «I Called Mama», canta sobre la devastadora noticia que le dio un amigo sobre otro amigo, y cómo eso le llevó a tomarse unos minutos para sí mismo, a escribir una canción y a llamar a su madre, cosas para las que no tenía suficiente tiempo antes de recibir la mala noticia. Es un dulce recordatorio para llamar a tu propia madre, ya sea porque necesitas su apoyo mientras lloras o simplemente para saludarla.

«Mother» de Ashanti

En esta canción, Ashanti canta sobre las cosas que le enseñó su madre y le atribuye el mérito de la mujer que llegó a ser. Mucho aprecio y amor en una sola canción.

«You’ll Be In My Heart» de Phil Collins

Puede que recuerdes esta dulce canción de Tarzán, pero incluso si no has visto la película, puedes sentir todo el amor en la letra. La canción está escrita desde la perspectiva de una madre a su hijo y no hay duda de que te hará llorar. En sólo unas pocas letras, Phil Collins consigue resumir la feroz protección que una madre siente por su bebé.

“Mi novia se me está poniendo vieja” de Ricardo Arjona

“Ella es mi novia desde que me acuerdo. Amor del bueno desde que la vi”. ninguna canción podría hablar tan bien del amor de un hijo a su madre como esta. Esa clase de amor que sentimos desde muy pequeños aun sin saber que realmente es amor. Un sentimiento indescriptible.

«You Can Finally Meet My Mom» de Train

Técnicamente, esta es una canción de amor, no una canción del Día de la Madre, pero si estás celebrando a tu difunta madre este Día de la Madre, entonces verás por qué es tan apropiada. Pat Monahan, vocalista de Train, escribió esta canción sobre cómo, después de morir, esperará en el cielo hasta que su mujer se reúna con él, y cuando lo haga, no se reunirá con todos sus ídolos musicales, sino que será lo suficientemente feliz como para estar con ella. Y, como extra, una vez que su mujer llegue allí, podrá conocer por fin a su madre, que murió antes de que ellos estuvieran juntos.

«I’ll Stand By You» de The Pretenders

Esta canción te hará sentirte muy bien, tanto si piensas en el amor de tu madre por ti como en tu propio amor por tus hijos. Trata de ese amor feroz que consiste en apoyar a alguien sin importar lo que ocurra.

«The Wish» de Bruce Springsteen

Puede que tenga algunas décadas de antigüedad, pero esta es una canción que puede ser apreciada por cualquier persona con buenos recuerdos de la infancia de su mamá, sin importar cuándo haya nacido.

“Madrecita Querida” de Vicente Fernandez

“Madrecita querida, mil perdones te pido, si por esa traidora, te deje en el olvido.” Esta canción es perfecta para pedirle perdón a tu madre si ese fuese el caso.

 «Sweet Love Of Mine» de Joy Williams

Aunque la versión completa es maravillosa, la versión acústica despojada de esta canción de una madre a su bebé tiene tanta emoción. Joy Williams canta a su hijo, agradeciéndole que haya venido al mundo.

 «Mom» de Meghan Trainor

Perfecta para bailar y cantar, el estribillo de esta canción es una dulce declaración de amistad y amor: «Puede que tengas una madre/puede que sea genial/ Pero nadie tiene una madre como la mía / Su amor es hasta el final, es mi mejor amiga / Nadie tiene una madre como la mía».

«Mother» de Kacey Musgraves

Es una canción corta, de poco más de un minuto, pero llena de amor. En ella, Kacey Musgraves canta sobre estar lejos de su madre y echarla de menos y luego reflexiona sobre el hecho de que su propia madre probablemente también esté sentada allí y echando de menos a su propia madre.

«Two Of Us», de Louis Tomlison

Perfecta para alguien que celebre a su difunta madre este Día de la Madre. Es una dulce oda a la relación entre un hijo y su madre mucho después de que ella se haya ido.

«Mother Like Mine» de The Band Perry

En las primeras líneas de esta canción, empezarás a pensar en el amor por tu madre. La sentida letra engloba de algún modo el sentimiento de seguridad que las madres aportan a sus hijos.

Los alimentos rojos más saludables

Los alimentos rojos más saludables

La mayoría de la gente sabe que es importante consumir de cinco a diez porciones de frutas y verduras diariamente, pero debido a los estilos de vida agitados y los horarios ocupados, a menudo lo olvidamos. La diabetes, el colesterol alto, la hipertensión, la obesidad y el cáncer están aumentando debido a una dieta errónea, cargadas de azúcar refinada, grasas y alimentos procesados. Las frutas y verduras son ricas en nutrientes que protegen nuestro cuerpo de estas enfermedades y más. Los alimentos rojos más saludables en particular contienen nutrientes que mantienen una presión arterial saludable, desalientan el crecimiento de tumores, reducen el colesterol malo, reducen el riesgo de cáncer de próstata en los hombres y ayudan a prevenir la artritis.

Por qué los alimentos rojos son saludables

Porque estos son algunos nutrientes que se encuentran comúnmente en frutas y verduras rojas:

Vitamina C

Se sabe que una dieta rica en vitamina C retrasa el proceso de envejecimiento y reduce los riesgos de cáncer, enfermedades cardíacas y artritis. El pimiento rojo, la guayaba, las fresas, las frambuesas, los tomates y la papaya son alimentos rojos que son excelentes fuentes de vitamina C.

Licopeno

El licopeno es el carotenoide que da a las frutas y verduras rojas su característico color rojo brillante. Se cree que este poderoso antioxidante reduce los riesgos de ciertos tipos de cáncer, disminuye el riesgo de enfermedad cardíaca y también reduce y disminuye el riesgo de degeneración macular (trastorno ocular relacionado con la edad).

Los tres alimentos principales que contienen más licopeno son la guayaba, la sandía y los tomates, respectivamente.

Quercetina

La quercetina, un flavonoide que se encuentra en muchas frutas y verduras de colores brillantes, ayuda a mantener una presión arterial saludable, reduce los riesgos de ciertos tipos de cánceres, como el cáncer de colon, y ayuda a aliviar los síntomas de alergia y asma al prevenir la liberación de histamina por las células inmunes del cuerpo. Los arándanos, las cerezas, las manzanas y los pimientos rojos son buenas fuentes de quercetina.

Ácido elágico

El ácido elágico es un antioxidante conocido por su capacidad para provocar la muerte de las células cancerosas. Este antioxidante también es conocido por reducir el riesgo de enfermedades cardíacas y promover la cicatrización de heridas en el cuerpo. Los frutos rojos ricos en ácido elágico incluyen frambuesas, fresas, granada, guayaba y arándanos.

Hesperidina

Este biflavonoide es responsable del color y se encuentra en las concentraciones más altas en las cáscaras de los cítricos. Al igual que la quercetina, la hesperidina ayuda a aliviar los síntomas de la alergia y el asma actuando como antihistamínico y evitando así la liberación de histamina. Sus otros beneficios incluyen mantener niveles saludables de colesterol, reducir los riesgos de ciertos tipos de cáncer y fortalecer los capilares (vasos sanguíneos diminutos) que promueven la curación en el cuerpo. La toronja es la fuente más rica de hesperidina.

Cuáles son los alimentos rojos más saludables

Entre los alimentos rojos con más beneficios para la salud, tenemos:

Granada

La granada, el exótico fruto lleno de diminutos frijoles melosos se considera un alimento rojo tremendo. Contiene una gran cantidad de polifenoles y antioxidantes, que aseguran la salud del corazón y están relacionados con la prevención de enfermedades cardíacas. Además, las granadas también juegan un papel importante en la prevención de múltiples tipos de cánceres.

Pimientos rojos

Los pimientos rojos dulces o picantes son una excelente fuente de vitamina A. Esta vitamina contribuye a mantener la salud de los huesos, la piel y el cabello. Además, la capsaicina en los pimientos rojos contribuye a aliviar los dolores de cabeza y la artritis.Los pimientos rojos dulces también contienen vitamina C, más que las naranjas.

Fresas

Las fresas de color rojo rosado con sabor dulce ayudan a reducir el colesterol malo (lipoproteínas de baja densidad). También podrían funcionar para prevenir varios cánceres en el cuerpo. Aquí para mencionar, una sola porción de aproximadamente ocho fresas le proporciona más vitamina C que una naranja entera.

Frambuesas

Otro de los alimentos rojos, las frambuesas, es rica en compuestos vegetales antocianina. Por lo tanto, ayuda a prevenir enfermedades cardíacas crónicas. Las frambuesas también inhiben la promoción de la diabetes y reducen la inflamación en el cuerpo.

Sandía

Compuesto por un 92% de agua, una rebanada de sandía fresca es una manera perfecta de hidratarte en un caluroso día de verano. También está repleto de antioxidantes como el betacaroteno, la vitamina C y el licopenor.

Tomates

Estos alimentos rojos contienen una gran variedad de nutrientes amigables para el cuerpo, que trabajan para promover una salud virtuosa. Los tomates son ricos en antioxidantes, vitamina C y A, potasio, vitamina B6, ácido fólico y tiamina. Además, también son abundantes en licopeno, compuesto conocido por promover la salud del corazón y reducir el cáncer. También, el licopeno es un excelente cuidador natural de la piel y produce una piel radiante.

Cerezas

Estas pequeñas gemas están repletas de antocianina y quercitina, conocidas por ser excelentes medicamentos antiinflamatorios naturales. Además, las cerezas también ayudan a tratar la anemia y otras enfermedades relacionadas con la sangre.

Por qué Channing Tatum es un actor infravalorado

Channing Tatum

El año pasado, Channing Tatum estuvo en The Kelly Clarkson Show y habló sobre su cuerpo y cómo este es muy poco realista y solo se ve así porque su trabajo es hacer ejercicio todo el tiempo. En la misma entrevista, Channing manifestó la idea de hacer su trabajo de una manera diferente: “Como alguien que hace ejercicio por su trabajo, les prometo que no me vería así [físicamente] si no tuviese que estar desnudo en la mayoría de mis películas. En algún momento tengo que mejorar en la actuación para no tener que estar desnudo en todas ellas”.

Esa percepción que tiene Channing Tatum de sí mismo, es un pensamiento general que se extiende a otros actores, y por supuesto, a actrices. Interpretes como Charlize Theron (Monster), Renée Zellweger (Bridget Jones), Christian Bale (El Maquinista), Robert Pattinson (Good Time), son algunos de los actores que han tenido que ‘afearse’ para ganarse la categoría de ‘buenos actores’, porque en Hollywood parece que belleza y talento, en algunos casos, es algo incompatible. Como es el caso de Channing Tatum.

Tatum, en una carrera de casi veinte años ha demostrado que puede actuar en comedias, dramas, puede bailar, puede arrasar en taquilla (con películas de bajo y alto presupuesto), puede dirigir y tiene muy buen ojo para producir. Sin embargo, a día de hoy sigue siendo un cuerpo y rostro bonito en la industria. Por eso hoy te decimos por qué Channing Tatum es un actor infravalorado.

Por qué Channing Tatum es un actor infravalorado

Channing Tatum fue un nombre recurrente en Hollywood, desde 2006 cuando protagonizó Set it Up, una película sobre competencias de break dance, que sorpresivamente recaudó más de cien millones frente a un presupuesto de catorce miillones de dolares. Ese tuvo que haber sido el primer indicativo del estatus de estrella que alcanzaría. Sin embargo, su nombre se hizo mundialmente conocido seis años después, en 2012, cuando se convirtió en un símbolo sexual de la noche a la mañana gracias a otro nuevo éxito taquillero en su carrera: Magic Mike. Encuentro que es un misterio, especialmente porque todavía estoy tratando de descubrir qué es lo que muchas mujeres encuentran tan especial en él a pesar de que yo también soy mujer.

Channing Tatum en Dog (2022)

A pesar del éxito de la primera entrega de Set it Up, entre estas y la primera de Magic Mike, Channing encadenó decisiones cuestionables, participando en películas que nadie vio ni mucho menos recuerdan. En 2010, protagonizó la adaptación de turno de Nicholas Sparks, Dear John, una película que encaja en el canon de drama romántico inofensivo que acumula millones de dolares en taquilla. Ese nuevo éxito en recaudación, fue lo que abrió la puerta a 2012, el mejor año de su carrera. Pero un año antes, en 2011, estrenó  cinco películas, una peor que la otra. Tatum se paseó por cinco géneros diferentes (comedia, thriller de acción, drama histórico, comedia romántica y suspenso), todas las películas fracasaron, pero no importó. Llegó el 2012 y las cosas no volvieron a ser las mismas para él.

Channing Tatum estrenó tres películas que le ayudaron a consolidar su condición de estrella: The Vow, un drama romántico que recaudó casi 200 millones de dolares en taquilla, frente a un presupuesto de 30 millones, afirmando su estatus de héroe romántico; Magic Mike lo convirtió en un símbolo sexual, una película independiente que consiguió casi 200 millones de dólares en todo el mundo, teniendo un escaso presupuesto de 7 millones; y 21 Jump Street una comedia de acción que lo convirtió en el actor favorito del gran público y también tuvo una recaudación millonaria de más de 200 millones de dólares. Channing produjo las dos últimas películas de ese año, demostrando su autoconciencia frente a la percepción del público frente a él y así lanzó su carrera a lo más alto. Dió al público lo que este estaba dispuesto a consumir de él.

Es interesante que Tatum mencione que quiere ser un mejor actor, porque es algo creíble. Durante estos diez años que han transcurrido, él ha demostrado su interés por crecer como interprete. Se ha paseado por muchos géneros, desde drama (Side Effects), thriller (Foxcatcher), comedia (Logan Lucky), acción (Kingsman 2), y ha trabajado con grandes directores (Bennet Miller, Quentin Tarantino, los hermanos Coen, Steven Soderbergh) .

Claro, no es tampoco el mejor interprete. Hay varias cosas en las que creo que Channing necesita trabajar como actor. Y el puede tener razón, si tiene tantos papeles ahora, aparte del hecho de que es un actor razonablemente bueno, es por su apariencia de modelo masculino. Pero puede mejor y se nota su compromiso por hacerlo. Ha demostrado su versatilidad delante y detrás de las cámaras, y diez años después que se consolidó como una estrella, vuelve a probar ante el público que también puede ser artista.

Channing Tatum y Sandre Bullock en The Lost City (2022)

Este año ha estrenado dos películas: The Lost City y Dog. La primera es una superproducción de aventura protagonizada junto a Sandra Bullock y la segunda es una cinta independiente que él ha dirigido y producido. Ambas películas han obtenido críticas positivas por parte de la prensa especializada y se han convertido en éxitos de taquilla consiguiendo casi 100 millones de dólares cada una (ambas están aun en cartelera).

Tal vez no sea el mejor actor pero si es uno de los más comprometidos y si él ha dicho que quiere convertirse en un mejor interprete, tal vez lo consiga de la misma forma que logró convertirse en estrella y en uno de los actores predilectos del gran público.

Critica: Quiero que vuelvas, homenaje a las rom-com de los 90

Quiero que vuelvas
Critica de Quiero que vuelvas

Algunas veces la década de los noventa es mencionada como una época revolucionaria para el cine, esto se debe a que entre 1990 y 1999, la comedia romántica y la acción tuvieron una evolución sus respectivos patrones para contar historias y terminaron convirtiéndose en los dos géneros mas taquilleros de aquellos años. El cine de aquella década estuvo marcado por un espíritu optimista que luego se perdería tras los sucesos de las Torres Gemelas. Es por eso que cuando los críticos dicen “Ya no se hacen películas como estas” se refieren a películas que sin tener necesariamente un trasfondo psicológico y/o social, tienen la capacidad de entretener por la narrativa de sus historias, mayormente hechas para alegrar al público. Quiero que vuelvas o I Want You Back, cinta original de Prime Video, es precisamente una película como esas que ya no vemos tan seguido pero que tanto necesitamos.

Rememorando las comedias románticas clásicas de hace dos décadas y con un reparto coral que no requiere de estrellas para brillar, I Want You Back es la película perfecta para disfrutar un fin de semana en casa a solas, con familiares o amigos.

¿De qué trata Quiero que vuelvas?

La sinopsis juega con cartas familiares que ya hemos visto en otras historias: Emma y Peter se conocen justo después de que sus respectivas parejas terminan con ellos. Unidos por el despecho y la tristeza, ambos idean un plan donde Peter hará que el ex-novio de Emma deje a su actual pareja y vuelva con ella, mientras Emma hará lo propio con la ex de Peter.

Historia ligera

Como una historia que revive lo mejor de las comedias de los noventa, Quiero que vuelvas es una historia completamente inofensiva que no busca explorar más allá de lo que cuenta su sinopsis. Claro, cada uno de los seis personajes principales, especialmente los dos protagonistas, tienen espacio para lidiar con otro tipo de problemas vinculados a lo complicada que puede ser la adultez a veces pero esto simplemente es para sustentar la historia principal y darle más complejidad ya que los problemas de Emma y Charlie son en teoría las razones por las cuales sus respectivas parejas deciden terminar con ellos.

Así, Quiero que vuelvas habla de la crisis de los treinta (sueños frustrados, sueños estancados, deseos de formar una familia) pero lo hace solo en la superficie. Lo cual se agradece, si quisieran indagar un poco más tendríamos una historia diferente, más reflexiva tal vez pero mucho menos entretenida, el cual es el objetivo de esta. Y lo consigue.

Humor inofensivo

Una buena comedia romántica necesita tanto romance como comedia para subsistir y I Want You Back tiene la dosis necesaria de ambas. Su humor nace en un terreno neutro donde los personajes pueden bromear sobre ellos mismos o incluso la situación del otro sin resultar ofensivos. También hay un par de secuencias que están allí no para aportar sustancia a la historia pero sí para conceder un par de carcajadas extras que llegan cortesía de Jenny Slate y Charlie Day, las dos fuerzas mayores de la película. Ambos tienen el don de aportar sensibilidad y carisma a los personajes; permiten al público empatizar con ellos, reír con ellos y desear que al final de la película consigan justo lo que necesitan.

Romance justo

Otro acierto de la historia es que no se deja abrumar por el romance. De hecho, por momentos se inclina más hacia la comedia. El romance va naciendo en pequeños momentos, slow burn, y da gusto ver a los personajes enamorarse de una forma orgánica y no impostada como es tan común en estos días donde el romance se cuenta pero no se ve (como en After, Midnight Sun, etc). Y es una enorme ventaja que la historia se apoye más en la comedia que en el romance porque cuenta con Slate y Day, dos actores curtidos en el género y se nota. Junto a ellos están también Scott Eastwood, Manny Jacinto y Gina Rodríguez quienes al igual que sus otros dos co-protagonistas, se nota que se la están pasando en grande.

Estética rom-com

Su director, Jason Orley, encargado de dirigir otras películas como The Intern demuestra que sabe manejar muy bien el género y todos sus tópicos. No solo tiene un guión que cumple, sino que estéticamente captura muy bien el espíritu. Nueva York de fondo, escenarios pomposos, y música indie y pop que eleva muchas de las escenas claves en la historia. Además, la película se mueve por subgéneros como el romance a fuego lento, triángulos amorosos, bromances y más. Todos y cada uno para complementar la historia principal.

El único pequeño inconveniente, desde mi punto de vista, es que el final se ejecuta de una manera un poco precipitado. Quiero que vuelvas demora mucho en llegar al último acto y el desenlace sucede en cuestión de escasos minutos dejando muy poco tiempo para procesarlo. Obviando eso, estamos ante una comedia romántica que cumple lo que se propone. Y si echamos un vistazo al catálogo de Prime Video que no está tan cargado de películas de este tipo, como Netflix por ejemplo, podemos decir que es una de las mejores películas de comedia romántica en la plataforma. Como hemos dicho, es la opción perfecta para ver en casa un fin de semana, a solas o en compañía. Cuando parecía que para poder buenas comedias románticas teníamos que darle un vistazo a películas de hace mas de veinte años, es interesante ver como paulatinamente empiezan a llegar películas que aunque tienen su estilo propio, son un claro homenaje a la época dorada del género.

Por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil

Por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil
Por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil

Pocas catástrofes nucleares se han vivido en el mundo como la bomba atómica de Hiroshima y Nagasaki o la explosión del reactor nuclear en Chernóbil. Sin embargo, en la actualidad dos de estos sitios están habitado y otro no. Cosa que nos hace pensar por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil. ¿Qué ocurrió en un lugar y otro para que uno se encuentre excluido en la actualidad y el otro no?

Por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil

Habrás visto que Hiroshima ahora está bien y prospera, pero Chernobyl permanece deshabitado ¿Por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil?

La Zona de Exclusión de Chernóbil es uno de los lugares más radiactivos del mundo. El 26 de abril de 1986, una desastrosa fusión en la planta de energía nuclear de Chernobyl en Ucrania (en la antigua Unión Soviética) provocó dos enormes explosiones que volaron la tapa de 2000 toneladas de uno de los reactores de la planta, cubriendo la región con desechos del reactor y su combustible radiactivo. La explosión liberó a la atmósfera 400 veces más radiación que la producida por la bomba atómica lanzada sobre Hiroshima, y la lluvia radiactiva se extendió por toda Europa, según un informe del Parlamento Europeo.

El 2 de mayo de 1986, una comisión de la Unión Soviética declaró oficialmente un área prohibida alrededor del desastre y la llamó Zona de Exclusión de Chernóbil. La zona incluye un área de aproximadamente 1.040 millas cuadradas (2.700 kilómetros cuadrados) alrededor del radio de 18.6 millas (30 km) de la planta; el área se consideró el entorno más severamente irradiado y fue acordonada para todos menos para funcionarios gubernamentales y científicos.

Para el 27 de abril (el día después de la explosión), las autoridades ya habían evacuado la ciudad cercana de Pripyat, pero en mayo se dieron nuevas órdenes para evacuar a todos los que permanecían dentro de la zona de exclusión. Durante las siguientes semanas y meses, alrededor de 116.000 personas serían reubicadas desde el interior de la zona de exclusión. Este número siguió creciendo, alcanzando un total de alrededor de 200.000 personas antes del final de la evacuación.

Entonces, para responder por qué vive gente en Hiroshima pero no en Chernóbil, la respuesta corta es la cantidad de radiación. Pero veamos una respuesta más profunda.

Tipo de detonación

La primera razón es el tipo de detonación. La bomba atómica en Hiroshima fue detonada a cientos de metros sobre el suelo para maximizar su rendimiento. Al detonar, la bomba se vaporiza por completo y, por lo tanto, la radiación se distribuye en un área enorme por la explosión..

En una bomba atómica, queremos liberar la mayor cantidad de energía lo más rápido posible, esto se hace mediante una reacción en cadena donde el uranio 235 absorbe un neutrón, se fisiona, libera mucha energía y libera 3 nuevos neutrones. Los 3 neutrones luego repetirán este ciclo. De manera que la densidad de neutrones en el núcleo va aumentando. En un reactor atómico, se tiene una potencia constante estable. Cuando la densidad de neutrones de un reactor nuclear permanece constante de una generación a la siguiente (creando tantos neutrones nuevos como los que se pierden), la reacción en cadena de fisión es autosuficiente.

Hiroshima tenía 46 kg de uranio mientras que Chernobyl tenía 180 toneladas de combustible para reactores.

Un reactor también acumula una gran cantidad de desechos nucleares durante las semanas que está en funcionamiento. Hay muchos productos de desecho diferentes, pero los peores son los moderadores de cesio, yodo y grafito irradiado. Todos se asientan en el reactor hasta que se reemplazan con nuevas barras de combustible. A diferencia de la bomba atómica que solo produce productos de desecho a partir del combustible que utiliza en la explosión. La bomba atómica no contendrá productos de desecho de las últimas semanas.

De esa forma, la explosión de Chernóbil tuvo resultados más fatídicos. Inicialmente, el accidente fue directamente responsable de solo dos muertes: una por la propia explosión y otra por una dosis letal de radiación. Según la ONU, como consecuencia, otras 52 personas murieron como resultado de quemaduras y daños agudos por radiación.

Otras fuentes, incluida la serie de HBO, Chernobyl, dicen que solo hubo 31 muertes directas totales, pero la estimación de la ONU de 54 muertes directas totales se considera la más precisa.

Indirectamente, la explosión esparció lluvia radiactiva sobre Europa, contribuyendo a enfermedades en las poblaciones circundantes y potencialmente a decenas de miles de casos de cáncer causados por una mayor exposición a la radiación.

¿Cómo sucedió la explosión de Chernóbil?

Varios factores contribuyeron a la destrucción de la planta de energía de Chernóbil, pero todos pueden dividirse en deficiencias en el diseño o error humano.

La fusión responsable de las explosiones de la planta ocurrió poco después de la 01:00 hora local en el reactor número 4, mientras los operadores realizaban un simulacro de seguridad de rutina. El incumplimiento del protocolo provocó una subida de tensión que elevó las temperaturas y rompió los contenedores de combustible.

¿Qué tan peligrosa es la Zona de Exclusión?

Más de 100 elementos radiactivos fueron liberados a la atmósfera inmediatamente después del desastre. Los más peligrosos de ellos fueron los isótopos de yodo, estroncio y cesio, que tienen vidas medias radiactivas respectivas (el período de tiempo que tarda la mitad del material en desintegrarse) de 8 días, 29 años y 30 años. La mayoría de los elementos liberados fueron de corta duración (lo que significa que sus vidas medias no son más que unas pocas semanas o incluso días), pero las vidas medias largas del estroncio y el cesio significan que todavía están presentes en el área. En niveles bajos, el yodo puede causar cáncer de tiroides; el estroncio, leucemia; y el cesio tiene efectos especialmente dañinos en el hígado y el bazo.

Otros elementos radiactivos liberados en la explosión tienen una vida mucho más larga, como el plutonio-239, que tiene una vida media de 24.000 años. Y así, a pesar de que toda la Zona de Exclusión de Chernóbil es mucho menos radiactiva hoy que en los días inmediatamente posteriores al desastre, los materiales radiactivos de vida más larga dentro de la zona aún podrían tardar miles de años en descomponerse.

¿Cómo se ve Chernóbil ahora?

La ciudad cercana de Pripyat fue evacuada un día después de la explosión y ha permanecido deshabitada desde entonces. Se ha erigido por etapas una estructura de refugio, también conocida como sarcófago, sobre los restos de la sección de la planta destruida por la explosión para contener los escombros contaminados.

Hoy, la zona de exclusión está llena de una variedad de especies de vida silvestre que han florecido en ausencia de la humanidad. Lobos, jabalíes, castores, alces, águilas, ciervos, linces y osos han prosperado en los espesos bosques de la zona. Manadas de perros, los descendientes ahora salvajes de las mascotas abandonadas de la región, también deambulan por la zona.

A pesar de que en su mayoría parecen gozar de buena salud, algunos de los animales de la zona tienen altos niveles de cesio en sus cuerpos, y las aves de la zona tienen 20 veces más probabilidades de tener mutaciones genéticas.

¿La gente vive dentro de la zona de exclusión?

La zona tampoco está completamente sin gente. En los años posteriores al desastre, aproximadamente 200 residentes regresaron ilegalmente a sus aldeas evacuadas para ganarse la vida en sus hogares una vez abandonados. Estos son en su mayoría personas jubiladas y sobreviven principalmente a través de la agricultura de subsistencia y los paquetes de atención entregados por los visitantes.

Crítica de Red Rocket, la fascinación de Sean Baker por los perdedores

red rocket
Critica de red rocket

Durante décadas, el cine hollywoodense nos ha vendido el sueño americano en todas sus presentaciones, en su mayoría, como relatos de cuentos de hadas modernos que acaban con un final feliz (es decir, materializando ese sueño). Es que el alcance de grandes metas y la superación están muy arraigados en la cultura americana que películas como Whisplash o Black Swan, tienen tramas que giran alrededor de la obsesión que nace por ser perfectos; es un reflejo de lo peligroso que puede llegar a ser buscar la perfección a toda costa. Algo que para muchos puede ser exagerado pero los estadounidenses, en su mayoría las personas de clase media (quienes están más cerca de alcanzar un mejor estatus), trabajan desmesuradamente para ser los mejores en todo. Cuando una persona no muestra interés de superación, sino de conformismo, suelen retratarse como los perdedores de una sociedad obsesionada con ser la mejor. Pero hay algo especial en el cine de Sean Baker que captura algo especial en la historia de esos perdedores, de una forma orgánica pero a la vez muy bella. Su trabajo mas reciente, Red Rocket, es viva muestra de ello.

En Tangerine (2015), película rodada con su celular, contó la historia de una mujer transgénero, ignorada por la sociedad. En The Florida Project (2017) retrató la historia de una niña, hija de una madre soltera, residentes de un motel ubicado justo detrás de Disneylandia, cuyas carencias son el contraste del lujo y mercantilismo que acontece a escasos metros en el famoso parque de atracciones. Y ahora, en Red Rocket se centra en un actor porno, que vuelve a su ciudad natal tratando de encarrilar su vida; se trata de un drama con tintes de comedia negra, y un protagonista peculiar que conforman un visionado bastante entretenido.

¿De qué trata Red Rocket?

Red Rocket es la historia de Mickey Saber quien veinte años después de dejar su ciudad natal para mudarse a Los Ángeles para probar suerte en la industria del cine para adultos, ha regresado en la ruina y acabado, con la esperanza de encarrilar su vida con ayuda de su ex-esposa y ex-suegra. Sin embargo, cuando conoce a Strawberry, una joven de diecisiete años, no descansará hasta llevarla a Los Ángeles, para así encaminar nuevamente su carrera como actor porno, aunque esta última idea, traerá consigo un par de problemas extras a su vida.

De ilusiones también se vive

Esa legendaria frase que al menos una vez todos hemos escuchado o dicho, toma forma en la historia que cuenta la película de Sean Baker. Su protagonista, Mickey, habla constantemente de los días de gloria en su carrera. El estirpe de Hollywood, sus anécdotas de rodaje, sus premios recibidos, su cantidad de suscriptores en una página de contenido adulto e incluso sus números de seguidores en Instagram. Pero es esa insistencia de hablar del pasado lo que hace que resulte lastimoso el personaje. En ningún momento se verbaliza su declive, cuál fue el punto de quiebre que tras sus logros volvió al lugar de donde salió, pero es esa dualidad entre lo que vive (arruinado y arruinado) completamente alejado de lo que alardea (sus días de gloria), lo que define a Mickey como un hombre incapaz de afrontar que sus mejores días (si alguna vez los tuvo) ya se han ido. De hecho, en una parte específica de la película, este menciona que tiene ”casi mil seguidores en Instagram” y lo dice como un logro, siendo este un número común de seguidores en cualquier cuenta promedio. Sin embargo, eso nos permite ver cuan alejado está Mickey de su triste realidad.

Humor malsano

Las películas de Baker se han destacado por esa estética orgánica tanto en su historia, actuaciones y producción. Incluso en las tres películas que ha rodado hasta la fecha, el director se ha rodeado de un puñado de actores no profesionales para dar vida a sus personajes y se nota. Pero es esa inclinación por buscar un resultado natural lo que hace que sus películas se sientan como la vida misma, así sus guiones encuentran un balance entre el drama y la comedia; porque todos hemos tenido días buenos o malos, alegres y tristen. Hasta los personajes de Baker.

Y eso se aprecia cuando pese a la situación deplorable en la vida de Mickey, nosotros como espectadores podemos reír con él pero reírnos de él también. Mickey es un personaje con mucha carisma y una suerte terrible pero resulta difícil empatizar con él porque también es una persona insoportable. Desde el momento en que llega a la casa de su ex-suegra sabemos que es un hombre que no está bien. Evade responsabilidades, vive inmerso en un pasado del cual ya no queda rastro y literalmente todo lo que hace es para beneficiencia propia. A partir de sus erróneas decisiones, Mickey va de mal en peor y Baker se las apaña, como buen guionista para conseguir que en vez de sentir pena por el, sintamos vergüenza ajena.

Simon Rex, actor revelación

Además del talento del director y guionista para escribir personajes, también hay que darle crédito al responsable de dar vida al personaje principal, que se convierte en el pilar de toda la historia. Simon Rex impregna a Mickey con toda su carisma, también es una interpretación muy física y él sale más que triunfante. Red también memorizó todos sus diálogos, que son bastante, en apenas tres días antes de rodar, lo que hace que esa naturalidad con la que escupe cada palabra sea más admirable.

De lo bello lo feo

  1. Tal como lo conseguía en sus trabajos previos, Baker demuestra una vez más que puede capturar la belleza incluso en los escenarios mas feos. Si en The Florida Project tenía un motel de mala muerte como escenario principal pero se las arregló para capturar planos memorables; vuelve a hacer lo mismo pero esta vez en un vecindario de caravanas en Texas. El director, quien también es el editor, juega con una paleta de tonos pasteles y brillantes para crear una fotografía vívida, como las ilusiones de las que vive el personaje.

La banda sonora también juega un papel importante y hace que temas icónicos de los noventa, complementen muchos de los mejores momentos.

Red Rocket puede no ser una película para todo el mundo, pero es una gran película. El director sabe muy bien mezclar géneros, crear una historia orgánica y reconocer el talento desconocido. Se trata de una de las mejores películas de su año y esta semana llega a las carteleras nacionales.

¿Qué es Starlink? El Internet de Elon Musk que ”lo cambiará todo”

qué es Starlink
qué es Starlink

Aunque han transcurrido muchos años desde el invento del Internet, acceder a este desde cualquier lugar, sin importar donde te encuentres, parece un sueño imposible. O al menos así era hasta que Elon Musk decidió lo contrario. En 2015, SpaceX, la empresa propiedad del multimillonario tecnológico africano, anunció el desarrollo de un servicio de este tipo llamado Starlink. Pero, ¿qué es Starlink?

Starlink se volvió tendencia cuando a mediados de marzo, su dueño, Musk decidió de abastecer de conexión a Internet a varias zonas de Ucrania, devastada por la guerra. Si quieres aprender más sobre el sistema que podría cambiar el rumbo de Internet tal como lo conocemos, aquí tienes todo lo que necesitas saber.

Qué es Starlink

Si quieres saber cómo funciona, si tendrá beneficios extras de cara a los competidores y, todo lo que necesites saber sobre este, sigue leyendo para aprender más sobre este muy ambicioso servicio de Internet espacial.

¿Cómo funciona Starlink?

El servicio se basa en un sistema de estaciones terrestres llamadas puertas de enlace. Estas estaciones están ubicadas en todo el mundo e intercambian señales con los satélites Starlink, aprovechándolos de la infraestructura de fibra óptica existente. Entonces, la antena doméstica de un usuario se conecta a un satélite Starlink cuando pasa por encima, lo que a su vez los conecta con la puerta de enlace más cercana. Como resultado, además de su propia antena, los usuarios deben tener una estación terrestre dentro de aproximadamente 500 millas de su ubicación para obtener el servicio.

Todo lo que se espera es que en un futuro no muy lejano, Starlink pueda ofrecer acceso a Internet desde prácticamente cualquier lugar del planeta. El objetivo de Elon Musk es lanzar miles de pequeños satélites, todos los cuales estarán en órbita terrestre baja. Podrán transmitir señales rápidas de Internet a la Tierra.

¿Cómo son los satélites?

Cada satélite en este proyecto pesa solo 573 libras (260 kg). Son básicamente muy planos cuando 60 de ellos se colocan dentro de uno de los cohetes Falcon 9 de SpaceX. Cuando se ponen en órbita, sale un solo panel solar grande para alimentar el satélite. La parte principal incluye cuatro potentes antenas para transmisiones por Internet. También tienen láseres que conectan cada satélite con otros cuatro en órbita. Finalmente, incluyen propulsores de iones que usan gas criptón. Esto les permite permanecer en órbita más tiempo, incluso a estas distancias más bajas de la Tierra.

¿Qué tan rápidas serán las velocidades de Internet de Starlink?

Los satélites SpaceX Starlink estarán en órbita baja, a unas 350 millas sobre la Tierra. Debido a esta distancia relativamente corta, SpaceX dice que la latencia debería estar entre 25 y 35 ms. Esto debería ser lo suficientemente rápido para la mayoría de las tareas de Internet, incluidos los juegos. Las velocidades de descarga también deberían ser bastante rápidas, alrededor de 1 Gbps.

Hasta ahora, ¿cuántos satélites se han lanzado?

La compañía lanzó sus primeros satélites de prueba en 2018. A esto le siguieron los primeros 60 satélites oficiales del servicio en 2019. Al momento de escribir este artículo, SpaceX ha puesto en órbita alrededor de 540 satélites.

¿Cuántos satélites se necesitarán para el servicio?

La compañía recibió la autorización de la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC) de los Estados Unidos para colocar hasta 12.000 satélites SpaceX Starlink sobre el planeta. Básicamente formará una especie de «constelación Starlink» en el cielo. A SpaceX le gustaría colocar aún más satélites sobre la Tierra. En última instancia, la “constelación Starlink” podría tener hasta 42.000 satélites en órbita.

¿Cuánto costará el acceso a Internet de Starlink?

Hasta el momento, SpaceX aún tiene que confirmar los planes de precios para el servicio. En un artículo de CNN, la presidenta y directora de operaciones de la compañía, Gwynne Shotwell, dio una pista sobre el precio y dijo: «¿Alguien paga menos de $ 80 al mes por un servicio de m¡er&$#?» ? No. Por eso vamos a tener éxito”.

¿Se pueden ver los satélites SpaceX Starlink desde la Tierra?

Cuando SpaceX lanza por primera vez un nuevo conjunto de satélites, se pueden ver a simple vista en muchos lugares poco después.

Sin embargo, ascienden rápidamente a la órbita. Cuando esto sucede, se vuelven mucho menos visibles, pero bajo ciertas circunstancias todavía se pueden ver a simple vista, y ciertamente a través de telescopios.

¿Por qué los satélites Starlink son tan brillantes?

La razón principal es que están en una órbita mucho más baja que los satélites de comunicaciones normales. Varios astrónomos temen que el plan para orbitar hasta 12.000 o más satélites Starlink podría causar mucha más contaminación lumínica, lo que podría interferir con sus telescopios conectados a la Tierra.

qué es Starlink

¿Son peligrosos los satélites Starlink?

Se han expresado preocupaciones sobre la cantidad de desechos espaciales que podrían generarse con miles de satélites Starlink en órbita. Según SpaceNews.com, muchos expertos creen que podrían causar problemas con las naves espaciales tripuladas y no tripuladas. SpaceX afirma que cualquier problema con los satélites que fallan se resolverá simplemente usando sus propulsores a bordo para sacarlos de la órbita de manera segura y quemarlos en la atmósfera de la Tierra.

¿Starlink funcionará con teléfonos móviles?

No. Por los momentos está diseñado para brindar servicios de Internet fijo a casas o negocios. Dicho esto, los teléfonos inteligentes pueden conectarse a la conexión de datos de Starlink y la red doméstica a través de un hardware WiFi.

¿Starlink usará 5G?

No. Como dijimos anteriormente, el servicio está diseñado para conexiones fijas directas a hogares o empresas. No es lo mismo que la tecnología móvil 5G.

Parece cada vez más probable que Starlink ayude a resolver los problemas de Internet de alta velocidad en al menos algunas áreas rurales. Y con Musk planeando eventualmente lanzar cientos de satélites Starlink con cada lanzamiento del vehículo Starship de SpaceX, gran parte del planeta algún día podría recibir su señal de Internet desde el espacio. En un momento, la compañía dijo que estaba fabricando seis satélites Starlink todos los días.

La pregunta persistente ahora es cuántos competidores seguirán su ejemplo y cuántos satélites formarán finalmente estas megaconstelaciones.

Crítica: FRESH (2022), la otra cara de las comedias románticas

critica fresh 2022

La opera prima de Mimi Cave, ha sido catalogada como comedia romántica, cine de horror y acción. A primera instancia estos tres géneros parecen incompatibles entre sí, al menos el cine de horror con los otros dos, pero Cave, partiendo de un guión escrito por Lauryn Kahn, hace que de alguna forma los tres se fusionen. Es por eso que es difícil encapsular la película en uno de los tres, porque toma lo mejor de cada uno para dar como resultado FRESH, una de las películas más inteligentes, perturbadoras y únicas que se han estrenado en lo que va de año. Esta llegó el viernes pasado a Disney+ y es muy recomendable.

Fresh es una película particularmente difícil sobre la que escribir una reseña sin spoilers, aunque te insto a que la veas y averigües por qué.

¿De qué trata FRESH?

Fresh sigue a Noa, una mujer veinteañera cansada de la inutilidad de las aplicaciones de citas y los hombres que conoce a través de estas. Exasperada, se da por vencida con las citas, solo para que su interés se despierte con el apuesto Steve, un extraño con el que se topa en un entrañable encuentro en el pasillo de un supermercado. Unos días después, tras descubrir que no puede quitárselo de la cabeza, finalmente acaba accediendo a una cita con él para darse cuenta que acaba de cometer el mayor error de su vida.

Comedia, horror y acción

La película solidifica muy bien los tres géneros en una especie de tres actos (que no se contabilizan dentro del metraje). El inicio es una comedia romántica en todo su esplendor, vemos a Noa obstinada por lidiar con terribles citas, hasta que, un día después de darse por vencida en la búsqueda de una pareja (y lo hace con uno de los mejores diálogos en el cine en los últimos años), conoce a Steve, el que podría ser el indicado; ese meet-cute, que es la columna en la que se han construido muchas de las mejores comedias románticas, da paso al cine de terror más espeluznante y nos plantea una pregunta: ¿qué pasaría si el hombre de ensueño no es el indicado sino alguien que esconde un terrible secreto?  La siguiente hora es la tétrica respuesta a esta interrogante que culmina con un acto de cierre cargado de acción y suspenso.

Si bien el juego de las citas es difícil en general, Fresh de Mimi Cave deja en claro que es mucho más difícil para las mujeres que salen con hombres, debido a la amenaza de la seguridad física. A un hombre le cuesta muy poco esfuerzo abrumar físicamente a una mujer si así lo desea, y debido a la dinámica de poder de las relaciones entre hombres y mujeres, a veces a las mujeres les resulta difícil decir que no o expresar su incomodidad por miedo a desagradar al hombre; también está la ansiedad de lo que podría pasarles si lo hicieran.

Quien se encargó del casting es un genio, porque Sebastian Stan tiene esa rara mezcla de buena apariencia, confianza y encanto. Mirándolo a través de los ojos de Noa, él es realmente irresistible, y probablemente por eso ella ignora las red flags y a su bien intencionada amiga Mollie (Jojo T. Gibbs). Fresh deja en claro que la violencia contra las mujeres no es algo perpetrado por unos pocos, es un sistema completo que permite e impulsa dicho comportamiento. Y es perturbadora porque la historia va evolucionando desde un momento aparentemente inocente, que puede resultar cotidiano para muchos (el encuentro con un extraño en el supermercado), hasta momentos completamente perturbadores.

Un guión inteligente…

Fresh cuenta con un guión ingenioso que enriquece el mundo de la película más allá de la historia que se cuenta. La guionista Lauryn Kahn escribió la película con el deseo de que atrajera tanto a los fanáticos del terror como a los que les desagrada el género y, como alguien firmemente en el segundo grupo, creo que lo logró. La película se suma a ese selecto grupo de thrillers de suspensos cocidos a fuego lento como Ex_Machina y Ready or Not. Después del primer acto, la película realmente encuentra su ritmo, perfeccionando un horror progresivo, sentando las bases para un final progresivo.

…Una ejecución brillante

Si bien el guión es estupendo hay que darle todo el mérito que Mimi Cave merece por engranar las piezas necesarias y hacer que la película funciones como una todo. En este hay que destacar la fotografía, muy inteligente con el uso de una paleta de colores rojos y rosas románticos que le recuerdan al espectador que cuando ves las red flags (banderas rojas) a través de un lente rojo, no puedes distinguir su color. Una alegoría a la situación de Noa, quien al estar tan encandilada por los encanto de Steve, no puede reconocer que algo malo hay en él.

Algo similar sucede con la banda sonora que hace uso de canciones sobre el amor que si bien encajarían en escenas románticas de manual, aquí tienen un uso completamente opuesto.

Sin embargo, lo que realmente hace a esta película algo impresionante son las interpretaciones centrales de Daisy Edgar-Jones y Sebastian Stan como Noa y Steve; su química es natural y los dos transmiten justo lo que cada personaje necesita para hacer todo más creíble.

Si tuviera que resaltar un punto negativo es que, tal vez, el final es muy precipitado en contraste a cómo se dan las cosas en el resto de la película. Y el plano final desencaja en el estilo de todo el metraje, por lo que pudo tener un cierre mejor. Sin embargo, esto no resta valor a la película que es un debut muy potente y comprometido. Una fusión sólida de géneros que da como resultado una de las mejores películas que veremos en 2022.

FRESH está disponible en Star+ en Disney+.

¿Por qué solo vemos un lado de la luna?

Por qué solo vemos un lado de la luna

La luna es tan vieja como la Tierra. La mayoría de los que habitamos el planeta hemos tenido la dicha de verla desde que nacemos (y si tenemos suerte) hasta que morimos. La luna estuvo, está y seguirá allí por millones de años más. Sin embargo, a pesar de todo ese tiempo, de todos esos años iluminando noches y noches alrededor del mundo, de mostrar todas sus fases, solo hemos visto un lado de ella. ¿A qué se debe esto? ¿Por qué solo vemos un lado de la luna?

¿Por qué solo vemos un lado de la luna?

La respuesta simple (y una que probablemente hayas escuchado antes) es que solo vemos un lado de la luna porque la luna gira alrededor de la Tierra exactamente a la misma velocidad que gira alrededor de su propio eje, de modo que el mismo lado de la luna está constantemente mirando hacia la superficie de la tierra. Si la luna no girara en absoluto, veríamos todos sus lados; la única forma en que podemos ver una cara tan constante de la luna es si también está girando.

En pocas palabras, el bloqueo de las mareas hace que la Luna gire sobre su eje aproximadamente en el mismo tiempo que tarda en orbitar la Tierra. Salvo efectos de libración, esto hace que mantenga la misma cara vuelta hacia la Tierra,

Sin embargo, la razón subyacente por la que la luna gira a esta velocidad exacta, obligándonos a ver solo un lado de ella, es porque la luna ha estado bloqueada por las mareas de la tierra. El bloqueo de marea es una configuración estable, y relativamente fácil de alcanzar, con el tiempo suficiente, se encuentra que muchas de las lunas de nuestro sistema solar están bloqueadas por marea, incluido el planeta enano Plutón y su luna más grande, Caronte.

¿Qué es exactamente ese bloqueo?

El bloqueo se refiere a la forma en que un objeto, como la Luna, aparentemente está fijo en su posición, con un lado siempre mirando hacia el otro objeto. Cualquier objeto que se encuentre bloqueado por marea siempre tendrá un lado de sí mismo mirando hacia la superficie del planeta que está orbitando. La cantidad de tiempo que lleva orbitar alrededor del planeta variará de un objeto a otro (Fobos, una de las lunas de Marte, está bloqueada por mareas y orbita Marte cada 8 horas, mucho más rápido que nuestra Luna), pero mientras el objeto está bloqueado por mareas, la rotación coincidirá con el tiempo que tarda en orbitar.

¿A qué se refieren con mareas?

Es esta palabra la que nos da la clave real de por qué ocurre el bloqueo de marea.

Estamos más familiarizados con las mareas como el efecto de la subida y bajada de nuestros océanos debido a la posición de la luna. La gravedad de la Luna atrae a la Tierra, y el agua en la superficie de la Tierra más cercana a la Luna responde a esa atracción alargándose hacia la Luna. El agua en otras partes de la tierra siente la atracción gravitatoria de la Luna como más débil, y el agua en el lado opuesto de la tierra siente la atracción más débil. Sin embargo, estas fuerzas de marea también tienen otro efecto: resisten la rotación.

La luna mostraba sus diferentes rostros en el pasado

Es casi seguro que la Luna no estaba bloqueada por mareas cuando se formó por primera vez; en ese momento, habría girado a una velocidad más rápida, lo que significaba que si cualquier observador hubiera estado en la Tierra primitiva, podría haber visto todos los lados de la luna mientras giraba.

Sin embargo, la atracción gravitacional de la Tierra, que al igual que las mareas debidas a la Luna, tira del lado de la Luna más cercano a la Tierra más que del lado opuesto, resistió esta rotación más rápida. Esta resistencia debida a la atracción gravitatoria de la Tierra ralentizó gradualmente el giro más rápido de la Luna hasta que la Luna ya no giraba más rápido de lo que estaba en órbita. Una vez que la rotación de la Luna se desaceleró tanto que una sola cara siempre miraba hacia la superficie de la Tierra, se bloqueó oficialmente por mareas y se ha mantenido en esta configuración desde entonces.

¿Las fases lunares muestran diferentes caras de la luna?

No. Las fases lunares están determinadas por las posiciones relativas de la Luna, la Tierra y el Sol. Vemos a la Luna pasar por un ciclo cambiante de fases cada mes debido a su movimiento orbital alrededor de la Tierra y la geometría cambiante con la que la vemos.

Antes de describir las fases de la Luna, describamos lo que no son. Algunas personas creen erróneamente que las fases provienen de la sombra que la Tierra proyecta sobre la Luna. Otros piensan que la Luna cambia de forma debido a las nubes. Estos son conceptos erróneos comunes, pero no son ciertos. En cambio, la fase de la Luna depende solo de su posición en relación con la Tierra y el Sol.

La Luna no produce su propia luz, solo refleja la luz del Sol como lo hacen todos los planetas. El Sol siempre ilumina la mitad de la Luna. Dado que la Luna está bloqueada por mareas, siempre vemos el mismo lado desde la Tierra, pero no hay un «lado oscuro de la Luna» permanente. El Sol ilumina diferentes lados de la Luna mientras orbita alrededor de la Tierra; es la fracción de la Luna desde la que vemos la luz solar reflejada lo que determina la fase lunar.

¿Cómo suceden las fases de la luna?

La Luna nueva ocurre cuando la Luna, la Tierra y el Sol se encuentran aproximadamente a lo largo de la misma línea. Dado que el Sol está detrás de la Luna desde la perspectiva de la Tierra, el lado de la Luna que mira hacia la Tierra es oscuro.

En Luna llena, los tres cuerpos también se encuentran aproximadamente en una línea, pero esta vez, la Luna está en el lado opuesto de la Tierra, por lo que el Sol ilumina todo el lado que está frente a nosotros.

En el primer y último cuarto, la Luna se encuentra perpendicular a una línea entre la Tierra y el Sol. Vemos exactamente la mitad de la Luna iluminada por el Sol; la otra mitad se encuentra en la sombra. El «cuarto» utilizado para nombrar estas fases se refiere a la fracción respectiva de una órbita que la Luna ha completado desde la Luna nueva.

Después de la Luna nueva, una porción de luz solar reflejada se vuelve visible como una media luna creciente. La media luna crece hasta el cuarto creciente de la Luna. A medida que la porción iluminada por el sol de la Luna continúa aumentando a más de la mitad de la cara de la Luna, la Luna se vuelve creciente. Luego, después de la Luna llena, la fracción iluminada por el sol comienza a disminuir nuevamente (aunque todavía ocupa más de la mitad de la cara de la Luna) para formar una luna  menguante y luego una Luna en cuarto creciente. La porción de luz solar continúa disminuyendo hasta que la luna es una media luna menguante y luego una luna nueva. El ciclo completo (de Luna nueva a Luna nueva) dura unos 29 días.

Crítica: Better Nate Than Ever, un niño queer versión Disney+

Better Nate Than Ever

Better Nate Than Ever supone el nuevo intento de Disney de dar visibilidad a una comunidad que durante años ha pedido mayor inclusión en sus películas.

Desde hace décadas, el púbico ha especulado sobre la orientación sexual de muchos personajes Disney, que si bien nunca fueron oficialmente catalogados como personajes LGTBQ, debido a ciertos gestos, vestimenta o comportamiento, el púbico los ha catalogado como tal. En el lenguaje anglosajón, estos personajes son denominados Queer-coded, o lo que es igual, personajes gay que técnicamente no lo son porque no reciben abiertamente el calificativo.

Disney tiene una larga lista de personajes que han sido catalogados de esta forma. Desde cintas animadas y clásicos, como Jafar en Mulan, hasta éxitos recientes como Elsa de Frozen; incluso hemos visto este tipos de personajes en películas de acción real como Ryan de High School Musical. Después de casi un siglo de historia, Walt Disney Company ha creado solo dos personajes abiertamente homosexuales: LaFeu, en la versión live-action de La Bella y la Bestia y el personaje de Lena Waithe en Onward. Pero es este año cuando la plataforma en streaming de la conocida casa de Mickey Mouse, ha estrenado Better Nate Than Ever. La película es el punto medio de lo que debería ser y lo que no: su personaje principal es un niño queer pero nunca se le llama como tal ¿Sigue siendo un personaje queer-coded?

¿De qué trata Better Nate Than Ever?

Escrita y dirigida por Tim Federle, y basada en su novela del mismo nombre, la película sigue la historia de Nate Foster, un niño de 13 años fanático de los musicales y que sueña con conseguir un papel importante en una producción teatral.

En la película, Nate es un estudiante de secundaria que vive con su familia en Pittsburgh. Todos los días, Nate pasa sus horas viendo y pensando en musicales y tiene grandes esperanzas de conseguir el papel principal en la producción escolar de Lincoln: The Unauthorized Rock Musical.

Desafortunadamente, a pesar del entusiasmo de Nate, el papel es para otro estudiante, dejándolo muy decepcionado. Eso es hasta que su mejor amiga Libby le sugiere a Nate que piense mucho más, al probar un papel en una producción de Nueva York de Lilo & Stith: The Musical, que actualmente está en proceso de selección.

Después de fingir una fiesta de pijamas, para evitar que sus padres interfieran, Nate y Libby se suben a un autobús y se dirigen a la Gran Manzana. Al llegar, van directamente al lugar de la convocatoria de casting, pero se topan con un obstáculo inmediato cuando no tienen un adulto presente para firmar un formulario de consentimiento para la audición.

Sin embargo, decidido a no dejar que esto eche por tierra sus planes, Nate se cuela en la audición y comienza a vivir un sin fin de aventuras en su viaje por Broadway. Pero, ¿podrá lograr su sueño de alcanzar el estrellato antes de que sus padres descubran su ausencia, o tendrá que regresar a Pittsburgh y retomar su vida cotidiana, que es mucho menos atractiva?

Ha nacido una estrella

Better Nate Than Ever está protagonizada por Rueby Wood, Aria Brooks, Joshua Gasset y Lisa Kudrow. La película es una coming of age contada a través de la perspectiva de un fantasioso adolescente de trece años, pero tiene suficiente encanto y corazón para ganarse a un grupo demográfico mayor también.

El mayor atractivo de la película es, desde luego, el actor principal, Rueby Wood, quien interpreta el papel de Nate. Wood aporta mucha personalidad y calidez al papel, y esto, combinado con la efervescencia y la abrumadora positividad de su personaje, hace que sea un placer verlo. Además, Wood es el primer actor abiertamente queer en protagonizar una película de Disney. Si este actor no hubiera sido elegido para este papel, la película podría haber perdido parte de su brillo.

Pudo haber sido más transgresora

Lo que también fortalece esta película es la forma en que trata la sexualidad de Nate. Si bien la película trata en gran medida sobre un adolescente que intenta descubrir su carrera profesional, y este es realmente el gran enfoque de la película, también hay un elemento LGBTQ+ en su historia.

Sin embargo, nunca se aborda en una conversación profunda, la película deja en claro que Nate es diferente, especial, pero en hora y media, nadie se refiere a él como queer. De hecho, en ningún momento se emplea este término o algo similar. Lo cual no está mal pero podría haber sido más transgresor y hubiese dado paso a una conversación necesaria..

Aún así,, este aspecto de la personalidad de Nate siempre se maneja con cuidado, y todo concluye con un mensaje de inclusión se entrega de la manera correcta.

Disney ha sido criticado recientemente por no hacer lo suficiente para apoyar a la comunidad LGBTQ+ a raíz del proyecto de ley ‘Don’t Say Gay‘ en los EE. UU., y como empresa, ciertamente le vendría bien hacerlo mejor en sus esfuerzos fuera de la pantalla. Sin embargo, en la pantalla con esta película, creo que ofrece una historia por la que gravitarán muchos adolescentes queer y esto debe tenerse en cuenta como mínimo.

Una película correcta

En términos de dirección y escritura de la película, Better Nate Than Ever es un producto sólido. Es encantadora en todos los lugares correctos y el escritor/director Tim Federle ha hecho un buen trabajo al darle vida a su historia.

De hecho, mi única crítica es que para ser una película sobre musicales, me hubiera gustado ver un poco más de música en la película y más referencias a los mismos. Con la excepción de un par de melodías aquí y allá, la película no presenta una gran cantidad de canciones, pero a pesar de ello, ds una experiencia agradable. Todo parece funcionar.

Brillante, alegre y fácil de ver, Better Nate Than Ever es muy divertida. Claro, tiene muchas vibras de Disney Channel, lo que puede desanimar a algunas audiencias, pero aquellos que son jóvenes de corazón y que buscan un lugar de entretenimiento ligero deberían verla.

https://www.youtube.com/watch?v=xwdQPXTMUQc

Crítica: The Lost Daughter, instinto maternal y moral por Maggie Gyllenhaal

the lost daughter critica

Durante décadas la maternidad ha sido representada en el cine, mayormente dentro de la normativa que resulta en tres tipos de madre: la madre sufrida (Angelina Jolie en El Intercambio), la madre coraje (Emily Blunt en A Quiet Place), la madre bonachona (Sandra Bullock en The Blind Side). Son escasas las veces que Hollywood se ha atrevido a romper el molde que ha confeccionado para este tipo de personajes, y normalmente lo ha hecho para convertir a la madre en la villana de la historia (Emma Thompson en Cruella). Sin embargo, hay un lado de la maternidad que nunca había sido representado hasta ahora: el de la ausencia del instinto maternal. Ha tenido que ser una mujer la que se ha atrevido a contar esta historia y esa es precisamente Maggie Gyllenhaal con The Lost Daughter (La Hija Oscura).

Ya hace mas de un lustro cuando se estrenó Tully, una película que retrata el lado feo de la maternidad, el que está lleno de cansancio, gritos y desvelos. En su momento resultó controvertido. Pues ahora, con The Lost Daughter tenemos una historia aún mas truculenta, de una madre que es incapaz de desarrollar algún afecto por sus hijas, dando paso un debate moral sobre las acciones que toma a lo largo de la película.

¿De qué trata The Lost Daughter?

Basada en la novela homónima de Elena Ferrante, Leda (Olivia Colman), una profesora universitaria se enfrenta a su inquietante pasado después de conocer a una mujer, Nina (Dakota Johnson) y a su pequeña hija, Elena, mientras se encuentra de vacaciones en las costas griegas.

Una madre sin instinto maternal

Durante décadas (el mismo tiempo que llevan escribiendo personajes de madres dentro de los mismos tres patrones), el cine ha plasmado diferentes tipos de padres: buenos, malos, valientes, ausentes…). Historias que, desde luego, en su mayoría han sido escritas por hombres. Así que tiene todo el sentido del mundo el que sea una mujer la que ha dado el giro de rosca para decirnos, en dos platos, que las mujeres también pueden ser malas madres. Y no, Maggie Gyllenhaal no justifica las decisiones de Leda, al contrario, cada vez que el personaje atraviesa una situación incomoda, permite que el espectador sienta cierta satisfacción de pensar que de alguna u otra forma, todo lo malo que le suceda es consecuencia de sus cuestionables decisiones como madre.

Pero si es cierto que a través de este thriller dramático de dos horas, Gyllenhaal cuenta perfecta la historia de una mujer incapaz de desarrollar algún tipo de vínculo emocional con sus hijas. O no uno que dure toda la vida, como debería ser el de una madre con sus hijas. De esta forma invita a los espectadores a debatir acerca de si está bien o mal lo que hace Leda a lo largo de la cinta. O Nina, quien también empieza a tener diferentes conflictos referente a su rol como madre.

Lo más interesante aquí es que, probablemente por primera vez, el cine abre una ventana para contar un historia que refleje el hecho de que no todas las mujeres han nacido para ser madres y no hay ningún inconveniente con ello. El problema está en forzar el instinto maternal aún a sabiendas de que hay completamente ausencia de este. Y nos hace pensar también si el gran pecado de Leda fue haber sido madre en primer lugar.

El poder de las imágenes

Durante la pasada temporada de premios, Maggie Gyllenhaal recibió un reconocimiento unánime por parte de la prensa especializada y círculos de guionistas. Ganó el León de Plata en el Festival de Venecia y encadenó una lista de al menos una docena mas de premios (incluida la de Mejor Guión Adaptado en los Oscar). El principal triunfo de Gyllenhaal como contadora de historias es que sabe darle poder a las imágenes, tanto o más que a las palabras.

Durante todo el metraje de The Lost Daughter, da la sensación de que los diálogos son el complemento y la historia que realmente nos importa, está contada a través de los gestos y expresiones de los personajes que quedan enmarcadas en primeros planos que en mas de una ocasión se sienten íntimas, convirtiendo al espectador en una mosca en la pared. Las largas pausas también tienen un protagonismo dentro del desarrollo de la narrativa, convirtiéndose por momentos en algo incómodo de presenciar, secundado a veces por la música de Dickon Hinchliffe.

Un reparto inmejorable

Con esta, su ópera prima, Gyllenhaal ha demostrado también que tiene muy buen ojo para escoger el talento interpretativo en su película. Cada uno de los actores que interviene en la cinta transmite la sensación de que nadie hubiese podido transmitir de una forma mejor la personalidad de cada personaje.

Hay que destacar el trabajo de Paul Mescal quien después de la maravillosa Normal People ha demostrado su valía como un secundario con un papel más discreto. Dakota Johnson sigue demostrando su poder interpretativo y como ha sabido elegir con mucha sabiduría sus trabajos posteriores a Cincuenta sombras de Grey. Pero son Olivia Colman y Jesse Buckley las dueñas de la película; ambas interpretan una versión adulta y joven del mismo personaje, respectivamente, lo hacen tan bien que pese a la nula semejanza física consiguen hacernos creer que, en efecto, estamos viendo a la misma persona.

The Lost Daughter puede ser un visionado no muy gratos para muchos, pero como dicen, la verdad duele, y aunque resulte incómodo, esta es una historia valedera, tan verídica como esas historias de madres corajes que han atestado al cine los últimos cien años.

The Lost Daughter está disponible en Netflix.

Qué son lagunas mentales

Qué son lagunas mentales

¿Alguna vez has tenido dificultad para recordar algo tan básico como lo que desayunaste o lo que dijiste a alguien más la noche anterior? O peor aún ¿alguna vez tuviste algo en mente y al momento de decirlo o hacerlo simplemente lo olvidaste? Si quieres saber qué son lagunas mentales pero has atravesado por un episodio similar a estos, probablemente ya sepas de qué se tratan.

Qué son lagunas mentales

Para saber qué son las lagunas mentales, debes saber qué es la amnesia global transitoria (TGA), porque este es el término coloquial con el que se conoce a esta afección médica en la que una persona experimenta un episodio repentino de pérdida de memoria.

Durante un episodio de TGA, una persona no puede formar nuevos recuerdos (una condición llamada amnesia anterógrada) y tiene dificultad para recordar recuerdos recientes (una condición llamada amnesia retrógrada). Transitorio significa «pasajero» y los episodios de TGA no suelen durar más de varias horas. En casos raros, TGA dura hasta 24 horas.

La mayoría (75%) de los casos de amnesia global transitoria ocurren en personas de 50 a 70 años; este trastorno rara vez ocurre en personas <40 años.

¿Qué causa la amnesia global transitoria (TGA)?

Se desconoce la causa exacta de la amnesia global transitoria (TGA). Sin embargo, algunas investigaciones sugieren que una laguna mental es el resultado de la falta de flujo sanguíneo suficiente (una condición llamada isquemia) o flujo de oxígeno (una condición llamada hipoxia) al cerebro. En algunos casos, la TGA puede estar relacionada con la actividad convulsiva en el cerebro.

La migraña parece ser un factor de riesgo para desarrollar TGA. Los factores psicológicos, como la ansiedad, también pueden hacer que la TGA sea más probable.

Para algunas personas, la TGA puede ocurrir como resultado de ciertos desencadenantes o eventos, que incluyen:

  • Esfuerzo físico
  • Estrés emocional o psicológico
  • Inmersión repentina en agua fría o caliente.
  • Trauma de la cabeza
  • Dolor
  • Relaciones sexuales

Un tipo de TGA resulta del consumo excesivo de alcohol, grandes dosis de barbitúricos, drogas ilícitas o pequeñas dosis de benzodiazepinas.

¿Cuáles son los síntomas?

La amnesia global transitoria implica una incapacidad repentina para formar nuevos recuerdos. Algunas personas tampoco pueden recordar recuerdos de horas, días o más en el pasado.

Las personas que experimentan un episodio de TGA pueden parecer desorientadas y confundidas. Saben quiénes son y conocen a sus amigos y familiares, pero pueden repetir preguntas sobre la hora o la fecha. Otras tareas mentales complejas, como la capacidad para conducir un automóvil o cocinar, no se ven afectadas.

Los episodios suelen durar de 1 a 8 horas, pero pueden durar de 30 minutos a 24 horas (raramente). Los pacientes a menudo están desorientados con el tiempo y el lugar, pero no con la identidad personal. Muchos pacientes están ansiosos o agitados y pueden hacer preguntas repetidamente sobre los eventos que están ocurriendo. En casos extremos, se retienen la función del lenguaje, la atención, y las habilidades sociales. Las deficiencias se resuelven gradualmente a medida que cede el episodio.

Otros síntomas que pueden ocurrir con TGA incluyen:

  • Dolor de cabeza
  • Mareo
  • Náuseas y vómitos
  • Ansiedad
  • Confusión
  • Hormigueo en los pies, piernas, manos o brazos

¿Cómo se diagnostica la amnesia global transitoria?

Los médicos diagnostican la amnesia global transitoria con un examen físico completo. Tu médico puede ordenar pruebas para descartar otras afecciones que pueden causar pérdida de memoria. Estas pruebas pueden incluir:

  • Análisis de sangre
  • Tomografía computarizada (TC) de cerebro
  • Imagen de resonancia magnética  del cerebro.

¿Cómo se trata la amnesia global transitoria (TGA)?

No existe ningún tratamiento para la amnesia global transitoria (TGA). La afección se resuelve por sí sola en 24 horas. Sin embargo, se puede recomendar el tratamiento por una causa sospechada. Un tratamiento con fármacos debe ser a uso facultativo únicamente.

En casa, lo que puedes hacer para preservar una mejor memoria es mantener una buena alimentación y llevar una vida sana en general.

¿Qué complicaciones están asociadas con la amnesia global transitoria (TGA)?

En casos raros, la TGA da como resultado problemas de memoria más duraderos. Este problema generalmente ocurre solo en personas que tienen episodios repetidos de TGA.

Prevención

¿Se pueden prevenir los episodios repetidos de amnesia global transitoria (TGA)? Es posible prevenir episodios adicionales de amnesia global transitoria (TGA) evitando los desencadenantes. Estos desencadenantes pueden incluir:

  • Estrés emocional o psicológico
  • Esfuerzo físico
  • Relaciones sexuales
  • Inmersión repentina en agua fría o caliente.
  • Maniobra de Valsalva

Expectativas / pronóstico

¿Cuál es el pronóstico (perspectiva) para las personas con amnesia global transitoria (TGA)? En la mayoría de los casos, las personas que experimentan TGA se recuperan por completo. Cuando termina el episodio, pueden formar nuevos recuerdos, pero no recordarán lo que sucedió durante el episodio. Cualquier otro recuerdo reciente generalmente regresa dentro de las 24 horas.

En casos raros (menos del 10%), la TGA reaparece (vuelve a ocurrir). Un historial de migrañas puede hacer que sea más probable que una persona tenga otro episodio de TGA.

¿Cuándo debo llamar a mi médico? Comuníquese con su médico de inmediato si experimenta síntomas repentinos de TGA. Los signos incluyen no saber dónde se encuentra o qué hora es, confusión o no poder recordar recuerdos de horas, días o semanas en el pasado.

Crítica: Turning Red, en la que Disney quiere hablar de desarrollo y pubertad femenina

turning red

En los últimos años, a través de las redes sociales, el público (o una parte de él) ha estado volcado exigiendo a Disney mayor representación en cuanto a la diversidad de género y preferencias sexuales entre los personajes de sus películas. El público, bien sea defendiendo la idea o tratando por todos los medios de que no suceda, ha estado tan inmerso en el tema, que se ha olvidado de debatir sobre otros que, hasta el momento, habían sido también tabú dentro de la empresa de Mickey Mouse. Es por eso que, cuando vemos Turning Red y descubrimos que Disney, por sí mismo, ha decidido hacer una película sobre la pubertad, resulta impactante y doblemente gratificante.

No solo eso, es que la película Red es una alegoría a la diversidad y representación en si misma. Puesto que su personaje principal es una niña chino-canadiense de trece años. Mientras que la película es la primera cinta animada de Disney en ser enteramente dirigida y escrita por mujeres. Gracias a su historia y la ejecución de la misma a través de detalles y metáforas, Turning Red es una de las mejores películas de Disney en los últimos años y hoy hablaremos de ella.

¿De qué trata Turning Red?

Turning Red se centra en Mei Lin, una niña de trece años que vive en Toronto y cuyo único objetivo en su vida en honrar a su padre y a su sobreprotectora madre. Un día, cuando descubre que “algo en ella está cambiando”, la vergüenza de deshonrar a sus padres, hace que se convierta en un panda rojo, literalmente. Una especie de «maldición» que ha caído sobre todas las mujeres de su familia, desde sus ancestros, y que a partir de ahora debe aprender a controlar y convivir con él hasta que pueda liberarse de este.

 “Soy un enorme monstruo rojo»

Después de descubrir en lo que se ha convertido, lo primero que Mei Lin le exclama a su mamá es «Soy un enorme monstruo rojo«. Y aunque vemos a Mei convertirse en una enorme y peluda bestia, el concepto del panda rojo no es más que una metáfora para hablar de la menstruación. De hecho, la mamá de Mei Lin, comprende tal expresión como esto y corre a ayudar a su hija dotándola de vitaminas, analgésicos y toallas sanitarias, para luego decirle no «todo estará bien«, porque la menstruación «es algo completamente normal» .

Y aunque muchas veces hemos enviado a Disney al paredón de los acusados por hacer menos de lo que el cree que está haciendo con la diversidad de género (incluyendo personajes LGTBQ extras, que no tienen ninguna influencia en las tramas principales), también hay que reconocer lo bien que ha abordado el tema de la pubertad y el desarrollo femenino en la película. Porque lo ha normalizado completamente. Tanto, que resulta sorprendente ver como después de décadas estigmatizando la menstruación en el cine, sea una película animada, para niños y de Disney, la que traiga el tema a conversación, y que lo haga de una forma tan natural, como debe ser, con la mamá de Mei Lin diciendo que es algo normal (y lo es) e incluso mostrando paquetitos de toallas femeninas en pantalla.

De hecho, la pubertad es el tema central de la película pero como está dirigida a niños, es disfrazada con tintes de fantasía a través de la cultura ancestral china. La maldición del Panda Rojo casualmente aparece cuando las mujeres dentro de la familia empiezan esa torrencial transformación de niña a mujer, donde tienen que definirse finalmente como personas. No es casualidad que tanto Mei Lin como su madre hayan liberado el panda a la vez que empiezan a sentir una «inusual» atracción por los chicos, lo que desencadena una pelea con sus respectivas madres.

Mei Lin descubre que su mamá no es su amiga, por eso no puede ser completamente ella misma cuando están juntas. Pero es su mamá y esa es la dinámica entre ellas, pese a no cumplir perfectamente una con las perspectivas de la otra, ambas se seguirán amando porque eso hace precisamente que el amor entre madre e hija sea incondicional.

Una infancia millennial

Me parece interesante que la película esté ambientada concretamente en 2002, lo que convierte a Mei Lin en una millennial. Desde mi punto de vista, es una manera inteligente de atraer también la atención de un público más adulto (entre los treinta y veinte años), principalmente los millennials, una generación que se ha caracterizado por el apego a la nostalgia y que no podrá resistirse a algunos detalles dentro de la historia como el tamagatchi de Mei Lin o su eufórico fanatismo por la ficticia boy band 4*Town, clara alegoría a las bandas más populares de los 2000 y 2010 como Back Street Boys, N Sync e incluso Jonas Brothers.

La riqueza está en los detalles

Hablando precisamente de 4-Town, la boy band tiene una presencia resonante durante toda la historia. Es un acierto que Disney haya apostado por contratar cantautores para componer e interpretar diversos temas que se escuchan durante toda la película, como It’s Gonna Be Me, que realmente recuerda al icónico sonido de las bandas más famosas a principios de siglo. Para ello han contado con Billie Elish en la composición y su hermano Phinneas O’Connell en la composición e interpretación, junto a Jordan Fisher, actor conocido por su trabajo en Hamilton.

Además de todo esto, la película cuenta con una enorme apuesta visual, tanto en fotografía como diseño de producción y montaje. Basta un par de planos para contarnos que la historia está ambientada en la ciudad china de Toronto, a principios de siglo.

Turning Red es, en esencia, una coming of age que respeta, valoriza y busca comprender los conflictos de su personaje principal, no solo los expone. El crecimiento y madurez de Mei Lin a lo largo de la hora y media de película es uno de los mejores arcos narrativos de personajes que he visto en los últimos años. Se nota la entrega y disposición de todos los que intervinieron en la película.

La película es ciertamente entretenida y aleccionadora, tanto para grandes como pare pequeños. Así que es perfecta para ver en familia.

Turning Red está disponible en Disney+

https://www.youtube.com/watch?v=QmS7Iqu8xAI

Crítica: The Hating Game, adaptación de Cariño, cuánto te odio

The Hating Game

Con la llegada del nuevo milenio, ese cine inocente fue desplazado para dar paso a historias más oscuras, cínicas y demoledoras que representaban la situación de Estados Unidos en ese momento (post 11-S); el genero infantil (que en los noventa lideró Macaulay Culkin) y que hoy día es practicamente inexistente, y las comedias románticas (que hicieron famosa a estrellas como Julia Roberts, Meg Ryan y Richard Gere) fueron las principales víctimas porque no había espacio para historias ligeras, con conflictos superficiales y dotadas de mucho encanto.  The Hating Game, adaptación de Cariño, cuánto te odio, rememora el estilo de esas películas, en el mejor de los sentidos.

Cuando el público parecía no estar interesado en las comedias románticas en la gran pantalla, los lectores recibieron el género con los brazos abiertos. En las dos últimas décadas han sido lanzados cientos de libros que en esencia son muy similares a los romances de películas que fueron tan famosos en los noventa y principios de siglo. Ironicamente, la comedia romántica en la literatura se ha vuelto tan popular que años tras años, más y más historias están siendo adaptadas: Love, Rosie; A todos los chicos de los que me enamoré; Crazy Rich Asian; etc. The Hating Game es el último en sumarse a la lista. Que la comedia romántica en el cine esté regresando a través de adaptaciones de libros, cierra un círculo. Lo que tienen en común estas películas es que son adorables con protagonistas guapísimos que chisporrotean química.

 The Hating Game es exactamente lo que uno esperaría. Lucy Hale y Austin Stowell interpretan a Lucy y Joshua, respectivamente, cuya acalorada rivalidad se convierte en una historia de amor.

¿De qué trata The Hating Game?

Basada en el libro homónimo de Sally Thorne, cuenta la historia Lucy y Joshuam quienes trabajan juntos como asistentes de los codirectores ejecutivos de una gran editorial. Joshua es el némesis total de Lucy, un polo opuesto en cuanto a personalidad. Ella lo odia porque nunca lo ha visto sonreír; es un fanático del control; y repite un esquema de color de camisa diferente para cada día de la semana. Cuando se pone en juego un puesto de director ejecutivo, hacen un pacto de que si uno de ellos obtiene el ascenso, el otro debe dejar la empresa para siempre. A medida que se forma un vínculo íntimo entre Lucy y Joshua, el dúo se ve obligado a aceptar su relación poco convencional, así como las ramificaciones en contra de sus objetivos profesionales.

Una historia con buen ritmo

Al tratarse de una comedia romántica, sabemos que Lucy y Josh estarán juntos en un momento determinado, entonces, ¿por qué retrasar lo inevitable? Después de un beso casi al principio de la película, la historia no descansa. Los diálogos hiperinteligentes de la guionista Christina Mengert a menudo sacados directamente de la novela de Thorne también significa que el aspecto más fuerte de la química de Josh y Lucy son sus bromas. Al verlos pelear verbalmente en el ascensor o bromear entre ellos sobre la estética de su atuendo de trabajo muy diferente, está claro que, por mucho que estos personajes peleen, también están obsesionados entre sí. De hecho, es tan obvio que Josh y Lucy toman una alegría perversa al pelear que parece un milagro que hayan tardado tanto en besarse en primer lugar.

La química de Josh y Lucy puede depender en gran medida de su diálogo, pero la película en sí puede depender demasiado de esto para contar la historia completa; sin embargo, aun hay espacio para comprender a los personajes.

Cuida su material de origen

Cuando se trata de películas basadas en libros, mi mentalidad siempre ha sido la misma: no me importa si ciertas escenas se alteran, cambian o se omiten, todo lo que necesito es que la esencia o el sentimiento general de un libro permanezca intacto durante la transición. Si una película puede tener éxito en la transferencia de personajes de la página a la pantalla, sin sacrificar la calidad de la historia por el tiempo de ejecución, entonces es una gran adaptación.

The Hating Game se las arregla para encajar casi todos los momentos importantes del libro en el guión y, sin embargo, nunca se siente como si la historia se precipitara de un evento a otro. Todavía hay momentos que ralentizan todo y ofrecen al público la oportunidad de respirar y sentir lo que sucede en la pantalla.

Algunos puntos de la trama se movieron y se mezclaron con otros momentos. Algunos fueron acortados a solo una mera mención. Algunos fueron descartados por completo. Y esto está bien. La historia en la pantalla todavía tiene las mismas capas y se desarrolla como la historia en papel. Pasamos una hora y cuarenta minutos con estos personajes y se presentan con éxito como personas completamente desarrolladas con defectos, equipaje y traumas sin procesar. Todavía es posible vernos en ellos y empatizar.

Dos actores en estado de gracia

La química entre Lucy y Joshua ciertamente ayuda, ya que refleja un vínculo natural en la vida real entre los actores Lucy Hale y Austin Stowell.

Tal como he mencionado, hay dos cosas que sostienen la película: los audaces diálogos entre los protagonistas y el buen ritmo y, obviamente, la química entre los actores.

Hale y Stowell hacen un gran trabajo siendo Lucy y Joshua respectivamente. Les creemos cuando se odian. Y cuando ese odio se convierte en deseo, también lo creemos. Y cuando las cosas se vuelven tiernas y sinceras, ya no necesitamos que nos convenzan. He presentado estas emociones en etapas, pero en realidad suceden dentro de la película todas a la vez. Haciendo que la experiencia visual sea bastante agradable mientras trabajamos para descifrar cualquier modo de contacto que tengan.

The Hating Game es solo una comedia romántica alegre que rezuma encanto. Nunca intenta ser más que la suma de sus partes.

La película está disponible en Apple TV.

¿Por qué una PCR es mejor que una prueba de antígenos?

La pandemia por Covid-19 ptiene más de dos años, por eso no es de extrañarse que en todo ese tiempo hayan desarrollado diversas pruebas para diagnosticar la enfermedad. Sin embargo, unas son mejores qué otras, de hecho ¿sabes por qué una PCR es mejor que una prueba de antígenos?

Hay dos tipos de pruebas de covid-19: las que están diseñadas para detectar si tienes la infección ahora o las diseñadas para verificar si has estado infectado anteriormente por el virus SARS-CoV-2, que causa la enfermedad. Como todas las pruebas, los resultados pueden variar, pero se pueden usar con diferentes propósitos en mente.

Los requisitos de la prueba de viaje de Covid cambian continuamente, por lo que es importante que, si vas a viajar, verifiques los requisitos de entrada de tu país de destino antes de reservar tu prueba. Los requisitos pueden variar de 24 horas a 96 horas antes de viajar. Sin embargo, la PCR sigue siendo la más solicitada pero ¿por qué?

Por qué una PCR es mejor que una prueba de antígenos

Para comprender por qué una PCR es mejor que una prueba de antígenos, deberíamos irnos a las diferencias existentes entre ambas pruebas.

por qué una PCR es mejor que una prueba de antígenos

Prueba molecular o PCR

Una prueba molecular (o pruebas PCR) se considera el estándar de oro para la detección de COVID-19. De acuerdo a cada país, las muestras se analizan en un laboratorio acreditado o en un dispositivo de punto de atención aprobado.

¿Cómo funciona la prueba?

Una prueba molecular busca material genético del virus. La prueba utiliza productos químicos y equipos sofisticados para reproducir de millones a miles de millones de copias de ADN relacionado con virus, incluso desde la muestra más pequeña. Por eso, la prueba se considera altamente sensible, lo que lleva a muy pocos falsos negativos.

¿Cómo se obtiene una muestra?

Por lo general, con un hisopo insertado en la nariz. Hay tres métodos diferentes para la recolección nasal:

  • Nasofaríngeo: un profesional de la salud inserta un hisopo largo profundamente en la fosa nasal para recolectar líquido de la parte posterior de la nariz.
  •  Cornete medio: Este método, que alguien puede ser entrenado para hacerlo por sí mismo o lo realiza un profesional, consiste en colocar un hisopo suave directamente en la fosa nasal (menos de una pulgada) para recolectar una muestra.
  • Hisopado nasal anterior: esta prueba, que puede ser autoadministrada y posiblemente supervisada por un proveedor de atención médica capacitado, o realizada por un profesional de la salud, consiste en colocar un hisopo tres cuartos de pulgada en la fosa nasal y girarlo alrededor en menos de cuatro veces para obtener una muestra.

Prueba de antígeno

Una prueba que es menos costosa que la PCR y brinda resultados en tan solo 15 minutos. Las pruebas de antígeno se pueden usar para ingresar a muchos países que la aprueban y la validan igual que la PCR.

¿Cómo se procesa la prueba?

La mayoría de las muestras se envían a laboratorios.

¿Dónde puedes conseguir uno?

Las pruebas moleculares se ofrecen en farmacias, consultorios médicos y lugares de prueba designados, como clínicas de salud, así como en lugares establecidos por sistemas de salud públicos privados o estatales y locales.

¿Qué tan rápido puedes obtener resultados?

Debido a que las pruebas se envían a un laboratorio, depende de la capacidad del laboratorio.

¿Qué tipo de prueba debo hacerme?

Si presentas fiebre, tos, dificultad para respirar u otros síntomas de COVID-19, debes hacerte la prueba, independientemente del estado de vacunación, aconsejan los expertos en salud. Si hay pruebas disponibles, considere hacerlo de tres a cinco días después de una exposición de alto riesgo. Sin embargo, decidir qué tipo de prueba obtener puede ser un desafío.

Aún así, para el diagnóstico de personas gravemente enfermas (con un caso presunto de COVID-19), los médicos generalmente usarán una prueba de PCR, porque las pruebas falsas negativas pueden resultar en un tratamiento inadecuado.

Ahora, si requieres una prueba por otros motivos, el tipo de la cuál necesitas sueles varias.

Para viajar

Si viajas, lo más probable es que también debas hacerte la prueba. La ubicación que estás visitando puede requerir cierto tipo de prueba y también ubicaciones de prueba aprobadas. En cuanto a viajes, como ya hemos dicho, todo tiene que ver con las exigencias del destino.

Escuela y lugares de trabajo

Las escuelas pueden tener sus propias reglas sobre cómo realizan las pruebas de COVID-19. Pero para vigilancia, las pruebas de antígeno funcionan bien.

Digamos que está evaluando a los niños en una escuela dos veces por semana. Puedes hacerlo mucho más rápida y fácilmente y por menos costo si usas pruebas de antígenos. A diferencia de lo que se ha dicho, los niños sí se contagian de coronavirus, y para empezar a cuidar de ellos, lo mejor es obtener la prueba lo más rápido posible.

Por tranquilidad general

A algunas personas les gustaría hacerse pruebas regulares de COVID para su tranquilidad. Digamos que estás vacunado pero planeas asistir a un evento lleno de gente y luego visitar a un pariente anciano o inmunocomprometido.

Si vas a hacer algo arriesgado y luego vas a visitar a tu madre de 80 años, entonces lo que realmente quieres hacer es hacerte la prueba antes del evento y asegurarte de que no eres la persona que propaga el virus. Para eso, también por cuestiones de tiempo, la prueba de antígenos es más usada.

En conclusión…

Se puede administrar una prueba rápida de antígeno a personas con o sin síntomas de COVID-19. Esta prueba consiste en recolectar secreciones de la nariz y la garganta a través de un hisopo nasofaríngeo y luego examinarlas en busca de fragmentos de proteínas específicos del virus COVID-19. Si bien estas pruebas brindan resultados rápidos, en 15 minutos, generalmente se consideran menos precisas que las pruebas de PCR.

Es común obtener un falso negativo (un resultado que indica que la persona no tiene coronavirus cuando en realidad lo tiene) o un falso positivo (un resultado que indica que una persona tiene coronavirus cuando en realidad no lo tiene). Si te sientes mal y recibiste una prueba rápida negativa, es posible que desees recibir la prueba PCR para obtener una confirmación adicional. Sin embargo, cuando se administran mientras alguien está en el pico de su infección, las pruebas rápidas de antígeno generalmente brindan resultados precisos, ya que es cuando los niveles de virus en el cuerpo son más altos.

CODA ganadora del Oscar (que nadie predijo) ¿Por qué?

CODA es la favorita al Oscar

Han transcurrido cinco años desde que el triunfo de Moonlight (2016, dir. Barry Jenkins) originó un punto y aparte en la ceremonia de los Premios Oscar. La infame circunstancia en la que se dio a conocer demostró que ni siquiera la entrega de premios más popular del mundo está exenta de errores garrafales; así mismo, después de ochenta y nueve años de historia, Moonlight se convirtió en la primera película con un presupuesto menor a veinte millones de dólares y protagonizada por un elenco afrodescendiente en su totalidad en ganar el premio más importante de la gala. Un hito, claro está, que también dejó en evidencia la falta de diversidad entre las películas premiadas, presuntamente a causa de la falta de diversidad entre los votantes. Si la cinta de Barry Jenkins no hubiese ganado hace cinco años hoy no sería CODA la ganadora del Oscar de este año.

Como resultado del “sorpresivo” triunfo de Moonlight, la Academia abrió paso a una larga y diversa lista de nuevos votantes. Por eso resulta menos impactante que películas como Get Out (2017, dir. Jordan Peele) haya rascado nominación en la categoría más importante, o que Parasite (2019), la primera película de habla no inglesa haya ganado hace dos años. Tras ese largo camino de diversidad e inclusión, la última en unirse es CODA, una película independiente, sobre (y protagonizada por) personas con discapacidad, distribuida por una plataforma de streaming (Apple TV+) que, por el simple hecho de ser la última favorita de la temporada, ya es la auténtica ganadora.

Si tomamos en cuenta que, de todas las nominadas, es la película con menor presupuesto; que está protagonizada por un personaje femenino interpretado por una actriz prácticamente desconocida y que parte considerable de los personajes y actores secundarios sufren de discapacidad, que está disponible en Apple TV, el ser favorita es su triunfo porque hace diez años una película como CODA jamás habría aspirado a ganar, ni siquiera a ser nominada.

CODA es la ganadora del Oscar tras ser la desconocida entre las nominadas ¿cómo sucedió?

A diferencia de las otras nominadas (excepto la cinta asiática Drive My Car), Coda no tiene estrellas en su reparto, ni presupuesto millonario, ni un director de renombre que la respalde. Por eso nadie apostaba por ella hasta que Apple TV, haciendo de las suyas a nivel publicitario, empezó a destacar su larga lista de premios a nivel de la crítica estadounidense que quedó prendada con la singularidad de la historia.

Y es que la película cuenta la historia de una familia sorda con una hija que sí puede oir y sueña con dedicarse a la música. Su condición de favorita la coronó su triunfo en los SAG (premio otorgado por el sindicato de actores) y el PGA (otorgado por productores) que normalmente suele coincidir con los Oscar.

Curiosamente la primera película de un servicio de streaming llegó el mismo año que Moonlight y para muchos fue la alternativa a esta y La La Land. Dicha película fue Manchester by the Sea de Amazon. Dos años después todo apuntaba a que Roma de Alfonso Cuarón le daría el triunfo al Netflix. No sucedió. De hecho, es este año cuando la plataforma vuelve a estar cerca del premio más preciado de la noche con El Poder del Perro que ha perdido favoritismo en las últimas semanas. Hay que destacar que siete de las diez películas nominadas a Mejor Película se pueden ver mediante servicios de streaming. Por lo que cada año parece más probable que una película de una de estas plataformas acabe alzándose con el gran premio.
Entonces…

Por qué CODA

Si bien CODA es la única verdadera película independiente estadounidense en la lista de Mejor Película de este año, llega a la carrera con un dominio de premios histórico y reciente. En 1987, Marlee Matlin (actriz secundaria en la película) se convirtió en la primera, y hasta la fecha, la única artista sorda en ganar un Oscar por su actuación junto a William Hurt en Children of a Lesser God. Más de 30 años después de que Children of a Lesser God moviera la aguja para la inclusión de personas sordas en Hollywood, CODA hizo historia en el Festival de Cine de Sundance 2021 al convertirse en la primera película en ganar el gran premio del jurado de Sundance, el premio de dirección, el premio del público y un premio especial del jurado.

Es una gran película. Sian Heder, su directora, interpreta un escenario de coming of age mezclando la comedia, lágrimas y chispas emocionales que los espectadores pueden disfrutar. Mantener el atractivo de la película en modo bilingüe, inglés y lenguaje de señas, y aprovechar los aspectos dramáticos del lenguaje de señas, agrega otra capa de dinamismo a la narración. Heder reivindica el género drama familiar para el cine de prestigio a través de la autenticidad. Sin embargo, es posible que CODA no funcione bien para todos los tipos de espectadores o para todos los votantes de los Oscar. Es por eso que haber llegado tan lejos, independientemente de los resultados, es su verdadero triunfo.

¿Cuándo se derretirán los polos?

Cuándo se derretirán los polos

2022 ha servido para dar evidencia a la situación en la que el mundo se encuentra a causa del cambio climático. Volcanes en erupción, tsunamis amenazando muchos lugares y temblores como el de Japón nos demuestran que sí, el cambio climático es real. Justamente, hace unos pocos meses se ha estrenado la película No mires arriba cuya sinopsis (dos astrónomos descubren un cometa que acabará con la Tierra pero nadie parece prestarles la debida atención), es una alegoría a como los negacionistas miran a otro lado sobre el tema del calentamiento global, y los que sí creemos no estamos tomando las acciones pertinentes. Solo nos queda hacernos preguntas como ¿realmente el mundo quedará enterrado en agua? o ¿Cuándo se derretirán los polos?

No hay duda de que nosotros (los humanos) hemos estado lanzando una gran cantidad de dióxido de carbono a la atmósfera, y este dióxido de carbono está cambiando el clima. Y las cosas se ven bastante mal. Entonces, ¿qué pasaría si la temperatura global aumentara lo suficiente como para derretir la capa de hielo en los polos? ¿Cuánta agua hay y cuánto subiría el nivel del mar?

¿Cuándo se derretirán los polos?

Para tratar de dar una respuesta a esta interrogante, para saber cuándo se derretirán los polos, hay que irnos a los números y las estadísticas son oscuras.

En conjunto, las capas de hielo de la Antártida y Groenlandia pierden alrededor de 427 mil millones de toneladas métricas de hielo al año en promedio. Eso es más de un billón de toneladas cada día. El agua de esas capas de hielo corre hacia los océanos, elevando poco a poco los niveles del mar más y más.

Hay pocas señales de que el derretimiento de los polos disminuya en el corto plazo. En todo caso, se volverá exponencialmente más rápido, dicen los científicos. Al igual que los propios glaciares, es un proceso que comienza lentamente pero que conlleva un impulso aterrador.

Los casquetes polares almacenan el 99% de toda el agua dulce de la Tierra.

Juntos, el hielo en la Antártida y Groenlandia elevaría el nivel del mar de la Tierra en alrededor de 230 pies si se derritiera. Los mares se comerían una porción apreciable de la tierra actual del planeta, inundando ciudades costeras en todo el mundo, especialmente esas que estan cerca de los polos. Y la Antártida, que alguna vez fue un páramo nevado, se convertiría en un archipiélago rocoso, libre del hielo que lo recubre.

Pero una Tierra completamente libre de hielo no sucederá dentro de nuestras vidas, o probablemente incluso dentro de los próximos miles de años. La mayoría de las proyecciones sitúan el aumento del nivel del mar en alrededor de un pie para 2100, mucho menos de lo que es posible. Para el próximo siglo, las capas de hielo de la Tierra seguirán estando firmemente en su lugar, aunque hayan disminuido.

¿Deberíamos estar tranquilos, entonces?

No, lo último que debemos sacar de ese hecho es una sensación de complacencia. Incluso pequeños cambios en el nivel del mar tienen consecuencias nefastas. Ese solo pie de aumento del nivel del mar podría devastar las ciudades costeras bajas y forzar migraciones masivas hacia el interior. Y los glaciares que se derriten tienen el potencial de alterar las corrientes oceánicas, lo que podría cambiar los patrones climáticos globales de manera impredecible.

La mayor parte del aumento del nivel del mar en la actualidad proviene de estas dos cosas ya menciondas, el derretimiento del hielo y la expansión del agua. A medida que el agua se calienta, se vuelve menos densa, y algunas estimaciones sugieren que hasta la mitad del aumento del nivel del mar en esta década se debe a que el agua oceánica más cálida ocupa más espacio. Pero con las tasas de derretimiento proyectadas para aumentar, las capas de hielo que desaparecen se convertirán en el factor más importante en el aumento del nivel del mar en el futuro.

Aunque el aumento del nivel del mar se mide en milímetros en este momento, eso podría cambiar pronto. La mayoría de los estudios señalan que la pérdida de hielo y el aumento del nivel del mar seguirán aumentando en magnitud a medida que pase el tiempo. Un estudio encuentra un punto de inflexión notable en 2030, donde en el peor de los casos, las capas de hielo comienzan a agregar decenas de milímetros al nivel del mar cada década, terminando con más de un pie de aumento del nivel del mar. Eso es aproximadamente el aumento del nivel del mar por década que hemos visto en los últimos 30 años.

¿Qué podría pasar con el derretimiento de los polos?

La Tierra gira sobre su eje una vez al día, pero no lo hace de manera uniforme. En cambio, la tasa de rotación varía hasta en un milisegundo por día. Al igual que un patinador sobre hielo que gira, cuya velocidad de rotación aumenta a medida que los brazos del patinador se acercan a su cuerpo, la velocidad de rotación de la Tierra aumentará si su masa se acerca a su eje de rotación. Por el contrario, la velocidad de rotación de la Tierra disminuirá si su masa se aleja del eje de rotación.

El derretimiento del hielo terrestre, como los glaciares de montaña y las capas de hielo de Groenlandia y la Antártida, cambiará la rotación de la Tierra solo si el agua derretida fluye hacia el océano. Por ejemplo, si la capa de hielo de Groenlandia se derritiera por completo y el agua de deshielo fluyera hacia el océano en su totalidad, el nivel global del mar aumentaría unos siete metros (23 pies) y la Tierra rotaría más lentamente, haciéndose más largo de lo que es hoy, en unos 2 milisegundos.

Hay tanta agua atrapada en el hielo en la Tierra que liberar incluso una pequeña porción puede causar grandes cambios. Solo necesitamos mirar hacia atrás en el tiempo para ver en qué nos podemos encontrar. Durante el último período interglacial, hace poco más de 100.000 años, las temperaturas globales eran alrededor de 3 grados más altas que las actuales. Eso es lo más cálido que se prevé que esté el planeta en 2100, si tenemos suerte.

Robert Pattinson: De ser el vampiro más odiado al murciélago más querido

Robert Pattinson

Durante su gira promocional de The Batman (2022, dir. Matt Reeves), Robert Pattinson se bufó de aquellos que a día de hoy siguen “odiando” Crepúsculo: “Decir que detestas Crepúsculo ya no es genial. No estamos en 2010” comentó el actor. Y tiene razón. Con el tiempo, aunque la historia de Bella y Edward ya no es tan romántica como hace diez años (nunca lo fue, simplemente crecimos), si es cierto que las películas se han ganado un puesto entre las películas de culto que marcaron a un público determinado dentro de la cultura pop.

Esa misma reivindicación hacia la película, se ha extendido hacia sus protagonistas, Kristen Stewart (quien podría llevarse el Oscar este año) y Robert Pattinson quien diez años después de concluir la franquicia que, para bien y para mal, lo hizo famoso, llega encabezando el reinicio de otra, aun más grande: Batman. Resulta increíble ver cómo Pattinson pasó de ser el vampiro más odiado al murciélago más querido. Su nombre se hizo relativamente conocido cuando interpretó a Cedric Digory en la cuarta entrega de la franquicia de Harry Potter, Harry Potter y el Cáliz de Fuego pero su gran saltó a la fama llegó dos años después cuando protagonizó Crepúsculo, película basada en el libro homónimo de la escritora Stephenie Meyer.

Twilight fue un fenómeno de masas, cuya primera película recaudó casi 400 millones de dólares, algo insólito teniendo en cuenta que su público principal eran niñas y adolescentes . Esto último, entre otras cosas, llevó a la franquicia (incluyendo a sus protagonistas) a ser menospreciado por ese otro público al que no iba a dirigido (básicamente cualquier persona que no fuese una joven entre los trece y dieciocho años). Kristen Stewart fue catalogada de insulsa, inexpresiva y mala actriz. Los calificativos para Robert Pattinson otorgados por el público (y la prensa) no se quedaron atrás. Pattinson tuvo que lidiar con el hecho de protagonizar una “película para chicas“ (frase utilizada hasta el cansancio tratando de hacer menos las películas) mientras daba vida a “una de las peores representaciones de vampiros de todos los tiempos” (frase como muchos solían calificar al personaje).

Es que durante décadas los vampiros fueron personajes icónicos en la cultura popular, representados como seres despiadados y a la vez terriblemente atractivos. Edward Cullen era ‘atractivo‘ porque así lo describían los libros, pero Robert Pattinson tuvo que llevar un maquillaje pálido (un poco malo si lo juzgamos hoy), y cuando su personaje estaba expuesto bajo la luz del sol… Brillaba. Eso, sumado al hecho de que sólo bebía sangre de animal y otras características, llevó a que el personaje fuese rechazado por una parte importante del público que defendía las versiones previas de otros vampiros famosos, mientras era adorado por casi todas las adolescentes del mundo que, injustamente, le restaba validación frente a ese otro público más adulto.

Durante cinco años, Robert Pattinson fue el ídolo de millones adolescente, algo similar a lo que despertó Leonardo DiCaprio a finales de los noventa, pero a diferencia de este, nadie era capaz de augurar una carrera próspera para Pattinson por la sencilla razón de que Twilight no era Titanic. Durante esos mismos años, mientras interpretaba a Edward Cullen, el británico no tuvo mucho tiempo de interpretar otros personajes; sus dos películas más relevantes durante esa época fueron Remember Me y Agua para elefantes, dos dramas románticos que alimentaron su estatus de estrella pero no tanto su currículo de artista. Algo que probablemente no era culpa del actor, quien al ser el rostro más popular entre las jóvenes, seguía recibiendo propuestas similares de los grandes estudios, tratando de repetir el éxito con la saga de vampiros. Un par de cintas independientes no bastaron para desligarlo de la imagen de “interés amoroso masculino”, porque Pattinson ya estaba siendo encasillado.

Por tal motivo, una vez que termina la franquicia, Robert Pattinson tomó la dirección opuesta a todo lo que representaba Crepúsculo: una billonaria franquicia (!), con romance (!!), y fantasía (!!!), Pattinson optó por películas independientes, dramas, suspenso y otro puñado de géneros que le permitieron desafiarse a sí mismo como actor siendo capaz de hacer muchas cosas más frente a la cámara, cosas que no tenían nada que ver con brillar bajo el sol.

Comenzó a trabajar con directores de cine autor que le ofrecieron papeles que eran completamente diferentes a los de Edward. A los pocos años después de Crepúsculo se le vio en Maps to the Stars (2014, dir. David Cronenberg), una comedia negra y Queen of the Desert (2014, dir. Werner Herzog) un drama de época; en ambas películas, Pattinson prefirió ceder el reflector participando en papeles secundarios.

Es en 2017 cuando decide volver a la primera fila con The Lost City of Z de (dir. James Gray), un drama psicológico con tintes de aventura; fue el primer gran fiasco en taquilla de Pattinson pero la primera película donde el público en general todo la prensa especializada empezó al ver al actor, más allá de la estrella. Sin embargo, el mejor año en la carrera de Pattinson fue 2019, cuando apareció en Good Time de los hermanos Safdie, High Life de Claire Deniss y The Lighthouse de Robert Eggers. Estas películas hicieron maravillas al mostrar el rango de Pattinson como actor, y cuan portentoso es cuando tiene un gran material en mano y excelentes cineastas con los que trabajar.

La transformación que tuvo Pattinson como actor es impresionante, y es una de las muchas razones por las que aquellos que vieron lo que hizo fuera de Crepúsculo estaban emocionados por su reciente regreso a los éxitos de taquilla. Fue una de las estrellas de la más reciente película Tenet de Christopher Nolan y es oficialmente el nuevo Batman en The Batman de Matt Reeves en 2021. Este último papel probablemente será responsable de que Pattinson se convierta una vez más en una de las estrellas más grandes de Hollywood. Ya muchos comentan el hecho de que su Bruce Wayne es “el que mejor ha representado la personalidad del Batman de los cómics”, más taciturno, más roto.

Todo este trabajo ha preparado a Pattinson para hacer lo que quiera en la próxima etapa de su carrera. Es posible que ahora esté regresando a los éxitos de taquilla, pero tampoco debería abandonar por completo los proyectos independientes. El mejor de los casos sería que Pattinson demuestre ser un gran Batman mientras se esparce en roles que le permitan continuar flexionando su rango. Ya sea que se trate de películas de acción importantes o películas más pequeñas que le dan la oportunidad de competir por un Oscar, Robert Pattinson ya ha superado los días de Crepúsculo.

Huawei P50 Pro, sin Google ni 5G ¿vale la pena?

huawei p50 pro sin google

Después de un largo retraso, la marca finalmente lanzó el Huawei P50 Pro al mercado. Este teléfono se mostró por primera vez al público a mediados de 2021 y el motivo de la demora no se indicó claramente. Pero las posibilidades son muchas. Escasez de chips, problemas de envío, etc. Pero lo más importante es que el P50 Pro ya está disponible. Sin embargo lo hace con una variante que llama la atención de muchos: no tiene Google ¿valdrá entonces la pena?

Huawei P50 Pro, ¿vale la pena?

  1. Después de cierto tiempo en el mercado, vamos a hablar de esas características sobre el Huawei P50 Pro, en las cuales casi todo el mundo coincide.

Diseño y desempeño

El Huawei P50 Pro es un dispositivo de 6,6 pulgadas que pesa 195 g. Aunque ocupa un espacio importante en la palma de la mano, es muy cómodo de sostener. El P50 Pro cuenta con una pantalla OLED curva con una frecuencia de actualización de 120 Hz, una frecuencia de muestreo de 300 Hz y una resolución de 2700 × 1228 píxeles.

La frecuencia de actualización dinámica permite que el teléfono inteligente cambie de 120 Hz a 60 Hz según lo que esté haciendo el usuario, lo que ahorra batería a largo plazo. La pantalla se ve muy bien, con contraste y modos oscuros.

Conectividad y duración de la batería

El P50 Pro viene con Wi-Fi 6, Bluetooth 5.2 y un puerto USB tipo C. Aunque este teléfono inteligente carece de conexión 5G, esto se debe a problemas comerciales y escasez de semiconductores en todo el mundo. Además, el teléfono carece de un conector de audio de 3,5 mm.

Este teléfono viene con una batería de 4360 mAh, que sigue siendo una cantidad razonable entre los equipos insignia de la actualidad y durará un día completo de uso ligero a moderado si habilitas funciones de ahorro de energía y el modo oscuro.

El P50 Pro admite carga rápida por cable de 66 W. También es compatible con la carga inalámbrica rápida de 50 W, pero el cargador inalámbrico debe comprarse por separado.

Cámara

Desde hace años, las cámaras de los teléfonos insignia de Huawei de la colaboración con Leica, siempre han sido impresionantes. Incluyendo el P50 Pro. La calidad de imagen resultante, tanto en condiciones de luz como de oscuridad, siempre es cautivadora.

Los buenos detalles de la foto, los tonos de color naturales (a veces se siente un poco cálido), las luces y las sombras se pueden mostrar bien. Sí, esto es consistente para todas las cámaras, ya sea la principal, la ultra gran angular y la telecámara (excepto cuando el zoom está por encima de 3x).

En resumen, la cámara es muy buena, el menú de la cámara es cómodo y fácil de usar.

Harmony OS 2.0 ¿Una buena alternativa para Google Mobile Services?

En términos de hardware y cámaras, el P50 Pro es un teléfono muy capaz. Pero, ¿qué pasa en términos de software? Porque un celular no solo se juzga por el lado del hardware, sino también por su integración con el software.

Y como sabemos, desde mediados de 2019, Huawei no puede usar Google Mobile Services (GMS), aunque todavía puede usar el sistema operativo Android. Esto significa que no hay Play Store, Google Maps, Gmail, Google Photos, y varios otros servicios que son las necesidades diarias de los usuarios de teléfonos móviles.

Desde entonces, Huawei ha desarrollado soluciones, como App Gallery, que ahora incluye Petal Search como reemplazo de Play Store y HarmonyOS como reemplazo de Android.

La interfaz HarmonyOS 2.0 utilizada en el P50 Pro es relativamente fácil de usar y se siente ligera. No es demasiado difícil de adaptar si previamente has usado un teléfono Android o iOS.

El número de aplicaciones disponibles para esta plataforma crece constantemente. Para las aplicaciones que no están disponibles en App Gallery, está Petal Search, que buscará aplicaciones de otras fuentes, que generalmente no son fuentes oficiales.

Luego está Gspace, que se puede descargar desde App Gallery, que es básicamente un ‘teléfono virtual‘ que se ejecuta en el P50 Pro, donde puedes instalar Play Store y otros servicios de Google. Por supuesto, esta no es una aplicación oficial de Huawei. Entonces, si quieres usarlo, por supuesto, es bajo su propio riesgo.

Huawei afirma haber garantizado la seguridad y la verificación del desarrollador para las aplicaciones en App Gallery. Aunque también ha habido casos de malware que se infiltraron con éxito en las aplicaciones de la App Gallery.

Se podría decir que el 95 % de las aplicaciones que necesitan los usuarios móviles están disponibles a través de una combinación de App Gallery y Petal Search. Mientras que el 5% restante se puede cumplir a través de Gspace.

¿Vale la pena?

Si solo observas el lado del hardware, el P50 Pro es un teléfono muy capaz. El diseño y el material del cuerpo de este teléfono son lujosos. El cuerpo es delgado, cómodo de sostener y se siente la estética premium.

Pero, ¿todas las ventajas pueden cubrir las desventajas de no tener Google Mobile Services (GMS)? Todas las ventajas en el sector del diseño, materiales y demás, se pueden obtener relativamente en otros teléfonos insignia.

El desarrollo del ecosistema App Gallery es bastante rápido. Pero eso aún no es suficiente para permitirme cambiar de la comodidad de Android o iOS. Principalmente porque se trata de un celular, cuya función no es solo la de tomar fotografías. Hay muchas otras cosas que se deben hacer cómodamente en un teléfono celular, como navegar, ver vídeos (incluido YouTube), aplicaciones de mensajería, compras en línea, etc. Si HarmonyOS existiera hace 5 o 10 años, cuando Android e iOS aún no estaban maduros y dominaban el mercado de dispositivos móviles, podría ser más fácil «persuadir» a los usuarios para que usen un nuevo sistema operativo como este. Así que cabe esperar para ver que nos traerá la marca en un futuro próximo.

Crítica: No miren arriba (Don’t Look Up) ¿si es «mala» por qué podría ganar el Oscar?

No miren arriba Dont Look Up

En la primera década de este siglo Adam McKay se hizo un nombre dentro del cine de comedia gracias a película como The Anchorman y su respectiva secuela. Las películas de McKay coincidían en tener personajes centrales que pese a aparentar saber muy bien lo que hacían, estaban completamente desconectados de la realidad a su alrededor. Es en 2015, cuando el cineasta decide dar un giro a su filmografía y escribe y dirige su primera película basada en hechos reales, La Gran Estafa (The Big Short), que contaba la historia de las primeras personas que predijeron la explosión de la burbuja inmobiliaria en 2008 y en vez de amortiguar los daños que esta produjo a millones de personas, se beneficiaron de tal catástrofe económica. En 2017, el director estreno Vice, película sobre Dick Cheney, vicepresidente de George W. Bush y su plan orquestado para invadir Irán. McKay no ha dejado de hacer comedias, de hecho, en ambas películas mencionadas el director se vale de la sátira y la comedia negra para narrar dos historias bastante truculentas. Este año, siguiendo la línea de edulcorar los temas políticas con chistes punzantes, llega No mires arriba (Don’t Look Up).

No miren arriba (como se le conoce en España), no está basada en hechos reales pero sirve de excusa para construir una sátira sobre el gobierno estadounidense y el sistema en general, así como la sociedad de Occidente, sin dejar de ser tremendamente hilarante y malintencionada (en el buen sentido). Con un repartazo que reúne a cinco ganadores del Oscar (Leonardo Di Caprio, Jennifer Lawrence, Meryl Streep, Cate Blanchett y Mark Rylance) y dos nominados (Jonah Hill Y Timothée Chalamet), la película parecía destinada a triunfar en los premios y en cierta medida lo ha conseguido, sumando cuatro nominaciones a los Oscar, incluyendo Mejor Película. Eso nos haría pensar que el sistema una buena película hasta que vemos que en Rotten Tomatoes tiene una media de 55% otorgada por la crítica.

Entonces, tenemos que verla para saber si los académicos o la prensa tienen la razón. Yo estoy a favor de los primeros.

¿De qué trata Don’t Look Up?

En No mires arriba, los protagonistas son Kate Dibiasky (Jennifer Lawrence), una estudiante de posgrado en astronomía, y el Dr. Randall Mindy (Leonardo DiCaprio), el profesor de Kate. Ambos descubren un cometa con tendencias cataclísmicas, en colisión directa con la Tierra, con una fecha límite de seis meses antes de que ocurra la extinción humana, literalmente.

El problema surge cuando, además de Kate y Randall, el único que parece interesado en lo que está a punto de suceder es el Dr. Clayton Oglethorpe (Rob Morgan), jefe de la Oficina de Coordinación de Defensa Planetaria. Todos los demás que están a su alrededor parecen no prestar la debida atención, desde la presidenta estadounidense Orlean (Meryl Streep), ni la prensa (retratada a través de Cate Blanchett y Tyler Perry), ni los empresarios de la más alta elite, como Peter Isherwell (una mofa a Bill Gates y Elon Musk) quien solo ve al cometa, como una fuente de dinero.

La verdad duele

Desde los primeros minutos, es muy fácil darse cuenta de que el guión de Adam McKay y David Sirota (un periodista que debuta en el cine) es un mensaje claro y una crítica para la sociedad actual que «elige ver a otro lado» para evadir problemas. El gran inconveniente aquí es que ese problema es inminente y aunque en la película se habla de un cometa, este es una clara alegoría al cambio climático. Un tema que debe tomarse en serio pero que para muchos “no es para tanto”. Incluso Donald Trump, mientras fue presidente de Estados Unidos, declaró que no creía que el calentamiento global fuese real.

Sin embargo, esa crítica hacia la actitud despreocupada que incluso medios han mantenido frente a los problemas mundiales (no sólo el cambio climático), no ha gustado a los que se han sentido aludidos. Esta película se concibió antes de la pandemia, pero también podría tratar fácilmente sobre el coronavirus, lo que consolida el hecho de que se sienta tan actual.

Don’t Look Up es contundente, inherente a su premisa parece ser que no tiene más remedio que ser escandalosa, porque es la única forma en que escucharemos. No puede darse el lujo de ser sutil, porque lo sutil no funciona, y lo que está en juego es demasiado alto.

Humor contra la sociedad y el sistema

Adam McKay ya criticaba al capitalismo en The Big Short y a la cúpula que dirige a la administración presidencial en Estados Unidos con Vice. Pero con No mires arriba, el director y guionista amplia el espectro. Aquí, McKay hace una revisión de la realidad sobre el efecto que la política y los medios tienen en la gente común, tanto que están más inclinados hacia las cosas sin sentido en lugar de las catástrofes que amenazan la vida y buscan formas de prevenirlas o combatirlas. Todo esto alimentado por el lado ocioso de las redes sociales y el peligro del libre acceso a nuestras vidas por parte de las grandes empresas de tecnología.

Al igual que The Big Short, Don’t Look Up tiene cuchillos en su mayoría dirigidos al capitalismo de desastres, el mal periodismo y politiquería incluso por parte de los principales líderes.

La película no excluye aquí a sus héroes a quienes retrato como imperfectos: Mindy se ve atrapado en el circo mediático, el cual comienza generando problemas constantes con su ansiedad pero luego parece divertirse con él; mientras que Dibiasky sirve para retratar el sexismo del cual muchas mujeres son víctimas en los medios (mientras Mindy recibe el título de Científico más sexy), Dibiasky es reducida a un montón de memes.

Un montón de estrellas

No mires arriba hace justicia a su elenco estelar. Jennifer Lawrence regresa tras un hiato dando vida a uno de lo mejores papeles de su carrera, mientras que Leonardo DiCaprio vuelve a demostrar por qué es uno de los mejores actores de su generación. Junto a ellos, destacan Cate Blanchett en un parodia a las periodistas de programas matutinos quien desprende mucha química junto a Tyler Perry; Meryl Streep, en un registro refrescante, bastante cómico, como la ficticia presidenta de los Estados Unidos (en una clara dramatización de la versión femenina de Donald Trump ) y Rob Morgan quien es el corazón y la parte más humana de la película. Pero las estrellas de la película no están solo frente a la cámara, detrás de esta hay varias luminarias brillando con mucha fuerza, empezando por Nicholas Britell creador de la banda sonora y el equipo de sonido.

Entiendo porque Don’t Look Up no gustó a muchos, no es perfecta y por momentos parece que trata de abarcar más de lo que puede (el tiempo es su principal problema), sin embargo, bien podría ser un documental. Por momentos, nada en la película se siente exagerado. Tal vez es por eso que somos tan malos lidiando con las que tenemos frente a nosotros. Tal vez el tribalismo fabricado por políticos y corporaciones simplemente se está aprovechando de esa tendencia nuestra de simplemente no querer mirar de frente la aterradora realidad y, en cambio, dejarnos distraer gratamente con reconfortantes temas del día a día.