Inicio Blog Página 3

Las mejores adaptaciones de libros estrenadas en 2022

las mejores adaptaciones de libros

Muchas de las mejores adaptaciones de libros al cine o a la televisión previstas para 2022 ya se han estrenado. Aquí están todas las adaptaciones de libros que ya han visto la luz y donde pueden ser vistas.

Las mejores adaptaciones de libros estrenadas en 2022

Finalizado el primer semestre del año, es momento de dar un vistazo a las mejores adaptaciones de libros estrenadas en 2022.

Anatomía de un escándalo

  • Basada en: Anatomía de un escándalo de Sarah Vaughan
  • Disponible en: Netflix
  • Protagonistas: Sienna Miller, Rupert Friend, Michelle Dockery

Los ricos son puestos bajo el microscopio en Anatomía de un escándalo, un escandaloso drama político sobre la élite británica. James y Sophie Whitehouse parecen tenerlo todo, pero su mundo está a punto de ser arrebatado. James es un ministro del gobierno de Westminster que se encuentra en el centro de un escándalo político, y su esposa se ve arrastrada a la red de manipulación para ayudar a limpiarlo. El matrimonio de alto nivel comienza a desenvolverse bajo la presión de un fiscal decidido a demostrar la culpabilidad de James. Este drama judicial y thriller psicológico de seis episodios se convierte en una apasionante exploración de los secretos más profundos y los recuerdos más inquietantes.

Por mandato del cielo (Under the Banner of Heaven)

  • Basada en: Under the Banner of Heaven de Jon Krakauer
  • Disponible en: Disney+
  • Protagonistas: Andrew Garfield, Daisy Edgar-Jones

La combinación de Daisy Edgar-Jones y Andrew Garfield está destinada a ser letal en Under the Banner of Heaven. El libro de Krakauer fue adaptado originalmente para una película de Ron Howard allá por 2011, pero más de una década después se materializa como una serie de Hulu, adaptada por Dustin Lance Black. Centrada en los horrores de los atroces crímenes de Ron y Dan Lafferty, Under the Banner of Heaven es una investigación de lo que llevó a los dos hermanos mormones fundamentalistas al asesinato. Al tiempo que examina su fe inquebrantable y su estilo de vida polígamo, la investigación de Krakauer plantea preguntas provocadoras sobre las creencias devotas.

Luminosas (The Shining Girls)

  • Basada en: The Shing Girls de Lauren Beukes
  • Disponible en: Apple TV+
  • Protagonistas: Elisabeth Moss, Jamie Bell, Phillipa Soo

Después de The Handmaid’s Tale y Shirley, Elisabeth Moss parece haber desarrollado una gran predilección por los dramas apasionantes. Su próxima aventura es The Shining Girls, en la que interpreta a una archivista de un periódico de Chicago cuyo recuerdo de una traumática agresión surge cuando un reciente asesinato refleja su propio caso. Está totalmente decidida a descubrir la identidad de su atacante, un hombre que parece tener un patrón de asesinato de mujeres jóvenes y brillantes que caen en su órbita.

Conversaciones entre amigos (Conversations with friends)

  • Basada en: Conversations with friends de Sally Rooney
  • Disponible en: Por definir
  • Protagonistas: Alison Oliver, Joe Alwyn, and Sasha Lane, Jemima Kirke

Tras el éxito de Normal People, era sólo cuestión de tiempo que el Universo Extendido de Sally Rooney se hiciera realidad. La segunda de las adaptaciones del libro de Rooney a la pantalla es Conversaciones entre amigos, una historia que sigue a unas amigas universitarias muy unidas y antiguas amantes, Frances y Bobbi, cuando conocen a un matrimonio mayor, la periodista Melissa y el actor Nick. Cuando el flirteo de Frances y Nick da paso a un intenso romance, el vínculo entre los cuatro se pone a prueba. La exploración de las relaciones entre un cuarteto enredado por parte de Conversaciones entre amigos tiene mucho que decir, pero con el equipo de Gente normal también embarcado en esta adaptación, la serie está a la altura.

The Black Phone

  • Basada en: The Black Phone de Joe Hill
  • Disponible en: Cines
  • Protagonistas: Ethan Hawke

La historia corta de terror de 2004 de Joe Hill, The Black Phone, ambientada en un pueblo suburbano de Colorado en 1978, cuenta la historia de  Jack Finney, de trece años, que es secuestrado por un asesino en serie y encerrado en un sótano sin ventanas e insonorizado. Cinco niños han desaparecido antes que él, y por las manchas de sangre en el suelo, la cosa no pinta bien para él. Aislado en el sótano, un viejo teléfono fijo desconectado es la única conexión de Jack con el mundo más allá de sus cuatro paredes, y en plena noche, el teléfono suena. Las voces en la línea son las víctimas del asesino que lo tiene atrapado, y pueden ser la clave para su escape.

Bridgerton

  • Basada en: The Viscount who loved me de Julia Quinn
  • Disponible en: Netflix
  • Protagonistas: Jonathan Bailey, Simone Ashley

https://www.youtube.com/watch?v=37tbdL5_C_s

La segunda temporada de Bridgerton, el drama de época de Netflix y Shonda Rhimes, ve cómo Simon y Daphne se alejan de los focos mientras el hermano de esta última, Anthony, toma el protagonismo. Inspirándose en la segunda novela de Quinn en la serie de la familia Bridgerton,  The Viscount who loved me, la segunda temporada de Bridgerton sigue el camino de Anthony hacia su compromiso de casarse por deber y no por amor.

Heartstoppers

  • Basada en: Heartstoppers de Alice Oseman
  • Disponible en: Netflix
  • Protagonistas:  Kit Connor, Joe Locke

El amado webcomic queer originado en Tumblr, Heartstopper, traza la amistad (y tal vez algo más) de dos adolescentes británicos, Nick (un pensador crónico abiertamente gay) y Charlie (un jugador de rugby introvertido). Oseman escribe e ilustra la novela gráfica en la que se basa la nueva serie de Netflix. Esta historia de amistad, confianza y salida del armario está deliciosamente escrita y es de una dulzura conmovedora. La serie cuenta con un reparto brillante, con un grupo de jóvenes y emocionantes actores que se asemejan perfectamente a las ilustraciones de Oseman.

The Time Traveler’s Wife

  • Basada en: The Time Traveler’s Wife de Audrey Niffenegger
  • Disponible en: HBO
  • Protagonistas: Theo James, Rose Leslie

Clare ha estado enamorada de Henry toda su vida. El problema es que Henry tiene una anomalía genética que lo condena a vivir su vida en una escala de tiempo cambiante y viajar al pasado y futuro, por lo que Clare nunca sabe cuándo podrán verse.

El verano en el que me enamoré (The Summer I Turned Pretty)

  • Basada en: The Summer I Turned Pretty de Jenny Han
  • Disponible en: Prime Video

El verano en el que me enamoré es un drama multigeneracional que gira en torno a un triángulo amoroso entre una chica y dos hermanos, la relación siempre cambiante entre las madres y sus hijos, y el poder duradero de una fuerte amistad. Es una historia de madurez sobre el primer amor, el primer desamor y la magia de ese verano perfecto.

 

Cómo Marvel cambió la carrera de Chris Evans para mejor

cómo Marvel cambió la carrera de Chris Evans
cómo Marvel cambió la carrera de Chris Evans

Chris Evans fue el corazón y el alma del Universo Cinematográfico de Marvel durante casi una década entera. Protagonizó como Capitán América siete películas desde 2011 hasta 2019 convirtiéndose en uno de los personajes más queridos del gran público. Ver cómo Marvel cambió la carrera de Chris Evans es la antítesis a esa creencia infundada de que el cine de superhéroes es veneno para la carrera de cualquier actor.

En la superficie, el Capitán América puede parecer un superhéroe bastante sencillo, pero Marvel logró algo notable con el personaje en el MCU, y todo comenzó con el inesperado casting de Chris Evans. Sin muchos papeles de peso en su haber, y después de encarnar a la Antorcha Humana en el bipartito de Los Cuatro Fantásticos, Steve Rogers llevó la carrera de Evans por un nuevo camino, y acabó por cimentar su lugar en la historia del cine.

Cómo Marvel cambió la carrera de Chris Evans para mejor

Todo comenzó con Capitán América: El primer vengador que, a su manera, es la última de las películas previas a los Vengadores. Y lo que hace que El primer vengador sea muy especial es que se desarrolla en los años 40 como una historia de aventuras en tiempos de guerra. En retrospectiva, este escenario lo significó todo para este personaje. Cuando se lucha contra Hydra (es decir, los nazis) la trama de El primer vengador gira en torno al bien puro contra el mal.

Es por eso que con Steve Rogers, el problema no es conseguir que el público se encariñe con el héroe, sino encontrar la forma de hacerlo interesante. Chris Evans supera esta prueba con creces. Infunde al Steve (antes de ser soldado) un gran propósito y determinación y demuestra que es digno de ser un héroe por su carácter y no por su físico. Con Evans al frente, nunca dudamos de la dedicación de Steve a la hora de luchar por los pequeños y de ayudar a sus amigos, especialmente a Bucky.

La inclusión del Capitán América en los Vengadores hace avanzar la historia del héroe al tiempo que lo sitúa en un mundo nuevo e incierto. Steve es el hombre fuera del tiempo, ya que se despierta 70 años después y casi inmediatamente se le pide que ayude a salvar el mundo de Loki y de los invasores alienígenas. Su valor nunca flaquea y su título de «capitán» se pone de manifiesto a medida que se convierte en el líder de los héroes más poderosos de la Tierra. Evans brilla en Los Vengadores cuando se enfrenta a otros pesos pesados como Robert Downey Jr. y Samuel L. Jackson; el Capitán cuestiona el carácter de Iron Man y condena los secretos de Fury.

Evans protagonizaría otras dos películas del Capitán América y tres epopeyas de los Vengadores, con algunos cameos en Thor: The Dark World y Spider-Man: Homecoming.

Vengadores: Endgame es la gran despedida del primer Vengador y Evans lo da todo. Su dolor es palpable, mientras que siempre aparecen destellos de optimismo. La amistad del Capi con Tony se consolida en última instancia y su romance con Peggy se cierra de forma inesperada, con el fotograma final de la película centrado en su largamente esperado baile y en un beso. Endgame también marca la única vez que el supersoldado pronuncia el grito de guerra de Avengers Assemble; Evans se compromete con la frase con aplomo y confianza.

Pero años antes de todo este suceso, Chris Evans era conocido sobre todo por la acción y la comedia. Su carrera comenzó con una fallida sitcom y algunos pequeños papeles en el cine, siendo su gran oportunidad la fallida No es otra película de adolescentes. El humor seco de Evans era lo mejor de esta burda parodia, por lo que impulsó su carrera en la dirección correcta. Más adelante, el actor se lució en el papel de Lucas Lee en una película mucho mejor escrita, Scott Pilgrim vs. los ex de la chica de sus sueños, de Edgar Wright.

Aterrizó en papeles más importantes en películas medianamente decentes como Cellular antes de aparecer como la Antorcha Humana en dos Fantastic Fours. Como Johnny Storm, Evans es ágil, divertido e impulsivo, es decir, perfecto para el papel.  Por aquel entonces, trabajó en el thriller de ciencia ficción Sunshine, de Danny Boyle, donde Evans empieza a salirse realmente de su molde.

Antes de encarnar al Capitán América, Evans participó en una serie de películas de crimen/acción que desgraciadamente se mezclan entre sí al recordar su trabajo cinematográfico, como Street Kings, Push y The Losers, siendo esta última la actuación más divertida y memorable de Evans de las tres.

Desde finales de la década de 2000 ha rebotado entre ese género, las comedias románticas y los dramas más pesados. Los papeles más ligeros en The Nanny Diaries, What’s Your Number y Playing it Cool son rellenos útiles en su filmografía, que la hacen más digerible frente a otros trabajos como Puncture donde da vida a un consejero legal con adicción a las drogas.

Los frutos de Marvel dentro de la carrera de Evans se empiezan a notar cuando después de Vengadores, entrenó la adaptación de la novela gráfica de Bong Joon Ho, Snowpiercer, que contempla la estructura de clases a través de una lente postapocalíptica. La cual ha día de hoy sigue siendo la mejor cinta de su carrera. Más recientemente, ha protagonizado Gifted, de Marc Webb, en la que demuestra su capacidad emocional, y The Red Sea Diving Resort, en la que toma prestado algo de su personaje de Capitán América para enfrentarse a los matones ayudando a los refugiados a escapar de la persecución.

Un par de papeles secundarios de Chris Evans, cada vez menos frecuentes en su filmografía que se está llenando de protagónicos, completan sus mejores trabajos, estos son The Iceman y Knives Out. En ambos interpreta a excéntricos asesinos. La capacidad de Evans para hacer de secundario también refuerza las cuatro películas de Los Vengadores, sobre todo porque su carisma natural siempre encuentra la forma de colarse en el primer plano de cualquier proyecto en el que participa. Por otro lado, su poder de estrella es una de las principales razones por las que la calidad de la trilogía del Capitán América es una de las más populares de Marvel.

Con Steve Rogers entregando el escudo del Capitán América a Sam Wilson, es turno de interpretar a otro héroe: Buzz Lightyear y adentrarse a una nueva franquicia, Toy Story. Veamos que le depara ahora la industria a Chris Evans, pero todo apunta a que estará cerca de su consolidación como estrella.

Cómo calmar a los perros de los cohetes y truenos

cómo calmar a los perros de los cohetes y truenos

En invierno llegan ráfagas de truenos y cuando llega la navidad también se suman los fuegos artificiales y ambos ruidos son estresantes para tus mascotas, hacen que nuestros perros se sientan abrumados por la ansiedad. En este artículo, hemos reunido algunos formas útiles de identificar la ansiedad de las mascotas, así como algunas recomendaciones sobre cómo calmar a los perros de los cohetes y truenos.

Cómo calmar a los perros de los cohetes y truenos

A continuación te ofrecemos varias formas sobre cómo calmar a los perros de los cohetes y truenos, para que no te tome por sorpresa, y a tus mascotas tampoco.

Crea un entorno seguro

Dado que escapar es una de las formas en que tu mascota responderá a su miedo a los fuegos artificiales y truenos, es importante que te asegures de que su entorno, tanto interior como exterior, sea seguro.

Esto podría significar cerrar la puerta del perro durante el espectáculo de fuegos artificiales y mantener todas las puertas de la casa cerradas. Lo más seguro es mantener al perro dentro de la casa, pero asegúrate de comprobar que la valla exterior no tenga agujeros ni falten postes por los que tu perro pueda colarse y huir si sale de la casa.

Intenta reducir el ruido

Si estás en el interior, intenta reducir el ruido de los fuegos artificiales ofreciéndole sonidos de distracción la televisión, la radio o música para rejalar a los perros en youtube. También puedes considerar la posibilidad de quedarte con tu perro en una habitación interior de la casa que esté más aislada de los sonidos exteriores. Cierra las cortinas y las ventanas para amortiguar el sonido de los fuegos artificiales.

La creación de un espacio seguro para el perro en tu casa es una forma maravillosa de ayudar a tu perro durante los espectáculos pirotécnicos. Este espacio debe incluir todos los artículos de confort de tu perro y estar bien aislado del ruido exterior. Puede ser útil colgar telas gruesas en las paredes y llenar el espacio con almohadas y mantas. Cuanta más tela haya para absorber el ruido de los fuegos artificiales o truenos, menos le afectará a tu mascota.

Mantén la calma y la paciencia

No regañes a tus perros por su comportamiento temeroso. Mantén la calma y se paciente y amable con ellos, pero no les preste demasiada atención durante los fuegos artificiales. Esto puede ser difícil -cuando nuestros compañeros caninos actúan con miedo, todo lo que queremos hacer es acurrucarlos y consolarlos- pero demasiada atención puede hacer que se sientan aún más nerviosos porque sienten que tú estás reflejando su estrés.

Tu perro buscará seguridad en tu comportamiento, así que ignora los ruidos. Ofrécele jugar con él (tirar de la cuerda o buscar), pero no le obligue a participar si no quiere.

Evita sujetar a tu perro temeroso en tus brazos (lo que puede llevarle a morder), evita mantenerlo atado, evita encerrarlo en una jaula (aunque algunos perros pueden entrar voluntariamente en una jaula abierta y sentirse seguros allí, especialmente si se coloca una manta encima).

Un perro atado puede entrar en pánico (ya que no tiene forma de escapar) y corre el riesgo de herirse a sí mismo o a otros en sus intentos de alejarse del ruido.

Utiliza la desensibilización y el contracondicionamiento

Las reglas más importantes son la exposición a grabaciones de fuegos artificiales reproducidas a un nivel bajo (desensibilización) y la creación de asociaciones positivas mediante el contracondicionamiento (dar golosinas en función de los fuegos artificiales).

Sin embargo, al hacerlo, hay que seguir varias pautas importantes. Por ejemplo, hay que prestar mucha atención al perro para asegurarse de que no sobrepasa el umbral, y hay que ir despacio, retrocediendo si el perro parece tener dificultades en algún momento y no avanzando hasta que parezca sentirse cómodo en ese nivel.

Proporciona tu presencia

Es muy probable que tu perro te perciba como un padre o madre, que le proporciona refugio, cuidados y comida. Los perros, por tanto, llegan a depender de tiy, a cambio, quieren estar cerca de ti, por lo que su presencia puede tener seguramente un efecto tranquilizador.

Sin embargo, confía sobre todo en tu presencia e intenta no forzar las cosas. A algunos perros no les gusta que los toquen cuando tienen miedo, e invadir su necesidad de espacio cuando están en modo de pánico puede provocar a veces un gruñido o incluso un posible mordisco.

Cómo saber si tu perro está siendo afectado por los fuegos artificiales o truenos

Tu perro puede mostrar cierta conducta y/o comportamiento que refleja su estrés por los ruidos elevados.

  • Pupilas dilatadas
  • Cuerpo tenso
  • Jadeo
  • Sacudidas
  • Babeos
  • Accidentes en la casa
  • Búsqueda de atención adicional
  • Intentos de escapar
  • Esconder

Por qué los perros se asustan de los fuegos artificiales y truenos

Quizás la principal razón por la que los perros tienen miedo a los fuegos artificiales y truenos es obvia: ¡son ruidosos! Tu perro tiene un oído supersensible, y sus oídos consideran que el estruendo de los es desagradable y les sobresalta debido al volumen. Incluso si tú estás lejos del lugar donde se lanzan los fuegos artificiales, los sensibles oídos de tu mascota registrarán el sonido y se asustarán.

Curiosamente, el miedo a los ruidos también puede tener un componente genético, hay razas que están predispuestas a padecer fobias a los ruidos.

Otra razón por la que los perros temen los fuegos artificiales es su imprevisibilidad. El hecho de que aparezcan al azar impide que el perro se habitúe a ellos.

La cuestión es la siguiente: una amenaza bien prevista se siente más controlable y, probablemente, menos aversiva por el simple hecho de que los perros tienen la oportunidad de prepararse para su aparición, en lugar de ser sorprendidos con la guardia baja. La imprevisibilidad, en cambio, es algo que no es muy bien recibido.

La aparición de un ruido fuerte y extraño evocará una vigorosa respuesta de orientación en la mayoría de los perros. Sin embargo, si el ruido se repite muchas veces, los perros pueden aprender a ignorarlo. Si posteriormente se les expone al mismo ruido uno o dos días más tarde, es probable que la respuesta del perro vuelva a tener casi la misma fuerza que tenía antes de la situación.

Entrevista – Alexandra Roma: «No sabría vivir sin música»

entrevista alexandra roma

La literatura romántica contemporánea está viviendo su mejor momento en años. Si bien muchos autores anglosajones (Colleen Hoover, Jenny Han, John Green, etc…) abrieron el camino, el fenómeno de este género se ha expandido hasta nuestro idioma, dando paso a otros grandes escritores. Una de esos autores es la española Alexandra Roma, quien además de escritora, también es periodista y guionista, y lleva varios años enamorándonos con sus historias.

Ella es la mente brillante detrás de “Solo un amor de Verano” y “El club de los eternos 27”. En Neostuff estamos complacidos de poder entrevistarla.

  1. Entrevista a Alexandra Roma

NEOSTUFF: Muchos escritores se basan en vivencias personales para escribir sus obras ¿hay algo de ti en ellas?

ALEXANDRA ROMA: Vivencias personales como tal, no, pero dejarte “miguitas” de ti misma, incluso sin ser consciente o pretenderlo, sí, es inevitable. Al final, los escritores se derraman en las páginas.

N: El club de los eternos 27, La noche que paramos al mundo, son novelas ambientadas en el mundo de la música ¿cómo logras describir tan bien estos escenarios?

AR: ¡Muchas gracias por lo que dices! No sé si describo o no bien esos escenarios, pero sí que trato de documentarme mucho y, sobre todo, meterme bajo la piel de los personajes para que me cuenten su historia.

N: La música es un tema presente en varias de tus historias ¿también lo es en tu vida?

AR: No soy cantante ni nada de eso (risas), no obstante, no sabría vivir sin música. Para mí, es muy importante en mi día a día, porque creo que la música es poderosa, se te mete dentro y es capaz de cambiar tu estado de ánimo.

N: ¿Cómo es tu rutina para escribir?

AR: No tengo una rutina 100% establecida. Lo único que necesito para escribir es un folio o libreta y boli o un ordenador, si puede ser música y… ¡Adelante! Eso sí, intento sentarme por lo menos tres veces a la semana. Hay días que no sale nada, pero otros la historia fluye y es maravilloso.

N: ¿Cuándo te diste cuenta de que querías ser escritora?

AR: Pues… no lo sé, la verdad. Siempre he sido muy lectora (y sigo siéndolo) y escribir surgió sin más, sin pretensiones, y descubrí aquello que me hace feliz.

N: Si pudieses tener como mejor amiga/o uno de tus personajes ¿Quién sería y por qué?

AR: Esta pregunta es complicada Supongo, quizás porque es la más divertida, que Aura.

N: Los artistas suelen tener influencias ¿hay algún escritor que admires? ¿influyó en tu decisión la convertirte en escritora?

AR: Admiro a muchísimos escritores. Creo que para escribir te tiene que apasionar leer, y mi lista es interminable. No obstante, siempre destaco a J.K Rowling porque ella fue la que me descubrió este mundo tan mágico con Harry Potter.

N: ¿Qué opinas de las plataformas digitales para leer y escribir como Wattpad?

AR: Me parece maravilloso. Yo empecé en una editorial pequeñita de coedición y ojalá entonces hubieran existido estas plataformas. Todo lo que sea acercar la lectura, me encanta.

N: Si te dijesen hoy que una de tus novelas será adaptada a la gran pantalla ¿cuál preferirías que fuese la elegida?

AR: Pues… O El club de los eternos 27 o la bilogía Fugaces pero eternos, no sabría decidirme. Eso sí, querría formar parte del proceso para asegurarme de que fuese fiel a la historia.

N: ¿Podrías enviar un saludo a tus lectores a través de NeoStuff?

AR: ¡Claro! Desde aquí os mando un saludo, un beso y un agradecimiento enorme por leerme. Los escritores creamos las historias, pero vosotros les dais vida.

Por qué todo el mundo ama Toy Story

por qué todo el mundo ama Toy Story

En este mes, Toy Story 3 cumple doce años. Eso no suena tan impactante como decir que la primera película de esta franquicia se estrenó en 1995, es decir, hace veintisiete años. ¿Algo más asombroso? Casi tres décadas después, Toy Story sigue sumando millones y millones de dólares, y fanáticos. Esta vez gracias a Lightyear, la ¿precuela? ¿spin-off? nos hace preguntar por qué todo el mundo ama Toy Story.

La respuesta es sencilla: Toy Story cambió la historia del cine. Cuando se proyectó por primera vez, el público estaba ansioso por ver cómo sería la primera película totalmente animada por computadora. Pero lo que estaba en juego era algo más importante. La película estaba a cargo de Disney y Pixar, una joven compañía -entonces presidida por Steve Jobs– que había sido reclutada por el gigante de la animación por sus capacidades de vídeo. Pixar había recibido un contrato de 26 millones de dólares para realizar tres largometrajes de animación por computadora, pero sus cineastas e ingenieros aún no habían conseguido realizar ninguno. Tampoco lo había hecho nadie más. El éxito significaría crear el software y el hardware que necesitarían sobre la marcha, e inventar un nuevo tipo de película.

En una entrevista para TIME, Ed Catmull, uno de los ingenieros de software de Pixar en ese entonces, declaró que «… ninguno [de los miembros del equipo] sabía lo que estaba haciendo”. No tenían ninguna experiencia en producción, salvo en cortometrajes y anuncios. Catmull señala que el joven estudio de producción estaba contra la pared: el fracaso de un proyecto significaría probablemente el fin del contrato de tres películas, y la desaparición de los estudios Pixar.

Por qué todo el mundo ama Toy Story

Pero Disney rara vez se equivoca y si eligieron a Pixar fue por algo. La compañía desarrolló no solo una película, sino que crearon uno de los éxitos animados del cine más reciente. Basta dar un minucioso vistazo a la producción de la película para saber por qué todo el mundo ama Toy Story. Porque de allí nace su grandeza: la dedicación con la que fue creada.

La narrativa y la tecnología de Pixar siguen descansando sobre los cimientos que construyó Toy Story. Cuando los créditos de Toy Story empezaron a rodar aquel primer día, las películas ya no serían las mismas.

La historia sobre unos juguetes que cobran vida, nació por la facilidad de uso del software

Cuando era un niño en Utah, Catmull, confesó que veía las primeras películas de Disney con fascinación, sus ojos “bebían el color y la magia del movimiento en las pantallas”. Siempre soñó con ilustrar él mismo las películas algún día. Señala que parte de lo que hacía que las películas fueran tan mágicas era cómo Walt Disney incorporaba toda la tecnología más avanzada de su época, dejando que esa innovación estimulara las ilustraciones.

En el caso de Toy Story, los animadores no tuvieron más remedio que seguir el ejemplo de Disney. Nadie había intentado hacer un largometraje con animación en 3D, así que las capacidades tecnológicas guiaron gran parte de su proceso creativo.

En cierto modo, trabajar con ordenadores abría nuevas posibilidades, permitiendo a los animadores añadir detalles que nunca hubieran podido, como el estampado de cuadros de la camisa de Woody o las pegatinas del casco de cristal curvado de Buzz.

Pero tenía sus límites, y ahí es donde entraban los juguetes.

Ese software se prestaba a objetos perfectamente geométricos, como bloques, pelotas que rebotan: el tipo de cosas que se encuentran en el arsenal de juguetes de Andy. Cualquier cosa con una forma o textura más «orgánica» acababa pareciendo de plástico, lo que se prestaba a una película sobre objetos de plástico que cobran vida.

Al principio, el equipo iba a evitar por completo a los seres humanos, optando por mantenerlos fuera de los fotogramas. Finalmente, la presencia humana fue demasiado difícil de evitar y, como resultado, los espectadores pudieron ponerle cara a Andy.

Primero la historia, después el resto

Una vez que el equipo recibió luz verde para la película, miraron hacia atrás a las películas que tuvieron poder de permanencia incluso después de que la tecnología con la que la hicieron quedó obsoleta, como Blancanieves, El mago de Oz y La guerra de las galaxias.

Así que Andrew Stanton siguiendo la filosofía de Walt Disney (historia sobre arte) se puso a escribir el guión de una buddy movie, en la que las conversaciones darían vida a los personajes. El equipo de guionistas, que incluía a Joss Whedon y Joel Cohen, combinó los conceptos de los personajes con una actitud más cínica de lo que era típico en las películas de animación, y Pixar también tomó la decisión de omitir los números musicales en favor de una sensación más madura.

Hoy en día, puede parecer obvio decir que parte del éxito de Pixar ha sido el atractivo y la emoción de las historias que cuenta el estudio, pero hace 20 años no tenía por qué ser así. Al fin y al cabo, el contrato de Pixar con Disney fue el resultado de su destreza tecnológica. La decisión de poner la historia en primer lugar fue clave, y potenciaría las siguientes dos décadas de creatividad de la compañía.

Niños y adultos acudieron en masa a los cines cuando se estrenó Toy Story, convirtiéndose en la película más vendida durante tres semanas consecutivas. Al ser la primera película completa de animación por computadora en 3D, fue un hito para la animación, posiblemente el más importante desde la introducción del color. La película ganó un premio de la Academia por sus logros especiales, así como nominaciones al mejor guión original, partitura y canción. Steve Jobs declaró al momento del estreno que tanto Disney como Pixar considerarían la pelícuna un éxito si alcanzaba los 75 millones de dólares en recaudación. La película sumó más de 360 millones de dólares en todo el mundo.

La historia de Buzz y Woody continuó con tres películas más, y cuatro años después de la última entrega llega la primera precuela de uno de los personajes principales: Lightyear, basada en Buzz Lightyear un astronauta, héroe de la vida real, que inspiró al juguete. Chris Evans da voz al personaje principal de esta cinta que ya está en todos los cines.

Crítica: La ciudad pérdida (2022) – El retorno del cine de aventura

La ciudad pérdida critica

Desde hace al menos una década, la tendencia entre las películas más taquilleras hechas en Hollywood es que sean películas basadas en libros o cómics, o que se traten de secuelas. El año pasado, la cartelera mundial estuvo dominada por títulos como Spider-Man: No Way Home (tercera parte de la nueva trilogía de Peter Parker), No Time To Die (la última entrega de James Bond con Daniel Craig), F9 (la novena entrega de Rápido y Furioso) y Venom: Let There Be Carnage (secuela de Venom). Hay que bajar hasta el puesto catorce para encontrar un título basado en una idea original (Free Guy). Este año, 2022, en el Top 10 de las películas más taquilleras, al menos por ahora, se ha colado La ciudad pérdida. Lo interesante con este film es que está protagonizado por una actriz de más de cincuenta años (Sandra Bullock), y que se trata de una película de aventura, un género que murió a comienzos de la década pasada, pero que está retornando poco a poco y gracias a esta película, podríamos tener el renacimiento definitivo del mismo.

Con The Lost City, Sandra Bullock se convierte en la primera actriz en tener una película con más de cien millones de dólares recaudados en cada una de las últimas cuatro décadas. Hito que ha conseguido con películas basadas en historias originales (Speed, Miss Simpatia, Gravedad y La Ciudad Pérdida) ¿pero la película realmente vale los números que la rodean? Totalmente sí.

¿De qué trata La ciudad pérdida?

La carrera literaria de la escritora de novelas Loretta Sage (Sandra Bullock) ha dado un vuelco a favor de las novelas románticas de aventuras que, ambientadas en lugares exóticos, son protagonizadas por un atractivo galán cuya imagen aparece reproducida en todas las portadas, y que en la vida real corresponde a Alan (Channing Tatum), un modelo que ha centrado su carrera en personificar al personaje creado por Sage.

Mientras está de gira para promocionar su nuevo libro junto a Alan, Loretta es raptada por un excéntrico multimillonario (Daniel Radcliffe), con la intención de que la autora lo lleve hasta el tesoro de la antigua ciudad perdida, el cual esta menciona en su último relato. Queriendo demostrar que también puede ser un héroe en la vida real, no solo en las obras de ficción de Loretta, Alan se lanza al rescate de la escritora.

Una de las mejores comedias en los últimos años

Cuando se trata de comedia mis expectativas suelen ser un poco más baja, no es que haga de menos el género, al contrario, basta con que me haga reír para considerarla una buena película. O al menos una buena comedia. La ciudad perdida es una de esas. Y además, es la mejor en su género, al menos en mis visionados más recientes.

The Lost City es una divertidísima aventura con un reparto con un notable talento para la comedia. Dirigida por Adam y Aaron Nee, este viaje cómico está lleno de abundantes chistes, más acción de la que cabría esperar y algo de corazón que lo une todo. Anclado por sus actuaciones, a veces, casi te olvidas de que hay una excursión peligrosa en el centro de la trama, ya que te quedas atrapado en la química y las risas.

No se trata de una historia demasiado complicada con un mensaje filosófico muy profundo. Es una película que está hecha para que la disfrutes en todo su absurdo sin tener que diseccionarla después. Ya sea en solitario o con amigos, La ciudad perdida es una experiencia alegre con continuos momentos de risa. Eso no quiere decir que la historia no tenga ningún tipo de mensaje, porque lo tiene. Sin embargo, dice lo que piensa de forma muy clara y abierta. Con temas como la pérdida, la codicia y la confianza, hay algunos momentos bastante poéticos que se presentan.

No se conforma con ser una buena comedia…

Es también una buena película

La ambientación es hermosa, y los detalles en el diseño de producción están muy bien cuidados, más de lo que se puede esperar. La selva, donde está ambientada la mayor parte de la película, se siente auténtica, y eso es algo que enriquece aún más la historia. Hay explosiones, una búsqueda de un tesoro enterrado y un larga lista de chistes que hacen que todo sea más divertido.

La película tiene un buen ritmo hasta el tercer acto, en el que la historia empieza a parecer un poco alargada. Lo que más me gustó fue el humor y el ritmo de la comedia. Los chistes son posiblemente un poco infantiles a veces, pero siguen siendo muy hilarantes y eso es lo que vale.

Tanto el reparto como su química son fantásticos. De hecho, la química es lo que hace que la película sea tan agradable. De arriba a abajo, todos contribuyen al humor. Incluso los dos personajes que no tienen ningún chiste acaban siendo el blanco de algunos, y sus sutiles reacciones contribuyen a la risa. Sandra Bullock y Channing Tatum están muy bien juntos. Interpretando a la intelectual y al tonto, respectivamente, la pareja hace que sea difícil imaginar otros actores para ambos personajes. Sin embargo, lo que quiero más y no vi venir es el dúo de Tatum y Brad Pitt. Aunque dura poco, es mi secuencia favorita de la película.

Daniel Radcliffe logra con éxito el papel de villano acaudalado y neurótico. Su personaje se parece a su papel de Walter Mabry en Now You See Mee 2. Mientras, Da’Vine Joy Randolph brilla como la parte más cuerda (y sin embargo, también graciosa) de la historia. Me alegro de que veamos más de ella. Patti Harrison es nueva en la gran pantalla, pero como su energía y sus dotes cómicas roban escenas, estoy seguro de que la veremos más en el futuro. Y por último, Oscar Nuñez fue una agradable sorpresa. Si eres un fan de The Office, no puedes evitar sonreír cuando lo ves en cualquier papel. La mayoría de sus escenas son con Da’Vine Joy Randolph y todas son divertidísimas.

Es genial escaparse a tierras lejanas con una película de comedia que te hace reír a carcajadas muchas veces, The Lost City ciertamente cumple con los requisitos cuando se trata de la comedia, la acción y la aventura. Si quieres escapar durante menos de 2 horas, La ciudad perdida es la película que debes ver.

Los mejores libros de enemies to lovers, más recientes

Los mejores libros de enemies to lovers

De la aparentemente infinita cantidad de tropes de libros, los libros de enemies to lovers son, con mucho, los más populares. Lo que comienza como una antipatía u odio entre los personajes, se convierte en una broma ingeniosa, seguida de un amor insondable, y termina con una relación llena de pasión. Este trope suele ir acompañado de un romance slow burn, una relación que tarda en formarse y que deja a los lectores llenos de expectación. Aquí traemos los mejores libros de enemies to lovers para que te deleites este verano.

Los mejores libros de enemies to lovers

A continuación, encontrarás una lista de algunos de los mejores libros de enemies to lovers.

Beach Read de Emily Henry

Una escritora romántica que ya no cree en el amor y un escritor literario atascado en la rutina se enzarzan en un reto que dura todo el verano y que puede poner patas arriba todo lo que creen sobre los felices para siempre.

Augustus Everett es un aclamado autor de ficción literaria. January Andrews escribe novelas románticas de gran éxito. Cuando ella escribe un «felices para siempre«, él mata a todo sus personajes. Son polos opuestos. De hecho, lo único que tienen en común es que durante los próximos tres meses, viven en casas de playa vecinas, sin dinero, y empantanados por el bloqueo del escritor. Hasta que, una noche nebulosa, una cosa lleva a la otra y llegan a un acuerdo diseñado para obligarles a salir de su estancamiento creativo: Augustus pasará el verano escribiendo algo feliz, y January escribirá algo más inclinado al género de Augustus. Por supuesto que este ‘reto literario’ acabará dando paso a otras emociones.

Red, White and Royal Blue de Casey McQuiston

Cuando su madre llegó a la presidencia, Alex Claremont-Díaz se convirtió rápidamente en el equivalente americano de un joven miembro de la realeza. Guapo, carismático, genial… su imagen es puro oro milenario para el marketing de la Casa Blanca. Sólo hay un problema: Alex tiene problemas con el verdadero príncipe, Henry, al otro lado del charco. Y cuando la prensa sensacionalista se hace con una foto de un altercado entre Alex y Henry, las relaciones entre Estados Unidos y Gran Bretaña empeoran.

Los jefes de familia, de Estado y otros responsables diseñan un plan para controlar los daños: escenificar una tregua entre los dos rivales. Lo que al principio comienza como una falsa amistad de Instragram, se vuelve más profundo y peligroso de lo que Alex o Henry podrían haber imaginado. Pronto, Alex se encuentra precipitándose en un romance secreto con un Henry sorprendentemente poco tímido que podría hacer descarrilar la campaña y poner en peligro dos naciones, y plantea la pregunta: ¿Puede el amor salvar el mundo después de todo?

Red, White & Royal Blue, de Casey McQuiston, demuestra que el verdadero amor no siempre es diplomático.

Talk Bookish to Me de Kate Bromley

Los mejores libros de enemies to loversLa vida de Kara Sullivan está llena de amor, aunque sea ficticio. Como escritora de novelas románticas y bookstagramer influyente, le parece bien conseguir su dosis de felicidad para siempre entre las tapas de un libro.

¿Pero ahora mismo? No solo la mejor amiga de Kara se va a casar la semana que viene -lo que significa un gran estrés por la boda-, sino que se acerca la fecha de entrega de su próxima novela, y ella no ha escrito ni una sola palabra. Lo último que necesita es que su exasperante primer amor, Ryan Thompson, aparezca de repente en la fiesta de la boda. Pero la inesperada llegada de Ryan provoca un despertar creativo en Kara que inspira el tórrido romance histórico que necesita desesperadamente.

The Hating Game de Sally Thorne

Los mejores libros de enemies to loversLucy Hutton y Joshua Templeman se odian. Y no tienen ningún problema en mostrar sus sentimientos a través de una serie de maniobras de agresión pasiva mientras se sientan uno frente al otro como asistentes ejecutivos de los codirectores generales de una empresa editorial.

Lucy no puede entender el enfoque meticuloso de Joshua en su trabajo. Joshua está claramente desconcertado por la ropa demasiado brillante, la extravagancia y la actitud de Lucy.Ahora que optan al mismo ascenso, su batalla ha llegado a un punto álgido y Lucy se niega a retroceder cuando su último juego podría costarle el trabajo de sus sueños… Pero la tensión entre Lucy y Joshua también ha llegado a su punto de ebullición, y Lucy está descubriendo que tal vez no odia a Joshua. Y tal vez, él tampoco la odia a ella. O tal vez esto es sólo otro juego.

Puedes leer la reseña completa aquí.

The Spanish Love Deception de Elena Armas

Una boda. Un viaje a España. El hombre más exasperante. Y tres días de fingimiento. O lo que es lo mismo, un plan que nunca funcionará.Catalina Martín, por fin, no está soltera. Su familia se alegra de anunciar que llevará a su novio americano a la boda de su hermana.

“Todo el mundo está invitado a asistir al acontecimiento más mágico del año.Ese sería, sin duda, el titular de mañana en el periódico local de la pequeña ciudad española de la que procedo. O el epitafio de mi lápida, viendo el giro que había dado mi vida en el lapso de una llamada telefónica.Cuatro semanas no era mucho tiempo para encontrar a alguien dispuesto a cruzar el Atlántico -desde Nueva York y hasta España- para una boda. Y mucho menos, alguien dispuesto a seguir mi farsa. Pero eso no significaba que estuviera lo suficientemente desesperada como para traer al dolor de ojos azules de 1,90 metros que tenía delante de mí: Aaron Blackford. El hombre cuya principal ocupación me hacía hervir la sangre acababa de ofrecerse para ser mi cita. Justo después de meter su nariz en mis asuntos, llamarme ilusa, y llamarse a sí mismo mi mejor opción. ¿Ves? Indignante. Y para mi total desesperación, también tenía razón. Lo que me dejó con un dilema hosco y extra grande en mis manos. ¿Merecía la pena el sufrimiento de llevar a mi colega y perdición de mi existencia como falso novio a la boda de mi hermana? Como diría mi abuela, que Dios nos pille confesados.”

Puedes leer la reseña completa aquí.

The Unhoneymooners de Christina Lauren

Los mejores libros de enemies to lovers

Para dos enemigos declarados, cualquier cosa puede suceder durante el viaje hawaiano de su vida -quizás incluso el amor- en esta comedia romántica.Olive Torres está acostumbrada a ser la gemela desafortunada: desde percances inexplicables hasta un reciente despido, su vida parece estar propensa al caos. En cambio, su hermana Ami es una eterna campeona… incluso consiguió financiar toda su boda ganando un montón de concursos. Por desgracia para Olive, lo único peor que la mala suerte constante es tener que pasar el día de la boda con el padrino (y su némesis), Ethan Thomas.

Olive se prepara para el infierno de la boda, decidida a poner buena cara, pero cuando todos en la fiesta de la boda se intoxican, los únicos que no se ven afectados son Olive y Ethan. De repente, hay una luna de miel gratis en juego, y Olive estará condenada si Ethan consigue disfrutar del paraíso en solitario.

Acordando una tregua temporal, la pareja se dirige a Maui. Después de todo, diez días de felicidad valen la pena para tener que asumir el papel de recién casados, ¿verdad? Pero lo extraño es que a Olive no le importa jugar a fingir. De hecho, cuanto más finge ser la mujer más afortunada del mundo, más parece que lo es.

You Can Go Your Own Way by Eric Smith

Adam Stillwater está metido en un lío. Al menos, eso es lo que diría su mejor amigo. Y su madre. Pero este salón de pinball es el único pedazo de su padre que le queda a Adam, y está decidido a protegerlo del nuevo magnate de la tecnología de Filadelfia, que quiere convertirlo en otro de sus fríos cafés de juegos sin vida.

Whitney Mitchell no sabe cómo ha llegado hasta aquí. Sus padres se separaron. Su novio la dejó. Sus amigos parecen haber cambiado de la noche a la mañana. Y ahora se pasa el último año de carrera dirigiendo las redes sociales de la exitosa cadena de cafeterías de su padre, que consiste principalmente en intercambiar insultos con la vieja y decrépita sala de pinball de la otra punta de la ciudad.

Crítica: We Own This City – Cuando los héroes se convierten en villanos

We Own This City critica

Dale poder a alguien y lo conocerás realmente” es una frase que retumba en mi cabeza porque alguna vez la habré leído y porque es así como podemos resumir la historia principal de We Own This City, la miniserie más reciente de HBO y otra pequeña joya dentro del catálogo del canal por cable. George Pelecanos y David Simon son dos viejos conocidos del mundo del entretenimiento. Se han hecho un nombre por su don de hacer arte desde las historias más decadentes. Lo consiguieron con The Wire y posteriormente con The Deuce, ahora es el turno de We Own This City, que se atreve a contar una torrida historia, que realmente sucedió dentro de la Policia de Baltimore.

¿De qué trata We Own This City?

“Crónica del ascenso y de la caída de una unidad del Departamento de Policía de Baltimore, que decidió hundirse en la corrupción y en la rebeldía, y comenzó a robar y a detener a ciudadanos y a traficantes por igual” cuenta la sinopsis de la serie que si bien parte de allí, ahonga muchísimo más.

La serie expone lo que ocurre cuando se da a los seres humanos mucho poder y muy poca supervisión. Es un recordatorio brutal de que nunca se sabe realmente en quién se puede confiar,.

La hipocresía hecha ley

En el centro de sus operaciones estaba el sargento Wayne Jenkins (un fabuloso Jon Bernthal). Cuando lo conocemos por primera vez, es enero de 2017, y está sermoneando a sus colegas sobre la brutalidad policial.

«Esa es la verdadera brutalidad. Ese tipo de brutalidad sólo te impide hacer tu trabajo. Nadie te va a decir lo que necesitas saber si le das una paliza. La información es lo que te hará ganar casos… Si entiendes tu propia autoridad, conoces la ley, ganas«. Es un discurso poderoso, que resuena aún más al final de la primera hora de la serie. Después de los inquietantes créditos iniciales, que ofrecen imágenes reales, tanto fijas como conmovedoras, de altercados, detenciones fallidas y policías que se comportan mal, avanzamos un mes y vemos a un Jenkins muy seguro de sí mismo, que se enorgullece del éxito de una operación sobre sus «rivales» del departamento de homicidios.

Pero a pesar de su definición de éxito, Baltimore sigue siendo vista por muchos como «el ejemplo del fracaso básico para detener la anarquía«. La muerte de Freddy Gray mientras estaba bajo custodia policial en abril de 2015 dio lugar a protestas públicas y a la desobediencia civil, y seis agentes fueron suspendidos e investigados por sus acciones. La posterior reticencia de la policía a realizar detenciones en situaciones tensas, o donde se concentraban multitudes, coincidió con un repunte de los homicidios, lo que obligó al alcalde a relevar al comisario de policía de sus funciones y a ella a no presentarse a la reelección. Sin embargo, la ineptitud policial que desencadena una serie de conflictos internos, no es más que un reflejo de la podredumbre que hay dentro del departamento policial.

La gente es corruptible, y cuando una persona que actúa en nombre del Estado se equivoca, las cosas se pueden torcer muy rápidamente.

Nadie mejor para contar una historia de Baltimore

Al igual que con su querida The Wire, es el enfoque punzante de Simon y su coguionista habitual George Pelecanos lo que atrae y destaca. Hay una autenticidad en el drama – que se centra en pequeños detalles de procedimiento (órdenes de detención que tardan más de lo debido en ser archivadas debido a errores ortográficos) y personajes matizados (los traficantes de drogas aquí van desde operadores hábiles hasta neófitos en el oficio) que enrqieucen y elevan toda la serie.

Esta es una serie y un equipo creativo que respeta mucho a los agentes de policía que intentan hacer su trabajo lo mejor posible. Sin embargo, reconoce que esos oficiales operan dentro de un sistema que permite que personajes como Wayne Jenkins (Jon Bernthal) se aprovechen de su posición para su propio beneficio personal corrupto. Jenkins es el personaje más importante de esta historia y gran parte de los exámenes de la serie giran en torno a él. Afortunadamente, la elección de Jon Bernthal es un acierto en todo su significato. Su afinidad por interpretar estereotipos machistas le convierte en el candidato perfecto para un policía que hace prácticamente lo que quiere. Es magnético en cada escena y hace lo mejor que puede hacer un actor cuando interpreta un papel antagónico: se cree el héroe. Este es el mejor trabajo de Bernthal en su carrera.

Además de Bernthal, la actriz británica de origen nigeriano Wunmi Mosaku (Luther) interpreta a una abogado de la División de Derechos Civiles del Departamento de Justicia y un Josh Charles casi irreconocible. Los fans de Will Gardner, de The Good Wife, se sorprenderán al ver a un Charles de aspecto panzón dando vida al repelente y racista oficial de policía de Baltimore Daniel Hersl. Mientras que David Corenswet es la revelación, interpretando a un oficial de la policia con mucho pulso, un trabajo que carga con mucha facilidad y se aleja a lo que ya había hecho en Hollywood bajo el ala de Ryan Murphy.

El director de King Richard (película que le dió el Oscar a Will Smith), Reinaldo Marcus Green, hace un gran trabajo para resumir la historia, a veces muy extensa (podría haber sido una serie de varias temporadas), y convertirla en una visionado convincente y fascinante pese a tener solo seis episodios.

We Own This City es densa, difícil y, en conjunto, gratificante por su mirada a lo que está mal y lo que está bien de ser un oficial de policía en Estados Unidos.

Crítica: Senior Year (2022) – Una dosis de Rebel Wilson

Senior Year critica

De Nery0 de entretenimiento más accesible en la actualidad y el pionero en cuanto a plataformas de streaming. A favor o en contra, Netflix no deja indiferente a nadie. Pero si hay algo cierto es que no escatima al momento de ampliar su catálogo. En la plataforma no solo hay cabida para series y películas, sino que dentro de cada tipo de producto hay mucho para elegir, especialmente el segundo. Desde documentales hasta cine independiente (como 6 Baloons), hasta especiales de comedias o trabajos de cineastas de renombre (como El Irlandés de Martin Scorsese). Pero sobre todo hay espacio para películas indefensas, de esas que son perfectas para ver un sábado por la tarde porque están hechas con esa intención. Ese es el caso de Senior Year (2022, dir. Alex Hardcastle), la película más reciente de Rebel Wilson que deberías de ver (o no).

Si buscas casi dos horas de vago entretenimiento, de pasarla bien a causa de unos cuantos chistes inofensivos, entonces lo más reciente de Netflix, es para ti, Mi año de graduación. 

¿De qué trata My Senior Year?

Es 2002 y Stephanie es una adolescente australiana cansada de ser «fea e invisible». Así que en su último año descubre la fórmula para ser querida por todos: ser popular. Stephanie se inscribe en el grupo de porristas e instantáneamente consigue la atención que quiere, incluyendo la de Blaine, el chico más popular. Eso despierta la ira de Tiffany, la otra Queen B. Todo va bien para Stephanie, finalmente tiene lo que quiere, hasta que un día, una acrobacia sale mal y la chica entra en un coma… De veinte años.

Cuando Stephanie despierta, en 2022, físicamente como una mujer de treinta y siete años pero mentalmente como una adolescente de diecisiete, todo lo que quiere es retomar su vida justo donde la dejó: volver a la preparatoria, enamorar a Blaine y, por supuesto, ser la reina del baile de graduación. Pero nada de eso será fácil cuando Stephanie se da cuenta que llegar a su adultez veinte años más tarde ( o volver a su adolescencia con veinte años demás) no será fscil. Sobre todo porque muchas cosas se verán en peligro.

Estamos aquí por la nostalgia

Al menos un tercio de la película está ambientado entre finales de los noventa y principios de los 2000. Y hay que reconocer que está muy bien concebido. Se nota que la producción tomó como referencia comedias adolescentes de esos años. Aunado a ello el vestuario y estilismo es una oda a la década y se aprecia que los detalles estén tan bien cuidados.
Esto contribuye a que ambas líneas temporales estén bien marcadas más allá de ver a actores diferentes.

Un choque de generaciones

De hecho esa marcada división temporal se nota también en el comportamiento de los personajes. La primera parte de la película está repleta de personajes estereotipados (la nerd, el chico y la chica populares, la homosexual de closet y el mejor amigo negro). Cuando la película salta a la época actual, vemos que hay mayor visibilidad entre los personajes y, por supuesto, esa jerarquía de popularidad parece haber sido erradicada pero en realidad ha sido trasladada a las redes sociales.

Eso da pie a los mejores chistes de la película que se mofa de ese cambio abrupto entre los millennials y la generación Z, la dependencia a las redes sociales e incluso a la cultura woke. Aunque se las ingenia para hacer todo desde el respeto.

Algo grato de ver también es que por primera vez Rebel Wilson no es solo «la gorda graciosa de la película«, tal vez se deba a su perdida de peso o que tal vez sea momento de verla simplemente como «la graciosa de la película«. Y es que aunque ella y Angourie Rice no tienen escenas juntas en la pantalla, su dinámica al dar vida un mismo personaje es muy interesante porque es como ver a una misma persona. Los secundarios también cumplen su trabajo, destacando a Zoë Chao que es una fuerza frente a las cámaras y tenemos que tenerla en cuenta.

Un soundtrack de película… Literalmente

Un punto a favor es lo maravilloso del soundtrack. No solo emana esas vibras de comienzo de siglo, que es lo que quiere sino que encaja muy bien dentro de cada escens, especialmente esas con sorpresivos números musicales que son varias, ademas.
Senior Year no es una película perfecta, de hecho, hay chistes que no funcionan del todo bien pero es un visionado lo suficientemente entretenido para pasar un buen rato. Una película que olvidaras tan pronto termines de verla, sí, tal vez. Pero es también una que querrás ver hasta el final.

Entrevista a Viviana Majzoub: “Quiero apostar a volver a trabajar en mi país”

viviana majzoub entrevista

Las redes sociales0 son un arma de doble filo. Si bien es un lugar que le brinda la posibilidad a las personas de hacer prácticamente todo lo que quieran, también es un lugar donde muchas de esas personas aprovechan para acechar y criticar desde el anonimato; eso ha llevado a muchas personas a abandonar las redes, incluso celebridades han tenido que suspender sus cuentas por comentarios de odio. Por suerte, no todo es negativo en el mundo de las redes sociales, hay quienes usan las plataformas para hacer el bien, como es el caso de Viviana Majzoub. Esta actriz, cantante y  modelo venezolana que se dio a conocer en la pantalla chica de su país gracias a la telenovela juvenil A Puro Corazón, acumula casi trescientos mil seguidores entre sus cuentas de TikTok e Instagram, gracias a vídeos que van desde mensajes positivos hasta de entretenimiento que invitan tanto a reflexionar sobre diversos temas, como a pasar un buen rato simplemente riendo.

Entrevista a Viviana Majzoub

En Neostuff tuvimos el placer de hablar con ella sobre su carrera, las redes sociales y otros temas. Esto fue lo que nos contó:

Neostuff. Tienes muchísimos seguidores tanto en Instagram como Tik Tok ¿Convertirte en una personalidad en estas redes sociales fue algo que planeaste o simplemente surgió?

Viviana Majzoub: No lo planeé en lo absoluto. Comencé a grabar tiktoks cuando estaba aburrida en la pandemia, y luego me inspiré a hacer contenido sobre crecimiento personal a través de mis propias experiencias.

N: ¿Qué te motivó a unirte a las redes sociales de una forma tan activa?

VM: Cuando noté que mi contenido sobre desarrollo personal estaba teniendo muy buena receptividad, se me ocurrió comenzar a compartir mi camino de quererme a mi misma, y que todo lo que estaba aprendiendo pudiera servir de inspiración a otros. De alguna manera fue mi forma de prestar un servicio a través de lo que estaba viviendo.

N: El contenido de tus redes sociales es muy positivo pero no es secreto que estas también hay mucha gente negativa ¿Te has topado con comentarios negativos hacia ti? ¿cómo haces para lidiar con ellos?

VM: Al principio me afectaban y condicionaban mi forma de ver mi contenido, luego elegí simplemente fijarme muy poco en los comentarios. Básicamente me ocupo de subir lo que quiero subir, pero casi no presto atención a lo que comentan.

“En mi vida me encantaría alguna vez escribir un libro, tener una empresa, aprender guitarra, potenciarme en el canto y seguir siendo eco del crecimiento personal. No soy una persona nada rutinaria”

N: Hace varios años trabajaste en una serie de televisión ¿piensas retomar la actuación en algún momento?

VM: Si por supuesto, acabo de volver de hacer un curso de interpretación para cine en Madrid, España, y actualmente estoy haciendo castings. Quiero apostar a volver a trabajar en mi país.

N: Has demostrado que eres una persona muy versátil artísticamente, actuas, cantas… ¿Hay algo más que quieras hacer en un futuro? ¿Tal vez escribir o dirigir?

VM: En mi vida me encantaría alguna vez escribir un libro, tener una empresa, aprender guitarra, potenciarme en el canto y seguir siendo eco del crecimiento personal. No soy una persona nada rutinaria.

N: Muchos artistas encuentran inspiración en otros artistas ¿Tienes alguna influencia artística?

VM: Tengo grandes actores a quienes admiro, como Robert De Niro y Anne Hathaway, pero también me inspiran profundamente las nuevas caras en la actuación porque me hacen sentir identificada, son chamos como yo que creyeron en su talento y la lograron, como por ejemplo Ursula Corbero o Alba Flores.

N: Si pudieses cambiar algo de las redes sociales ¿qué sería?

VM: Dejar de normalizar el exceso de apariencia y la pretensión de vidas perfectas que no existen.

Más sobre Viviana…

N: Cuál fue la última serie y/o película que viste:

VM: Bienvenidos a Edén.

N: Cuál fue el último libro que leíste:

VM: El poder del ahora de Eckhart Tolle, es como la quinta vez que lo leo (risas).

N: Si pudieses interpretar un personaje real, vivo o muerto, en una biopic ¿quién sería?

VM: Creo que quizá mi físico me limita pero me encantaría interpretar a Marilyn Monroe.

N: Qué prefieres ¿hacer solo una película y ganar el Oscar o hacer muchas películas que nadie vería?

VM: Te mentiría si te digo la segunda, evidentemente me honraría muchísimo participar en un trabajo digno de un Oscar.

N: ¿Preferirías escuchar una misma canción todos los días o no poder escuchar música en lo absoluto?

VM: Escuchar una misma canción todos los días! No puedo vivir sin música.

Si aún no sigues a Viviana Majzoub, puedes hacerlo a través de su Instagram y TikTok.

 

imagenes vía instagram: vivianamaj

Autos a hidrógeno como combustible ¿son el futuro?

autos a hidrógeno como combustible

La subida de los precios de los combustibles y los altos costes de la energía son desde hace meses unos de los principales temas de conversación. Algunos políticos responden, otros no. Pero, ¿cómo sería si nuestro combustible fuera mucho, pero mucho, más asequible? Hoy te presentamos los autos de hidrógeno como combustible ¿son estos los autos del futuro?

Autos a hidrógeno como combustible ¿por qué se distinguen?

Los autos a hidrógeno son vehículos eléctricos que funcionan con electricidad generada mediante una pila de combustible. El depósito de combustible del coche contiene gas hidrógeno, que reacciona con el oxígeno del aire en la pila de combustible. La electrólisis inducida produce energía eléctrica que alimenta el motor.

En lugar de gases de escape perjudiciales para el medio ambiente, sólo sale vapor de agua. Los coches de hidrógeno se caracterizan por sus cortos tiempos de repostaje, su gran autonomía y su potente aceleración. Se puede llenar el depósito de combustible en menos de cinco minutos y conducir hasta 650 kilómetros con él.

La demanda de electromovilidad va en aumento, las empresas están integrando la electromovilidad en la gestión de sus flotas, los servicios de reparto están cambiando a flotas con motor eléctrico e incluso en el tráfico urbano es difícil imaginar la vida sin vehículos eléctricos.

¿Son realmente el futuro?

Un punto importante a tener en cuenta es la disponibilidad. Para penetrar con éxito en el mercado, se necesita una infraestructura, especialmente estaciones de servicio, para que los clientes empiecen a comprar y utilizar vehículos de hidrógeno.

La cuestión del coste también desempeña un papel importante: producir un pequeño número de unidades es caro, y fabricar prototipos y unidades individuales suele ser inasequible. La producción en masa es la única manera de reducir los costes de fabricación y hacer que los vehículos sean asequibles y, en consecuencia, competitivos. Mientras que las baterías de los coches eléctricos ya se pueden fabricar de forma barata, todavía hay que ponerse al día en lo que respecta al corazón del coche de hidrógeno: la pila de combustible.

Leer también: BIOGAS, La orina es el combustible de mañana

El gran inconveniente: el mantenimiento es más caro

Los autos a hidrógeno como combustible tienen una estructura mucho más complicada. Tienen todo lo que tiene un coche eléctrico, pero además tienen una pila de combustible sensible, un depósito de alta tecnología y otros componentes específicos. Las pilas de combustible son muy sensibles. Hay que drenarlas contra las temperaturas bajo cero, precalentarlas para su funcionamiento y refrigerarlas durante el mismo. El aire de admisión debe estar muy limpio y fuertemente filtrado para proteger las membranas de la célula.

Las pilas de combustible proporcionan energía constante. Para poder acelerar más y también para precalentar la pila de combustible, se necesita una batería, aunque sea muy pequeña. La pequeña batería debe tolerar muchos más ciclos de carga que una batería grande en un coche eléctrico puro y, por tanto, se degrada más rápidamente.

Algunos dicen que se están promocionando los coches de hidrógeno para que los clientes sigan teniendo que gastar mucho dinero en el mantenimiento en los talleres. Pero estos costes de mantenimiento más elevados no se pueden ocultar a los clientes. Ellos entenderán qué tipo de conducción es más cara y cuál es más barata.

 

Crítica: Emily in Paris – La definición de ‘placer culpable’

Emily in Paris critica

Durante mucho tiempo, estaba en contra del concepto ‘guilty pleasure’ o ‘placer culpable’. Esta frase se le acuña a aquellas series o películas que gustan a alguien pese a no ser del todo buena. Pero la percepción es subjetiva y si algo nos da placer, no deberíamos sentirnos culpable por ello. Twilight, Gossip Girl, las precuelas de Star Wars, son algunas de las producciones que se ganaron este calificativo. Luego está Emily in Paris. El auténtico placer culpable. Los trabajos previamente mencionados solían tener un grupo de fanáticos y detractores , prácticamente, a parte iguales. El caso con Emily in Paris es diferente. Podemos decir que todos estamos de acuerdo en que no es una buena serie y aún así no podemos dejar de verla.

Su primera temporada fue ampliamente criticada por su representación estereotipada de los franceses, su escritura cliché y una protagonista tan encantadora que rayaba en la caricatura; luego generó mucha polémica debido a las dos nominaciones que obtuvo en los Globos de Oro (y posteriormente en los Emmy). a pesar de todo ello, la serie es una de las más populares de Netflix, y la plataforma decidió renovarla por tres temporadas más.

La segunda temporada era la oportunidad perfecta para redimirse. El público más objetivo esperaba que los guionistas corrigiesen los errores más garrafales de la primera y así conceder un show más sólido en esta ocasión.

Todo fue a peor.

Emily in Paris se ha convertido en una parodia de sí misma, porque ha decidido tomarse muy en serio sin detenerse un segundo en enmendar lo que estaba mal en primer lugar. Es risible, es vergonzosa y es tremendamente entretenida. Ni siquiera así podemos dejar de verla, y por supuesto que esperamos las dos temporadas restantes pero ¿por qué?

Emily in Paris es el auténtico placer culpable

Es normal que todas las chicas en plenos veinte años haya deseado aprender francés y mudarse a Paris, tan pronto haya terminado de ver la primera temporada. Porque eso hace Darren Star (creador de la serie), quien tambió creó Sex in the City. Nos maquilla un guión trillado y ridiculamente cliché, con todo el resplandor de un variopinto vestuario y las espectaculares calles parisinas.

Emily in Paris es la historia de Emily Cooper (Lily Collins), una empleada de gran espíritu de una empresa de marketing de Chicago que tiene la oportunidad de ser el punto de vista americano en una empresa de marketing parisina recién adquirida. Los primeros diez episodios siguen a Emily mientras se reúne con clientes potenciales que son jefes de marcas de lujo en París. En cada encuentro con un cliente, Emily les explica el potencial que tienen las redes sociales para hacer que el lujo sea accesible a todo el mundo o crea contenido para su propia página de Instagram, @emilyinparis, que está creciendo.

Un excéntrico diseñador de moda, un arrogante profesor de filosofía y un espeluznante perfumista son solo algunos ejemplos de los personajes que se encuentran en la serie. La trama de la primera temporada está estructurada como una auténtica aventura con múltiples lugares que visitar y personas que conocer.

Camp inconsciente

Desde Thor: Ragnarok no había una mejor representación del género camp hasta que se estrenó Emily in Paris. La gran diferencia es que la película de Taika Waititi es muy auto-consciente y la serie protagonizada por Lily Collins no.

Emily es presentada como una chica perfecta. Es blanca, guapa, inteligente y siempre va a la moda. Sin embargo, lo que vemos es completamente distinto. Es guapa, pero insípida y lo de ‘ir a la moda’ está en tema de juicio, porque su vestuario es espantoso. Se supone que son innovadores, pero en realidad son patéticos. Y tampoco es muy inteligente, siempre está cometiendo atrocidades, en su vida personas y profesiona. Pero a diferencia de otras comedias con protagonistas antipáticos o moralmente ambiguos (como, «BoJack Horseman«, «Fleabag«), Emily nunca es condenada por el programa. Siempre tiene éxito en su trabajo. La gente quiere ser amiga de ella sin ninguna razón. Todos los hombres la desean. No hay repercusiones para sus horribles acciones. Se supone que debemos identificarnos con ella, que queremos ser ella.

La segunda mitad de esta temporada flota sin rumbo en el río Sena. En realidad, no hay mucha sustancia en nada y, más allá de un romance a medias con Alfie, no hay mucho más en lo que hincar el diente. El drama apenas se percibe, el romance se reduce a la mediocridad y no hay escenas dignas de mención, aparte de algunos chistes y decorados diseñados de forma creativa. La segunda temporada de Emily In Paris es un plato de ideas a medias y de decepcionantes callejones sin salida que culminan en un guión desordenado e inconsistente. De alguna manera, esto es peor que la primera temporada.

Con todo esto en mente: ¿Por qué, entonces, la serie es tan popular? ¿Por qué la gente volvió para la segunda temporada y esperan la tercera y la cuarta?

Tan mala que es buena

El atractivo de Emily in Paris es simple y eficaz: Presenta «une vie en rose«. Todos los elementos de la serie aprovechan el escapismo. La serie parece tener lugar en un día presente, aunque no sea el nuestro. No hay pandemia, ni máscaras, ni distanciamiento social, ni restricciones para viajar. Si te ves a ti misma en Emily, entonces su ropa, su trabajo y su romance te presentan una alternativa más encantadora. Si, como yo, estás viendo la serie con odio, igualmente sigues escapando a través de ella. Los directores de la serie saben que a veces es más fácil criticar la realidad de otros que examinar la propia. A pesar de lo mala que es la serie, disfruté viéndola, y probablemente volveré para las dos próximas temporadas. Emily en Paris no tiene por qué ser buena, sino que tiene que estar perfectamente empaquetada, y eso, inequívocamente, lo consigue.

Por qué los Eternos no acabaron con Thanos

Por qué los Eternos no acabaron con Thanos

Los Eternos son alienígenas ancestrales que han vivido en secreto en la Tierra durante miles de años, observando en silencio pero sin inmiscuirse en los asuntos del hombre. Incluyen a Angelina Jolie como Thena y a Richard Madden como Ikaris. Un gran equipo, grandes superpoderes. Los Eternals están en la Tierra para velar por los seres que vivimos en este, para asegurarse que todo fluya bien pero si es así por qué los Eternos no acabaron con Thanos.

Esta es la sinopsis oficial: «Tras los acontecimientos de Vengadores: Endgame, una tragedia inesperada les obliga a salir de las sombras para reunirse contra el enemigo más antiguo de la humanidad» Y no, obvimanete ese enemigo no es Thanos pero ¿por qué?

Por qué los Eternos no acabaron con Thanos

Los internautas se preguntan, con razón, por qué los Eternos no acabaron con Thanos. Cuando la mitad de la población de la Tierra se convirtió en polvo, ¿los Eternos decidieron ignorar eso? ¿No valía la pena salir del aislamiento por una amenaza del tamaño de una galaxia? ¿Dónde estaban esos alienígenas con superpoderes cuando los necesitábamos?

Ahora que lo pienso, todos en el universo Marvel son culpables ¿Dónde estaban los X-men? ¿Dónde estaba Wolverine?

Desde que se publicó el primer tráiler de la película de Marvel de Chloé Zhao, Eternals, muchos han planteado una pregunta bastante obvia sobre su existencia. Principalmente, ¿por qué estos personajes todopoderosos no lucharon contra ninguno de los anteriores antagonistas del Universo Cinematográfico Marvel? La misma directora de la película ha dado una respuesta a los fans.

Cloe Zhao responde…

En una reciente con la revista Total Film, le preguntaron  a la directoar por qué los personajes de los Eternos no ayudaron contra Thanos en las películas de los Vengadores. Aunque Chloé Zhao no dio una respuesta exacta, sí reveló que tiene que ver con su relación con los Celestiales:

«[El público] entenderá por qué. No sólo el por qué, sino lo complicado que les hizo sentir el no interferir. Exploramos eso. Lo verán en la película. Los Eternos recibieron instrucciones de no interferir en ningún conflicto humano a menos que los Desviantes estuvieran involucrados. Hay una razón por la que eso es así. Y esa fue la instrucción del primer Celestial Arishem«.

¿Tiene sentido?

Jack Kirby creó el título en 1976. En los cómics, los Eternos son una rama evolutiva ficticia de la humanidad que posee superpoderes y una vida más larga que los humanos normales. Creados por los Celestiales hace más de un millón de años, estos seres con superpoderes son el resultado de experimentos genéticos que condujeron a la creación de dos razas divergentes: Los Eternos y los Desviantes.

Los Eternos, que a menudo defendían la Tierra de sus monstruosos homólogos, se vieron envueltos en una guerra civil entre ellos sobre si debían o no conquistar a las otras razas. Una de las facciones estaba liderada por Kronos y la otra por su belicoso hermano Uranos. El bando de Kronos acabó ganando el conflicto, mientras que Uranos y sus seguidores fueron exiliados.

Tiene sentido que los Eternos, como seres que están más allá del bien y el mal, literalmente, hayan decidido mantenerse alejado de Thanos y todo le caos que originó.

¿Podría Druig acabar con Thanos?

El actor Barry Keoghan interpreta al miembro de los Eternos Druig en la película, dejó claro que (en su opinión) Druig ni siquiera necesitaría sus poderes de control mental para enfrentarse a Thanos:

«[Druig] podría vencerlo con sus manos«, dijo Keoghan con seguridad. «No necesita el control mental. Druig también es un boxeador bastante bueno«.

En efecto, todos los Eternos son humanoides enormemente avanzados, capaces de hacer más y de soportar más que cualquier humano, mientras que aparentemente nunca envejecen. Cómo se comparan esos poderes con los de Thanos es una pregunta que el Universo Cinematográfico de Marvel puede que nunca responda..

En cualquier caso, si las habilidades de boxeo de Druig no estuvieran a la altura, las películas de Los Vengadores dejaron claro que Thanos es suceptible a los ataques mentales de gente como Mantis, y que un potente trabajo de equipo coordinado puede acabar con él.

 

Por qué Venom no salió en No Way Home

Por qué Venom no salió en No Way Home

Cada vez que se estrena una película de Marvel, Elizabeth Olsen (la actriz que da vida a Wanda) tiene miedo de que sea un fracaso. Para su suerte, eso no ha sucedido aun. No pasó con El Multiverso de la Locura ni con No way home, el último gran fenómeno de la famosa productora que *spoiler* juntó a los tres Spider-Man cinematográficos. Pero es que si somos justos, todo el mundo estuvo allí (como esperábamos), hasta Eddie tuvo su escena post-crédito pero por qué Venom no salió en No Way Home, más allá de esos escasos minutos al final.

Spider-Man: No Way Home puso el broche de oro a la trilogía de Jon Watts aunque también fue un poco amargo para el Peter de Holland, sabiendo que no hay nadie en el mundo que lo recuerden. En pocas palabras, Peter está triste, solo y abandonado. Lo único que tiene son enemigos, por supuesto, así que podría necesitar ayuda de un ‘protector letal’.

Por qué Venom no salió en No Way Home

Si nos vamos al final de Venom: Let There Be Carnage que es la segunda entrega de esta saga, vemos a Eddie Brock (Tom Hardy) y a Venom siendo testigos de una extraña explosión dorada que coincide con la revelación de la identidad de Peter Parker, en particular, llamando la atención del simbionte siempre.

Mientras tanto, en la escena de mitad de los créditos de No Way Home, Eddie y su amigo Venom reciben una clase magistral de todo lo que ha sucedido en el Universo de Marvel estos últimos quince años (Iron Man, Hulk, Thanos, etc.). Gracias a esto, Eddie sugiere que vayan a Nueva York pero no es posible porque en ese instante, el hechizo del Doctor Strange los regresa a todos a sus universos originales y Eddie desaparece en un destello de luz, dejando atónito al camarero.

Lo último que logramos ver en pantalla es una gota negra, que empieza a moverse cuando se corta a negro.

Entonces si Eddie y Venom llegaron hasta las escenas post-créditos de No way home porque no trascendió dentro del curso de la película.

No podría ser uno de los Seis Siniestros

Hay varias razones por las cuáles Venom pudo haber sido excluido de la trama de No Way Home. La primera de estas sería que no tiene cabida entre los Seis Siniestros, no cuando el simbiote ha manifestado sus intenciones de ser ‘un héroe’. La única forma en que este tendría que enfrentarse a Peter sería si realmente cree la mala imagen que le han creado de villano, pero en tal caso tendría que haber hecho equipo con otros que son peores. Lo cual no habría tenido mucha lógica.

Habría sido un villano diferente…

…y por lo tanto tampoco habría tenido mucho sentido.

Todos los villanos que aparecen en No Way Home tienen algo en común: son queridos por el público. Y así como muchos deseábamos verles en pantalla, creo que tampoco nos apetecía verles morir. Y si algo tiene No way home es que es un fan service en todo su esplendor. Por eso cada villano encuentra su camino a la redención. Así que no tiene mucha lógica que Venom fuese uno de esos villanos porque no tiene nada que redimir. Él ha diferencia de los otros, no adquirió sus poderes en un laboratorio. Es solo un alienígena caótico.

Venom saldrá en una nueva película

Si bien no está confirmado, esta es nuestra teoría. Venom podría salir como villano y sumado a los Seis Siniestros, pero no precisamente el Venom de Tom Hardy.

Esa gota negra que vemos al final de los créditos es un nuevo simbionte, no tenemos la menor duda y si está allí es porque probablemente este listo para adherirse a alguien más ¿A Peter? Tal Vez, ¿El de Holland? No lo sabemos.

Mucho se ha especulado de que Sony/Marvel ya están trabajando en una nueva película de Peter Parker, pero no sabemos si del Peter de Tom Holland. Se especula que podría ser con Andrew Garfield como personaje principal. Después de todo es uno de los Spidey más queridos y el único que no consiguió una tercera película. Además, si recordamos, este Peter dice en la segunda película que le encantaría enfrentarse a una película. Así mismo, al final de Morbius, quien se reúne con el Buitre, este último le menciona que hay varios como ellos (villanos) que están dispuestos a enfrentar a Spider-Man, esos villano sí podrían ser los Seis Siniestros.

Si llevamos un poco más allá nuestra teoría, Andrew Garfield ha dicho que pretende alejarse de la actuación un par de meses (podría ser una forma de despistarnos del hecho de estar grabando una película de Spider-Man en secreto? Ya sé, ya sé, es muy difícil rodar una película de tal magnitud en secreto pero se vale soñar y sea con él o no, no tenemos dudas de que pronto tendremos una reunión de Peter y Venom.

Los 5 cráteres más grandes del mundo

Los 5 cráteres más grandes del mundo

Los cráteres más grandes del mundo que estamos a punto de ver, se han formado cuando un meteorito, asteroide o cometa choca contra el planeta. Todos los cuerpos interiores de nuestro sistema solar han sido fuertemente bombardeados por meteoritos a lo largo de su historia. Este bombardeo es claramente visible en las superficies de la Luna, Marte y Mercurio, por ejemplo. En la Tierra, sin embargo, los cráteres de impacto son continuamente borrados por la erosión o transformados por la tectónica a lo largo del tiempo.

No obstante, se han identificado casi 170 cráteres de impacto terrestres en nuestro planeta. Su diámetro oscila entre unas decenas de metros y unos 300 km, y su antigüedad va desde tiempos recientes hasta más de dos mil millones de años. Los cráteres de impacto que aparecen en esta lista son relativamente pequeños y jóvenes, por lo que son más fáciles de detectar. Un ejemplo de cráter de impacto grande y antiguo es el de Chicxulub, con un diámetro de 180 kilómetros. Se cree que el impacto que formó este famoso cráter fue el responsable de la extinción de los dinosaurios, hace unos 65 millones de años.

Los 5 cráteres más grandes del mundo

La mayoría de estos cráteres son apenas reconocibles. Sólo un puñado de ellos ha escapado a la erosión y a la intemperie o muestra las características clásicas que resultan del impacto de un gran meteorito contra la Tierra. Estos son los 1os 5 cráteres más grandes del mundo que ofrecen las imágenes más impresionantes.

Cráter Tswaing

El cráter de Tswaing se encuentra en Sudáfrica, a 40 km al noroeste de Pretoria. El cráter tiene 1,13 km de diámetro y 100 metros de profundidad, con una edad estimada de 220.000 ± 52.000 años. Los manantiales superficiales, las aguas subterráneas y el agua de lluvia han llenado el cráter y lo han convertido en un lago rico en carbonatos disueltos y cloruros de sodio que fue explotado hasta 1956.

Cráter Pingualuit

El cráter Pingualuit está situado en Quebec, en Canadá. Tiene un diámetro de 3,44 km y probablemente se formó por un impacto hace aproximadamente 1.4 millones de años. El cráter se eleva 160 metros sobre la tundra circundante y tiene 400 metros de profundidad. Una masa de agua de 267 metros de profundidad llena la depresión, formando uno de los lagos más profundos de Norteamérica. El lago también contiene una de las aguas dulces más puras del mundo, y tiene una gran visibilidad a 35 metros

Cráter Amguid

cráteres más grandes del mundo

El cráter Amguid está situado en una región remota e inaccesible del suroeste de Argelia. El cráter tiene unos 500 metros de diámetro y 65 metros de profundidad, pero la profundidad real no se ha medido ya que el cráter está parcialmente lleno de arena arrastrada por el viento.

La parte central del cráter de Amguid es plana y está cubierta de limos eólicos. Estos limos refractan la luz, por lo que el cráter parece blanco cuando se ve desde el espacio. Se cree que el cráter se formó hace menos de 100.000 años pero más de 10.000 años.

Cráter de Wolfe Creek

Este cráter de impacto de meteorito, muy bien conservado, está situado en las llanuras del extremo noreste del Gran Desierto de Arena, en Australia Occidental, a unos 150 km al sur de la ciudad de Halls Creek. Mide aproximadamente 880 metros de diámetro, y el suelo del cráter, en su mayor parte plano, se encuentra a unos 55 metros por debajo del borde del cráter y a unos 25 metros por debajo de la llanura de arena del exterior del cráter. En el centro del cráter, el suelo se eleva ligeramente. Aquí crecen algunos árboles sorprendentemente grandes que extraen la humedad de las reservas de agua del cráter que quedan después de las lluvias de verano.

Cráter de Barringer

El cráter de Barringer, cerca de Winslow, en el desierto del norte de Arizona (Estados Unidos), no sólo es el más bello y uno de los cráteres de impacto mejor conservados de la Tierra, sino que su descubrimiento supuso un punto de inflexión en la ciencia geológica.

Antes de que Daniel Barringer demostrara de forma concluyente que el cráter fue creado por el impacto de un meteorito y no por el vulcanismo, los geólogos no creían que los meteoritos desempeñaran ningún papel en la geología terrestre. Incluso los cráteres de la Luna se atribuían a los volcanes. Desde el descubrimiento de Barringer, se han identificado numerosos cráteres de impacto en todo el mundo. Hoy en día está ampliamente aceptado que los impactos de meteoritos han determinado de forma significativa la historia geológica y biológica de la Tierra, desde el origen del agua y la extinción de los dinosaurios hasta el origen de la propia vida.

El cráter Barringer tiene unos 1.200 metros de diámetro, 170 metros de profundidad y está rodeado por un borde que se eleva 45 metros por encima de las llanuras circundantes. Se formó hace 50.000 años.

Entrevista a Elsa Garcia, la mente brillante detrás de ‘Por las grietas de Zoe’

Cada día me doy cuenta de que de esta mujer me leería hasta la lista de la compra , por favor que bonita es la pluma que tiene, que te hace meter en la historia con una forma de escribir muy fresca cotidiana...” Así empieza la reseña de ‘Por las grietas de Zoe’ que hace una usuario de Goodreads. Y tiene razón. Elsa Garcia tiene un don peculiar para escribir historias románticas, frescas, orgánicas. Historias fantásticas pero que se sienten reales.

En NeoStuff tuvimos el placer de conversar con ella y aquí traemos los que ns contó.

Sigue leyendo para descubrir un poco más de esta autora que merece toda nuestra atención.

Entrevista a Elsa Garcia

NEOSTUFF: Tus libros, que son romance contemporáneo, un género popular en estos días, tienen la virtud de ofrecer historias muy peculiares, y refrescantes ¿de dónde viene la inspiración para escribir historias que se sientan cotidianas pero únicas a la vez?

ELSA GARCIA: Realmente, me limito a escribir sobre cosas o personajes que me gustaría encontrar a mí como lectora. Casi siempre, más que idear personajes, ideo situaciones: una chica con un trastorno de la alimentación, una pareja que se queda atrapada en una tormenta de nieve, alguien que tiene que enfrentarse al duelo, un chaval que sufre una situación racista que le marca, un chico que afronta que no existe una sola sexualidad válida… Creo que hay muchas personalidades y muchas vivencias que todavía están buscando voz y visibilidad entre las páginas de los libros, así que me gusta aportar mi granito de arena.

N: Dicen que cada escritor impregna a sus personajes con algo propio ¿Hay algo de Elsa en tus personajes?

EG: Sí, por supuesto, en todos. Creo que es imposible escribir trescientas páginas de una novela y no dejar en ellas una idea propia, un recuerdo de tu niñez, una anécdota que viviste, una forma de entender el mundo… Ninguno de mis personajes es yo, pero todos son míos, así que todos tienen rasgos de su madre.

N: Tu Instagram es fabuloso, hay mucho contenido relacionado a tus libros y como lectora, es algo que agradezco ¿También utilizas las redes sociales como inspiración al momento de escribir?

EG: Jo, muchas gracias. Me gustan mucho las redes, me lo paso bien con ellas (cualquiera que haya visto mis reels puede dar fe, jeje), aunque reconozco que para inspirarme a la hora de escribir soy más de escuchar música, aunque tengo Pinterest temblando con tableros llenos de musos y musas. Adoro buscarlos antes de sentarme a contar la historia. Formo las personalidades de los protagonistas en mi cabeza y luego busco a personas que, para mí, reflejen esos rasgos. Emma es dulce. Zoe es descarada. Connor es duro. Gabi… Es Gabi. Los musos que elija tienen que reflejar eso, y hasta que no los tengo, no empiezo a escribir, porque me gusta imaginar sus caras al colocarme frente al teclado.

Quien te quiere no te controla, no te exige y no te daña. Eso no es amor, y creo que es importante que las personas, especialmente las más jóvenes, lo entiendan.

Elsa Garcia.

N:  ¿Qué autores te inspiran también?

EG: Andrea Longarela, Ana Draghia y Alice Kellen tienen una forma de contar las historias que me parece magia. La mayoría de las veces no se trata de qué se cuenta, sino del cómo. Y para mí, ellas lo hacen con un sentimiento y una intensidad que encuentro en pocos lugares.

N: Estamos viviendo el resurgir de las adaptaciones de libros al cine y televisión. Después de las grandes sagas, parece que es el momento de las historias románticas, tanto dramas, cómo comedias ¿Te gustaría ver una de tus historias en la gran pantalla o en alguna plataforma? ¿cuál?

EG: Coño, ¡todas! (Risas). Creo que ese es un sueño que ni me atrevo a tener, queda demasiado lejos, pero sí, claro que sería increíble oír hablar a Hana, verla interactuar con Víctor y Gabi, porque, quizá, sería a la que elegiría si me diesen la oportunidad. «Joder si te quise…» sigue teniendo algo de especial para mí de todas las novelas mías que están publicadas hasta ahora.

N: Hablando de adaptaciones, muchas de estas películas han sido criticadas porque las historias no son muy sanas. Hace diez años era normal leer y romantizar este tipo de historias, hoy los lectores son más conscientes de las «red flags». Al momento de escribir ¿procuras omitir acciones en tus personajes que puedan ser tomadas como negativas?

EG: Supongo que sí, aunque no por quién pueda leerlo, sino porque no me gustan a mí. Quiero decir, nunca voy a decir que un personaje no tenga celos en un momento dado, porque ese tipo de sentimientos no se controlan, pero sí voy a hacer que esos celos no se conviertan en posesividad ni en algo feo, en algo que crea que debe exteriorizar entre gritos o peleas, porque eso no lo hace alguien que te quiere bien. Quien te quiere no te controla, no te exige y no te daña. Eso no es amor, y creo que es importante que las personas, especialmente las más jóvenes, lo entiendan.

N: ¿Puedes compartir con nosotros tu rutina al momento de escribir?

EG: Mi rutina es que no tengo rutina. Soy un desastre y lo reconozco (Risas). A ver, yo además de escribir tengo otro curro que me paga las facturas, así que tengo que adaptar mis tiempos de escritura a mi jornada laboral. Lo bueno es que teletrabajo mucho, así que casi todas las semanas puedo sacar, aunque sea, tres días para sentarme en calma y teclear tres horas seguidas. Eso sí, nunca me siento a hacerlo si no tengo, como mínimo, un par de horas de calma por delante.

N: ¿Qué opinas de las plataformas en línea para escribir/leer como Wattpad?

EG: Estoy bastante a favor, la verdad. Creo que ese tipo de plataformas abre un mundo de lectura a jóvenes que, de otra forma, quizá nunca cogiesen un libro. Wattpad ha creado a muchos nuevos lectores, eso es algo que no se puede negar. Hay historias de todo tipo, por supuesto: algunas que necesitan mucha revisión y corrección, otras tantas que romantizan esas relaciones tóxicas que mencionabas antes… Pero también hay potencial y calidad; y, sobre todo, una comunidad que disfruta comentando lo que lee y enamorándose de las letras, que siempre me parecerá algo positivo.

https://twitter.com/elsa_garcia_/status/1523958609440387072

N: ¿Cuándo te diste cuenta de que querías ser escritora?

EG: Cuando tenía unos ocho años soñaba con ser cantante. Cuando cumplí los trece, cambié el micro por la pluma en mis sueños. Elegí periodismo como carrera porque pensé que era lo más parecido que podría encontrar, así que supongo que desde hace mucho. En atreverme a intentarlo tardé bastante más.

N: ¿Te encuentras trabajando en algún nuevo proyecto? Si es así ¿podrías adelantarnos algo?

EG: Siempre estoy trabajando en nuevos proyectos, no sé no estar escribiendo. Ahora mismo estoy en la fase final del Proyecto Reina. He hablado un poco de él por redes y he presentado a Cora, su protagonista, una chica a la que conocemos desde que es una niña y con la que vamos viendo las situaciones cotidianas por las que pasa una persona con sobrepeso, las «bromas» que escucha desde chica, esas a las que la mayoría no dan importancia y que pueden acabar marcando a quien las vive.

N: ¿Podrías enviar un saludo a los lectores de Nestuff?

Pueden seguir a Elsa a través de sus redes sociales en instagram y twitter y estar atento a sus nuevas historias.

Las arañas más venenosas del mundo

las arañas más venenosas del mundo

Estaría bien si clasificar a las arañas como las diez más bonitas del mundo o las cinco mejores, pero no lo es. Sencillamente, no es fácil. Ni siquiera es fácil clasificar las arañas más venenosas del mundo porque muchas lo son. Por ejemplo, algunas de las mismas especies de arañas mortales pueden tener diferentes cargas de veneno.

A pesar de este hecho, hoy trataremos de reunir a las arañas más venenosas del mundo. Si llegas a ver alguna de las que mencionaremos en la lista, es mejor que salgas corriendo.

Las arañas más venenosas del mundo

Mucha gente odia a las arañas, lo que es una pena, porque las arañas son criaturas muy interesantes. Son beneficiosas para los seres humanos y, por supuesto, para todo el ecosistema natural en su conjunto.

Las arañas se definen por tener ocho patas articuladas, sin alas, sin antenas y sólo dos secciones del cuerpo: el tórax y el abdomen. Las arañas pasan toda su vida capturando y comiendo unos 2.000 insectos al año, y si la mayoría de esos insectos comidos son mosquitos, nos parece bien.

Es comprensible que, a pesar de que las arañas hacen mucho bien a nuestro entorno, la mayoría de la población las teme mucho. Probablemente porque en general son criaturas horribles. Aceptémoslo, si las arañas se parecieran a las focas bebé a todo el mundo le gustarían. La mayoría de las arañas se matan sólo porque son feas y asustan a la gente, no porque sean realmente peligrosas para los humanos.

Una araña suele morder a un humano porque se asustó y muerde para defenderse. Las arañas prefieren vivir en zonas tranquilas, como los rincones de la casa o el jardín, donde pueden atrapar y alimentarse de otros insectos feos en paz.

Sin embargo, sí, hay arañas mortales y hoy te las resumimos en esta lista.

Tarántula ornamental de flecos (Poecilotheria ornata)

A pesar de su formidable aspecto, las tarántulas son unas de las criaturas más inofensivas del mundo de las arañas, ¡e incluso son buenas mascotas! La mayor parte del veneno de las tarántulas es muy poco tóxico para el ser humano, y sus picaduras se comparan a menudo con una leve picadura de abeja. No se han registrado muertes por mordeduras de tarántulas y, de hecho, los amantes de las tarántulas suelen decir que la inflamación provocada por sus diminutos pelos es lo peor que pueden provocar estas arañas.

Por desgracia, eso no es cierto en el caso de la tarántula ornamental de flecos. Esta araña de 10 pulgadas es nativa de Sri Lanka y es una de las arañas más venenosas del mundo. Su picadura no mata (a los seres humanos, claro), pero provoca un dolor extremo, espasmos musculares y calambres. La hospitalización es muy probable después de una mordedura de este arácnido.

Afortunadamente, la araña ornamental de flecos no es agresiva, pero puede estar a la defensiva y morder si se siente amenazada. También se mueven rápidamente, por lo que siempre se recomienda tener precaución al interactuar con estas tarántulas.

Araña ratón (Missulena)

La araña ratón puede parecer simpática, pero dista mucho de su inofensivo homólogo mamífero. Hay veintiuna especies de la araña ratón, la mayoría de las cuales son autóctonas de Australia.

Estos arácnidos negros, azules y rojos tienen un veneno muy tóxico y sus picaduras pueden causar un intenso dolor. A pesar de ello, las mordeduras de la araña ratón no son significativamente peligrosas, y los efectos más graves son raros. Las arañas ratón atacan si se las provoca, pero no son especialmente agresivas.

Viuda parda (Latrodectus geometricus)

Todos conocemos a la viuda negra, pero ¿qué hay de su prima menos famosa, la viuda parda? Aunque no sea tan tóxica, no es un arácnido con el que quieras cruzarte. Se cree que la viuda parda es endémica de África o Sudamérica, pero puede encontrarse en varios continentes y países insulares. La mordedura de la viuda parda no es grave ni letal, pero puede causar efectos secundarios desagradables. Como neurotoxina, puede provocar dolor y rigidez muscular asociados al síndrome de latrodectismo, causado por el veneno de la araña Latrodectus.

Aunque se cree que el veneno de esta araña es tan tóxico como el de la viuda negra, no puede administrar la misma cantidad de veneno en una sola picadura, lo que provoca efectos menos graves. La viuda parda evita a los humanos y sólo muerde en condiciones extremas, por lo que, aunque es una de las arañas más venenosas del mundo, sus mordeduras son poco frecuentes.

Araña de arena de seis ojos (Sicarius)

Se sabe que una araña debe ser peligrosa cuando su nombre en latín (Sicarius) se traduce como «asesino«. Estas arañas de color marrón pálido se encuentran en el hemisferio sur; algunas especies residen en los desiertos del sur de África, mientras que otras sólo pueden encontrarse en Sudamérica. Pertenecen a la familia Sicariidae y están estrechamente relacionadas con la araña reclusa parda.

Se dice que la araña de arena de seis ojos tiene uno de los venenos de araña más letales conocidos por el hombre. Su veneno es una potente citotoxina, lo que significa que puede causar daño o muerte celular. Es a la vez necrótico, causando la muerte prematura de las células, y hemolítico, destruyendo directamente los glóbulos rojos. Esta es una araña con la que no quieres meterte.

Te preguntarás, si su picadura es tan mala, ¿por qué no está más arriba en la lista? Bueno, la araña de arena de seis ojos vive en condiciones extremadamente inhóspitas en un terreno desértico, por lo que es bastante raro que un humano se encuentre con ella. Su efecto tóxico sobre los humanos sólo se ha registrado dos veces en el último siglo.

Reclusa chilena (Loxosceles laeta)

Dentro del famoso género de arañas reclusas venenosas, se dice que la reclusa chilena es la más peligrosa de todas las arañas reclusas. Es endémica de Sudamérica, aunque se ha introducido en Estados Unidos, Canadá y Australia. Esta araña es especialmente prolífica en Chile.

Aunque el veneno de la reclusa chilena puede ser muy tóxico para los humanos, sus efectos varían mucho según la picadura. Una mordedura pequeña puede sólo irritar la piel, mientras que una mordedura profunda puede causar necrosis (muerte celular prematura) y heridas graves, con un 3% de las mordeduras en Chile con resultado de muerte. Se deben aplicar inmediatamente compresas de hielo y gel de aloe vera en una mordedura, pero se recomienda una visita al hospital en todos los casos.

Al igual que la tarántula ornamental de flecos, estas arañas no son agresivas y suelen cazar de noche. Pero a diferencia de la tarántula, la reclusa chilena no es una especie rara. En Chile, se dice que hasta el 50% de los hogares tienen habitantes de la reclusa chilena.

Araña de espalda roja (Latrodectus hasselti)

También conocida como viuda negra australiana, la araña de espalda roja es otra especie de araña del género Latrodectus, y se encuentra en Australia, Nueva Zelanda y el sudeste asiático. Su aspecto es muy similar al de su prima norteamericana, la viuda negra, con una franja roja que recorre su espalda (de ahí su nombre).

Al igual que la viuda negra, la araña de espalda roja es muy venenosa y su picadura debe tratarse con la máxima precaución. Los síntomas de una picadura de araña de espalda roja incluyen los efectos del latrodectismo (dolor, rigidez muscular, vómitos y sudoración), y no es raro que el dolor sea intenso durante más de 24 horas. Los casos más graves pueden provocar insuficiencia respiratoria o la muerte, sobre todo en niños pequeños.

Viuda negra (Latrodectus mactans)

No sería una lista de las arañas más venenosas del mundo sin la famosa viuda negra. Hay más de treinta tipos diferentes de estas arañas, que se identifican fácilmente por su cuerpo negro, regordete y brillante, y por las marcas rojas brillantes de su abdomen. Son nativas de Norteamérica y se encuentran principalmente en EE.UU. y Canadá, donde se calcula que se producen unas 2.500 mordeduras al año.

Las mordeduras de una viuda negra pueden ser muy graves, por lo que se recomienda un tratamiento inmediato. Los resultados pueden variar desde sudoración y escalofríos hasta náuseas y dificultad para respirar, pasando por convulsiones y la muerte en casos graves. Antes de que se descubriera su antídoto, la mordedura de la viuda negra tenía una tasa de mortalidad del 5%, que ahora se ha reducido al 1%, y con el antídoto es muy poco probable que maten a un adulto sano.

La araña errante brasileña (Phoneutria)

También conocida como araña armada, la araña errante brasileña es un género de arañas que se encuentra principalmente en América del Sur y Central. Se denominan así por su tendencia a abandonar sus telas y vagar por la noche.

En la actualidad, son una de las arañas más venenosas del mundo, con un veneno neurotóxico que puede causar fuertes dolores, convulsiones y la muerte en algunos casos. Los primeros síntomas de una picadura de estas arañas incluyen sudoración, piel de gallina y sensación de ardor en las zonas afectadas. Existe un potente antiveneno para tratar estas picaduras, pero las personas afectadas deben buscar atención médica inmediata.

Tela de embudo de Sydney (Atrax Robustus)

La primera de la lista es la araña de tela de embudo de Sídney, que se considera una de las arañas más peligrosas del planeta. El nombre de «tela de embudo» proviene de las madrigueras y telas en forma de embudo que estas arañas construyen y en las que viven. Pertenecen a la familia de las arañas Atracidae y se encuentran principalmente en el este de Australia.

Se cree que el veneno de la araña de tela de embudo es más tóxico para el ser humano que el de cualquier otra especie de araña, y los efectos secundarios de su picadura pueden incluir vómitos, espasmos musculares, problemas respiratorios, coma y muerte. En casi todos los casos, cabe esperar un dolor intenso tras la mordedura. La mordedura de una araña embudo de Sidney se considera una emergencia médica, ya que la falta de antiveneno puede provocar la muerte.

A diferencia de muchas de las arañas de esta lista, la telaraña embudo es bastante agresiva, lo que la convierte en una araña especialmente peligrosa de encontrar en la naturaleza. Si se siente amenazada por la presencia humana, es más probable que ataque a que huya.

Reseña: Conversations with friends – Sally Rooney y los peligros de la juventud

Conversations With Friends reseña

Hace dos años se estrenó la maravillosa Normal People, convirtiéndose en el éxito televisivo de 2020. Debido a la popularidad, decidí darle una oportunidad y quedé fascinada por la misma, así que decidí leer el libro. Y una vez que lo terminé me di cuenta que necesitaba más de Sally Rooney en mi vida. Cuando me enteré que, gracias al éxito de Normal People, su novela debut también sería adaptada, supe que tenía que leerla. Y aquí estoy, fascinada una vez más por la narrativa de esta autora irlandesa. En esta ocasión gracias a Conversations With Friends, una novela muy inteligente sobre dos estudiantes universitarias y la extraña e inesperada conexión que establecen con un matrimonio.

¿De qué va Conversations with Friends?

Frances tiene veintiún años, es fría y observadora, estudiante universitaria y aspirante a escritora, que convive con la infinitamente autodidacta Bobbi, su mejor amiga y ex-novia. Las dos jóvenes interpretan juntas poesía hablada en Dublín, donde una periodista llamada Melissa descubre su potencial. Atraída por la órbita de Melissa, Frances queda impresionada por la sofisticada casa de la mujer y su alto y apuesto marido. Sin embargo, Frances cree que la propiedad privada es un mal cultural, y Nick, un actor aburrido que nunca ha estado a la altura de su potencial, parece el patriarcado hecho carne. Pero por muy divertido que parezca su coqueteo al principio, da paso a una extraña intimidad que ninguno de los dos espera.

Escrita con una precisión brillante y mucha inteligencia, Conversaciones entre amigos es una oda a los los placeres y peligros de la juventud.

Personajes brillantes pero rotos

Sally Rooney es una de las autoras que adoro pero que no podría recomendar a todo el mundo. Tiene un nivel de imprevisibilidad que hace que nunca sepas lo que vas a sentir al leer sus libros. Creo que hubo algunas partes en las que yo misma no quería que me gustara este libro. Especialmente porque resultó ser más que conversaciones, y algunas personas son realmente más que amigos.

Lo que más me llama la atención de esta novela es lo vulnerables que son todos. Aquí tenemos un montón de seres muy inteligentes y elocuentes, pero en el fondo, todos tienen sus propios conflictos.

Sin embargo, si comparo esta novela con Normal People (es difícil no hacerlo), puedo percibir que Sally Rooney tiene esta peculiaridad al momento de escribir sus novelas: sus personajes están llenos de personajes defectuosos, pero en última instancia simpáticos, y aunque se ven enredados en todo tipo de situaciones problemáticas, sigo estando emocionalmente involucrada con el bienestar de cada uno.

Lo que me encanta de la forma en que escribe Sally Rooney es cómo es capaz de mantener el control incluso de las emociones más intensas. Al leer sus historias, me siento tan nerviosa y relajada al mismo tiempo. Conversations with friends es una exploración íntima de la amistad y el amor. Un trabajo hermoso y espectacular.

Este libro presenta unos personajes maravillosamente inquebrantables; estas personas son sin complejos ellos mismos y se niegan a doblegarse por una trama. Frances, Bobbi y Nick -a través de los diálogos y los detalles específicos- están ricamente caracterizados y proporcionan una dinámica que está constantemente en ebullición. En sus interacciones, no se desperdicia ni una sola palabra; cada escena está cargada de tensión.

Historia de millennials para millennials

Rooney tiene una forma única de describir los sentimientos. Hablando a través de Frances, insufla sensibilidad millennial a sus personajes, tal como ya lo hacía en Normal People a través de Connell y Marianne. Frances es sensible e inteligente, o demasiado sensible e inteligente, hasta el punto de que estas cualidades empiezan a jugar en su contra, como siempre ocurre. Su sensibilidad la hace muy consciente de sí misma, y su inteligencia le da un gran ego. Se presenta como una persona autocomplaciente y autoimportante al mismo tiempo.

Pone a las personas que quiere en un pedestal. Cuando Frances mira a Bobbi, a Melissa o a Nick, lo hace con una lente de admiración. Le llama la atención su sofisticación, su éxito y la facilidad con la que se mueven por el mundo. Bobbi dice que cuando a Frances le gusta alguien, piensa que es especial y le hace sentir diferente a los demás. «Soy una persona normal», dice Bobbi. Pero, cuando Frances se siente mal, piensa en lo inteligente que es, e inmediatamente se siente mejor.

Gran parte de las interacciones de los personajes también se producen a través de correos electrónicos y mensajes de texto, precisamente la forma en que los millennials están acostumbrados a comunicarse entre sí.

Aunque los personajes centrales se utilizan eficazmente para el conflicto, a veces parecía que los personajes secundarios eran olvidables. Debido a los momentos fantásticamente rápidos con Frances, Bobbi y Nick, otras escenas con una serie de personajes minúsculos se sentían lentas y largas. A pesar de ello, los acontecimientos de esta historia son únicos, reflexivos e interactivos. Fluyen constantemente. Pero, más allá, nos obligan a considerar nuestras propias relaciones. Esta novela nos pregunta: ¿Quién eres tú? ¿Quiénes son tus amigos?

El final de Conversations with friends es uno de los que se graban en la memoria. Al llegar a la última frase, te sentirás a la vez optimista y triste. Te hará cuestionarte muchas cosas pero es ese precisamente el propósito de la historia.

Crítica C’Mon C’Mon. Siempre Adelante – Mike Mills y su disección familiar

Crítica C’Mon C’Mon

Personalmente encuentro a Mike Mills como uno de los cineastas más interesantes en el panorama actual. Su cine, netamente independiente y de autor, ha estado inspirado mayormente por sus propias vivencias familiares. Sus dos obras más recientes, Beginners y 20th Century Women están inspiradas en su madre y en su padre, respectivamente. Ahora, con C’Mon C’Mon. Siempre adelante, que llegó a los cines mexicanos el pasado viernes, toma la iniciativa de escribir sobre él, como documentalista y como padre.

El resultado de la tercera entrega de esta trilogía (padre, madre, hijo), es un resultado portentoso, bastante intimista que nos recuerda porque su cine es de lo mejor que hemos visto en la última década: nadie capta la interacción humana-familiar como Mike Mills.

¿De qué trata ‘C’Mon C’Mon. Sigue adelante’?

Johnny (Joaquin Phoenix) es un periodista de radio quien vive en Nueva York pero que viaja por todo el país para entrevistar a los jóvenes sobre sus ideas acerca del futuro. Cuando se entera de que su hermana Viv (Gaby Hoffman) necesita ayudar a cuidar al padre de su hijo Paul (Scoot McNairy), que tiene problemas de salud mental, Johnny se ofrece a cuidar de su sobrino.

Jesse, de nueve años, es inusualmente precoz, un niño extraño que se deleita en fingir que es huérfano sólo para pedirle a su madre (o ahora, a su tío) que lo acoja. Johnny no está seguro de cómo tratarlo al principio, ya que no está acostumbrado a estar cerca de su sobrino y no tiene hijos. Pero los dos no tardan en entablar una conversación constante que dará pie a una conexión entre ambos.

Mills y el arte de capturar la interacción humana

Quien esté familiarizado con el cine de Mills sabrá que el atractivo de sus películas reposa en su singularidad para retratar las interacciones humanas. Algo que plasma de una forma muy orgánica a través de los diálogos.

En Beginners, el personaje de Ewan MacGregor debatía sobre el significado del amor con una extraña interpretada por Melanie Laurent mientras exploraba a fondo la relación con su padre. En 20th Century Women, el personaje principal, un chico adolescente, forjaba su personalidad a través de sus relaciones con su madre, dos amigos (mucho mayores que él) y su interés amoroso. En esta ocasión, Johnny, interpretado por Joaquin Phoenix, busca reparar viejas heridas con su hermana, y el proceso inicia una nueva conexión con su sobrino.

Nos enteramos de que Johnny y Viv estaban algo distanciados a través de flashbacks en los que los hermanos atienden a su madre (Deborah Strang) en su lecho de muerte.  Y es que aunque la película separa rápidamente a los dos, también se trata de su reconexión, que Mills logra hábilmente.  Incluso el conflicto entre los hermanos surge de culpas y malentendidos mal planteados- pero de una manera que se siente reconfortante. Es hermoso ver cómo Johnny llega a comprender y apreciar más a su hermana mientras cuida de su hijo. En muchos sentidos, C’mon C’mon es un homenaje a la maternidad y a todos los que cuidan de los niños. Reconoce no sólo el amor de Viv por su hijo, sino su abnegación y su voluntad de cuidar a su pareja mientras ésta pasa por un momento difícil. Y lo que es mejor, es un placer ver a Phoenix y Hoffman actuar juntos, dos hermanos físicamente creíbles tanto en apariencia como en movimiento.

Mills y el interés por el futuro

Algo curioso respecto a la película es que es la primera vez que el director muestra interés por el futuro, literalmente. Sus dos películas anteriores abrazaban el pasado, probablemente por estar inspiradas por sus años más jóvenes. Pero ahora que el director es padre, tal vez haya despertado que él, como Johnny, se pregunte realmente qué nos depara el futuro, especialmente para esos jóvenes como Jesse o los entrevistados que están empezando la vida.

La película se ve muy reforzada por los fragmentos de las entrevistas que vemos a Johnny con preadolescentes y adolescentes de todo el país, que eran entrevistas reales sin guión y con respuestas genuinas. La compañera de Johnny, Roxanne, está interpretada por la periodista de la radio pública Molly Webster. Es a la vez descorazonador y alentador escuchar a estos chicos hablar de los problemas del mundo tal y como los perciben; son refrescantemente conscientes de los problemas, pero también muy optimistas sobre el futuro.

Un dúo de oro

C’mon C’mon es un magnífico recordatorio de que, aunque haya ganado su Oscar por interpretar el papel principal del Joker, Joaquin Phoenix es excelente representando personajes tanto introspectivos como extravagantes y oscuros. Su Johnny está en el grupo de los primeros, un personaje que pasa gran parte de la película leyendo, ya sea libros para adultos o El Mago de Oz a Jesse, y reflexionando sobre las entrevistas que ha grabado. Hay una sinceridad en su actuación que fundamenta toda la película.

Sin embargo, la verdadera estrella de C’mon C’mon no es Phoenix, sino Woody Norman en su primer papel importante en una película. Igualar el talento de Phoenix no es poca cosa, incluso para un actor adulto, y Norman es capaz de seguirle el ritmo a la perfección. La pareja tiene una excelente química y ambos tienen la capacidad de llevar a cabo los momentos más cómicos de una manera que parece realista. Norman hace que Jesse se sienta como un niño de verdad: entrañable y casi asombroso a la vez que exasperante y odioso.

En C’Mom C’Mon. Sigue adelante, Mike Mills demuestra una vez más que tiene la habilidad con sus películas de crear algo que se siente profundo sin ser pretencioso. La magnífica fotografía en blanco y negro de Robbie Ryan y la hermosa y tranquila partitura de Bryce y Aaron Dessner contribuyen a esta sensación de profundidad. Aunque estemos presenciando algo bastante corriente, hay una sensación de algo más profundo e importante cuando los dos se unen.

A algunos les parecerá que C’mon C’mon es demasiado lenta, pero su ritmo tranquilo la hace aún más impactante. Es el tipo de película en la que no puedo evitar querer vivir para siempre; aunque se basa en la realidad, también proporciona un respiro de un mundo demasiado ajetreado y caótico. Aunque gran parte de esto se debe a las excelentes interpretaciones, también es un testimonio del fantástico guión de Mills. Si algún día tengo un hijo y no es como Jesse, me sentiré muy decepcionado.

https://www.youtube.com/watch?v=nhETHi1xPiI

 

20 canciones para dedicar el Día de las Madres

Canciones para dedicar el Día de las Madres

Los detalles siempre importan: un libro que tu mamá estaba deseando leer hace tiempo, un nuevo teléfono, una tablet para que vea sus series y películas favoritas. Y la lista de opciones sigue. Sin embargo, a veces son los detalles más pequeños los que hacen encoger el corazón de pura emoción. Si no se te da bien expresar tu cariño, puedes optar por frases o algo más artístico: Canciones para dedicar el Día de las Madres. Aprovechando que la celebración está a la vuelta de la esquina, hemos reunidos varias canciones para que se las dediques a tu mamá en su día.

Canciones para dedicar el Día de las Madres

Son perfectas para amenizar la celebración de su día, para colocarlas como fondo musical de una recopilación de imágenes y recuerdos o simplemente para hacerle saber cuánto la amas. Estas son algunas canciones para dedicar el Día de las Madres a esa mujer que te dio la vida.

«Slipping Through My Fingers» de ABBA

A las mamás que desean ralentizar el tiempo porque sus bebés están creciendo demasiado les encantará esta balada de ABBA (y que aparece en Mamma Mía).

«The Best Day» de Taylor Swift

Taylor Swift escribió esta canción sobre los mejores días con su madre mientras crecía, desde jugar en un huerto de calabazas hasta distraerla después de una pelea con sus amigos. Es nostálgica y enternecedora a partes iguales y hará que quieras ver todos tus viejos vídeos caseros.

«Mother» de Sugarland

Coge los pañuelos para esta canción porque pensarás en tu propia madre o en tu viaje como madre. Es una canción que hace llorar de la mejor manera posible.

«Lullaby» de The Chicks

Esta canción pinta una imagen maravillosa de la maternidad. Canta sobre ver a tu bebé dormir, prometiendo amarlo para siempre, y asegurando que, sin importar dónde estén si cierran los ojos podrán escuchar tu voz como si estuviera con ellos.

https://www.youtube.com/watch?v=AtAeCEuBdH0

“Nadie Como Tú” de La Oreja de Van Gogh

Esta canción es perfecta para dedicársela a tu mamá si quieres hacerle saber por qué es la mejor. Podrás decirle por qué la amas y cuan importante es para ti.

«Cover Me In Sunshine» de Pink

«Cover Me In Sunshine» fue escrita por Pink y su hija Willow durante los encierros de Covid, pero aunque la canción no habla explícitamente de las madres, la esperanza y el optimismo de la letra describen de alguna manera cómo se siente el amor de una madre. Por no hablar de que Willow, que entonces tenía 9 años, ayuda a su madre cantando con ella durante toda la canción, y si eso no es una prueba del vínculo madre-hija, ¿qué lo es?

«Superwoman» de Alicia Keys

Una balada conmovedora y empoderadora sobre las mujeres, y las madres, que superan los días malos y luchan por los buenos.

«I Called Mama» de Tim McGraw

Tim McGraw sabe cómo escribir una canción country que toque tu fibra sensible. En «I Called Mama», canta sobre la devastadora noticia que le dio un amigo sobre otro amigo, y cómo eso le llevó a tomarse unos minutos para sí mismo, a escribir una canción y a llamar a su madre, cosas para las que no tenía suficiente tiempo antes de recibir la mala noticia. Es un dulce recordatorio para llamar a tu propia madre, ya sea porque necesitas su apoyo mientras lloras o simplemente para saludarla.

«Mother» de Ashanti

En esta canción, Ashanti canta sobre las cosas que le enseñó su madre y le atribuye el mérito de la mujer que llegó a ser. Mucho aprecio y amor en una sola canción.

«You’ll Be In My Heart» de Phil Collins

Puede que recuerdes esta dulce canción de Tarzán, pero incluso si no has visto la película, puedes sentir todo el amor en la letra. La canción está escrita desde la perspectiva de una madre a su hijo y no hay duda de que te hará llorar. En sólo unas pocas letras, Phil Collins consigue resumir la feroz protección que una madre siente por su bebé.

“Mi novia se me está poniendo vieja” de Ricardo Arjona

“Ella es mi novia desde que me acuerdo. Amor del bueno desde que la vi”. ninguna canción podría hablar tan bien del amor de un hijo a su madre como esta. Esa clase de amor que sentimos desde muy pequeños aun sin saber que realmente es amor. Un sentimiento indescriptible.

«You Can Finally Meet My Mom» de Train

Técnicamente, esta es una canción de amor, no una canción del Día de la Madre, pero si estás celebrando a tu difunta madre este Día de la Madre, entonces verás por qué es tan apropiada. Pat Monahan, vocalista de Train, escribió esta canción sobre cómo, después de morir, esperará en el cielo hasta que su mujer se reúna con él, y cuando lo haga, no se reunirá con todos sus ídolos musicales, sino que será lo suficientemente feliz como para estar con ella. Y, como extra, una vez que su mujer llegue allí, podrá conocer por fin a su madre, que murió antes de que ellos estuvieran juntos.

«I’ll Stand By You» de The Pretenders

Esta canción te hará sentirte muy bien, tanto si piensas en el amor de tu madre por ti como en tu propio amor por tus hijos. Trata de ese amor feroz que consiste en apoyar a alguien sin importar lo que ocurra.

«The Wish» de Bruce Springsteen

Puede que tenga algunas décadas de antigüedad, pero esta es una canción que puede ser apreciada por cualquier persona con buenos recuerdos de la infancia de su mamá, sin importar cuándo haya nacido.

“Madrecita Querida” de Vicente Fernandez

“Madrecita querida, mil perdones te pido, si por esa traidora, te deje en el olvido.” Esta canción es perfecta para pedirle perdón a tu madre si ese fuese el caso.

 «Sweet Love Of Mine» de Joy Williams

Aunque la versión completa es maravillosa, la versión acústica despojada de esta canción de una madre a su bebé tiene tanta emoción. Joy Williams canta a su hijo, agradeciéndole que haya venido al mundo.

 «Mom» de Meghan Trainor

Perfecta para bailar y cantar, el estribillo de esta canción es una dulce declaración de amistad y amor: «Puede que tengas una madre/puede que sea genial/ Pero nadie tiene una madre como la mía / Su amor es hasta el final, es mi mejor amiga / Nadie tiene una madre como la mía».

«Mother» de Kacey Musgraves

Es una canción corta, de poco más de un minuto, pero llena de amor. En ella, Kacey Musgraves canta sobre estar lejos de su madre y echarla de menos y luego reflexiona sobre el hecho de que su propia madre probablemente también esté sentada allí y echando de menos a su propia madre.

«Two Of Us», de Louis Tomlison

Perfecta para alguien que celebre a su difunta madre este Día de la Madre. Es una dulce oda a la relación entre un hijo y su madre mucho después de que ella se haya ido.

«Mother Like Mine» de The Band Perry

En las primeras líneas de esta canción, empezarás a pensar en el amor por tu madre. La sentida letra engloba de algún modo el sentimiento de seguridad que las madres aportan a sus hijos.