Mamma Mia 2 es una frase que venimos escuchando desde hace un año sin saber en lo que se convertiría. Mamma Mia 2: Here We Go Again es el éxito indiscutible del verano. Sí, es cierto que Misión: Imposible – Fallout se perfila como la película más taquillera de la temporada, ha generado un montón de críticas estupendas e incluso, los fanáticos más apasionados hablan de la última misión de Ethan Hunt como la mejor película de acción del siglo XXI; pero todo esto era previsible. En cambio el éxito de Mamma Mia 2 ha ido creciendo paulatinamente. El año pasado se anunció una secuela que nadie esperaba, y una década después de la primera entrega llega una continuación y a pesar del tiempo transcurrido, no ha dejado a nadie indiferente. Mamma Mia 2 ha atraído a madres, hijas, nietas al cine; y con ellas, también han ido ellos. La película se ha convertido en un suceso.

Y es aún más sorprendente que este fenómeno se suscite entorno a un musical porque este género siempre ha despertado reacciones opuestas. Los seguidores del musical amamos el género por sobre todas las cosas; mientras que los haters suelen despotricar sobre el mismo como si se tratase de una sanguijuela en el cine que amenaza con destruir el séptimo arte. No a todo el mundo le hace gracia que un personaje rompa todas las normas sociales y estándares de cordura y de repente en medio de una calle empiece a cantar una canción. Lo cierto es que el género musical ha estado presente en el cine por casi una década y de hecho por un largo tiempo fue un fenómeno, sí, como el de Mamma Mia 2.

La historia del musical en Hollywood es de ascenso meteórico, una caída humillante y un retorno gradual a la grandeza con las lecciones aprendidas. De hecho, parece una buena trama para un musical.

Ascenso meteórico

Desde el primer largometraje “dialogado”, The Jazz Singer (1927), Hollywood era musical todo el tiempo. Estas primeras películas musicales presentaban poco del naturalismo que define al cine más contemporáneo; en lugar de eso, sirvieron grandes asuntos teatrales para audiencias que ya estaban acostumbradas a los musicales sobre las tablas, los programas de radio y el vodevil. El musical en el cine fue una forma para que el público y los creadores se familiarizaran con un medio desconocido a través de un género familiar.

Los estudios de cine a principios de los años 30 competían para superarse unos a otros con los mejores espectáculos, produciendo un exceso de números musicales. Sin embargo, la audiencia que venia de sobrevivir de la Gran Depresión rápidamente se cansó de la monotonía y exigieron más. Allí entra un personaje decisivo en la era dorada del musical, Busby Berkley, un director de baile de Broadway contratado por Warner Brothers para salvar el musical en el cine de la oscuridad. La innovación más importante de Berkley fue poner en movimiento sus cámaras utilizando botalones hechos a medida, convirtiendo al público (a través de la cámara) en parte de la coreografía. Esta nueva técnica entusiasmó al público como parte de la exitosa película de Warner Brothers 42th Street (1933).

Como otros estudios emularon el estilo de Berkley a lo largo de la década de 1930, la danza se convirtió en un componente aún más importante en los musicales. Este enfoque en la danza también aumentó la importancia de los bailarines individuales. Cada estudio de Hollywood tenía sus propias estrellas en contrato; tal vez ninguno más recordado que Fred Astaire y Ginger Rogers de RKO. Este dinámico dúo protagonizó musicales en el cine durante la década de 1930, como The Gay Divorcee y Top Hat, estableciendo el estándar para el género e inevitablemente estableciendo una nueva fórmula.

Los musicales alcanzaron su mayor popularidad en la década de 1940 cuando una población cansada de la guerra acudió a los cines para divertirse. En 1945, el año en que finalizó la guerra, seis de los diez mejores éxitos de taquilla fueron musicales. Pero la década de 1940 también fue una edad de oro para los artistas dentro del género. Una nueva generación de talentos, tanto delante como detrás de la cámara, creó personajes complejos e historias que usaban cada vez más la canción, la danza y la música como parte integral de la narración, en lugar de mera diversión.

En el centro de todo este talento e innovación estuvo la famosa unidad de Arthur Freed en MGM Pictures. Freed construyó su reputación inicial en 1939 con la legendaria película El Mago de Oz, y pasó a supervisar cuarenta musicales más en los próximos veinte años, incluidos clásicos como On the Town, Bells are Ringing y Gigi. El éxito de Freed se debió no solo a su talento individual, sino también a su habilidad para armar equipos de diversas habilidades para crear películas únicas. Una de sus colaboraciones más fructíferas fue con el ex director de Broadway Vincente Minnelli, a quien Freed atrajo a MGM en 1940. Freed y la colaboración de Minnelli produjeron una larga lista de películas legendarias, incluyendo el clásico Meet Me in St. Louis (1944).

La humillante caída

A fines de los años 50, la invención de la televisión estaba reduciendo la popularidad y, por lo tanto, las ganancias de Hollywood. Para bien o para mal, los estudios se volvieron reacios a invertir en musicales originales y la tendencia de Broadway a adaptarse a los musicales de las películas comenzó a revertirse a medida que Hollywood recurría cada vez más al escenario en busca de material original para ser adaptado.

Para ser justos, la dependencia de Hollywood a Broadway resultó en algo más que un burdo reciclaje de material antiguo y en varios casos dio como resultado películas legendarias que rivalizaban con la versión escénica. En 1968, Barbara Streisand ganó un Premio de la Academia cuando repitió su papel de Fanny Brice en la adaptación cinematográfica de Funny Girl, siendo esta su primera película. Mientras que Bob Fosse demostró repetidamente el potencial cinematográfico del musical al dirigir adaptaciones cinematográficas de Sweet Charity y Cabaret, por lo que también ganó un Premio Oscar.

Sin embargo, a pesar de la cantidad de joyas musicales cinematográficas que surgieron en los años 60 y 70, los estudios de cine tuvieron problemas principalmente para traducir la magia de Broadway en la pantalla grande. Man of La Mancha, Finian’s Rainbow y  La tia Mame se quedaron estancados en la taquilla. Películas populares como Bonnie and Clyde, The Graduate y Easy Rider definieron una nueva era de Hollywood que era más grotesca, más oscura y más natural. En la década de 1980, los únicos personajes en el cine que empezaban a cantar canciones de la nada era en una variedad de películas animadas. Disney construyó un imperio musical con estas, a menudo con la música de aclamados escritores de Broadway como Stephen Schwartz y Alan Menken, pero en lo que respecta a un público adulto una vez más parecía que el género se había extinguido.

El retorno gradual

Hollywood ha seguido adaptando los musicales teatrales en el siglo XXI, aunque con resultados mixtos. Dreamgirls y Chicago cada uno se ganó la empatia de la audiencia; Chicago incluso se convirtió en la primera película musical en ganar el Premio Oscar a la Mejor Película desde Oliver (1968) que recibió ese honor en 1969. Sin embargo, estos éxitos fueron ampliamente superados en número por fracasos desastrosos como Rent, Annie, Nine y Rock of Ages.

La verdadera sorpresa del siglo XXI ha sido el regreso de los musicales originales a la pantalla, especialmente en el improbable medio de la televisión. A diferencia del tono a menudo serio de muchos de los recientes musicales de cine, la televisión ha adoptado otro estilo, e incluso a veces a veces haciendo énfasis en el lado cursi del musical. Espectáculos como Nashville o Empire tienen lugar detrás de los escenarios en sus respectivas industrias musicales (música country en el caso de Nashville y hip-hop para Empire), muy parecidos a los musicales de la era dorada que a menudo se desarrollaban detrás de las escenas de un espectáculo de Broadway. Otros espectáculos, como Smash y Glee, van más allá al desviarse hacia lo surrealista y fantástico, pero les funcionó. Glee sumó seis temporadas, más de diez discos (rompió records con un puñado de sencillos, e incluso el elenco dio una gira que vendió literalmente todas las entradas en Estados Unidos y parte de Europa.

El uso de la forma musical por parte de la televisión a menudo se caracteriza por una sensibilidad postmoderna, casi irónica. El drama intensificado y la sinceridad extrema involucrada en expresar la emoción a través de la canción no encajan de forma natural para el público actual, pero una nueva generación de talento creativo ha redescubierto el potencial cómico disponible forma musical. Muestra como Flight of the Conchords de HBO o Trey Parker y la adaptación cinematográfica de Matt Stone de su serie de televisión escatológica South Park, simultáneamente satirizan el teatro musical y dependen de él como parte esencial de su comedia.

En octubre, CW Television Network estrenó una nueva serie de comedia musical llamada Crazy Ex-Girlfriend, creada por Rachel Bloom, una cantante y comediante de 28 años con una inclinación por Stephen Sondheim y Bob Fosse. El espectáculo a menudo deriva su comedia creando cambios discordantes del realismo en números de canto y baile al estilo Broadway. Bloom es un firme creyente de que el público estadounidense está lejos de haber terminado con los musicales.

Y de hecho, puede que tenga razón. En 2016 La La Land se convirtió en un fenómeno por muchas razones. Se convirtió en el primer musical original en ser nominado al Oscar en Mejor Película, además se convirtió en la tercera película en recibir más nominaciones (un total de 13); La La Land fue la película original (es decir, no reboot, remake o adaptación literaria) más taquillera de 2016 e incluso ganó un Grammy. Un año después The Greatest Showman seguiría los mismos pasos; inclusive la película protagonizada por Hugh Jackman superó a La La Land en taquilla. Este año, Mamma Mia 2: Here We Go Again está continuando el mismo sendero que la película de Damien Chazelle marcó hace dos años, de hecho Mamma Mia 2 es la primera secuela de un musical, al menos de lo que llevamos de cine. Y si seguimos hablando de Mamma Mia 2, apuesta por un reparto principal encabezado por mujeres.

Este resurgir paulatino pero conciso no parece cesar. El año que viene Disney va a estrenar la adaptación de Mary Poppins y Danny Boyle prepara un nuevo musical original. Tal vez Mamma Mia 2 sea prueba irrefutable de que estamos viviendo la segunda era dorada de los musicales.

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